LARIM2: “Potere e ideologia in contesti mediati da interprete”. Parte I

UNINT, 23-24 novembre 2017.

2017_English_program

La seconda conferenza internazionale del laboratorio LARIM, nato nel 2012 e coordinato dalla professoressa Claudia Monacelli, ruota attorno alla questione dell’ideologia e del potere – espresso nel discorso da un partecipante primario, come nei discorsi politici, inerente al contesto (ambiti medici, legali, per i servizi) o esercitato coscientemente dall’interprete nell’interazione. i saluti iniziali rievocano un passato distante (ma non troppo), in cui gli interpreti delle colonie rappresentavano la punta di diamante con cui incunearsi all’interno delle inesplorate regioni africane e asiatiche. Un ruolo denso di potere e di possibilità di intervento autonomo, per cui sorge subito la problematica della formazione degli interpreti, di un loro addestramento – il discorso della lusitanista Mariagrazia Russo fa emergere ricordi paralleli, quali ad esempio elaborata dall’Impero ottomano, di inviare bambini, figli di nobili, in paesi stranieri perché assorbissero la lingua e la cultura del posto pur rimanendo – o così si sperava – “fedeli” alla madrepatria lontana, che avrebbero in seguito servito con le loro abilità linguistiche. O ancora, l’utilizzo di specialisti della diplomazia e dell’amministrazione come esperti linguistici nell’Impero britannico: un tipo particolare di public servant che, con le lingue, serve il potere.

L’interprete, quindi, viene percepito come una figura potenzialmente ambigua e pericolosa, capace di manipolare il discorso, di piegarlo ad altri sensi: un esempio recentissimo, la scelta del pronome di cortesia per le traduzioni portoghesi dei discorsi del Papa. Laddove a Benedetto XVI veniva attribuito il formale vós, che segnala un distacco dall’uditorio, a papa Francesco si fa usare il você, più familiare e umano: una scelta apparentemente ingiustificata, con l’effetto di cristallizzare i pontefici nelle due opposte immagini del papa ieratico e del papa umano.

E’ qui che la nozione di “potere” prende la connotazione di “potenza”, di “facoltà”: la capacità e il diritto di intervenire in una conversazione, le il “potere” in senso stretto che così viene esercitato.

A queste prime definizione si aggiungono anche quelle di “forza” e di “facoltà legale”, come ricorda Christina Schäffner, studiosa in Translation Studies e di cui il lavoro sulle metafore nel discorso politico e istituzionale verrà ricordato a più riprese nel corso della conferenza. La sua lezione ci trasporta nella DDR degli anni Settanta e nel mondo degli interpreti e traduttori (accomunati sotto l’etichetta di “mediatori linguistici”), della loro formazione, dei dubbi etici, del posizionamento, delle possibili strategie di resistenza.

Se interpretare significa compiere delle scelte, queste scelte sono necessariamente parziali, e quindi partigiane; posto che scegliere si deve, è bene allora essere in grado di compiere scelte che siano deliberate e consapevoli – e accade, talvolta, che un traduttore o un interprete intervenga pesantemente nel discorso o nel testo su cui lavora, intrecciando la propria visione politica o del mondo nella sua resa. Non per niente si parla di interpreti quali co-costruttori del significati, coordinatori dello scambio comunicativo, e anche come “attori del cambiamento”. Tanto più quando il contesto sollecita un posizionamento politico, come durante la Guerra Fredda, in cui l’interprete serve un uomo politico, un partito, un’ideologia. Ci concentriamo qui sul sistema socialista di mediazione linguistica elaborato dal Partito Comunista della Germania Est. Tale sistema prevedeva tre strati del lavoro di mediazione linguistica:

1.Il primo riguarda il processo linguistico, basato sul concetto di equivalenza linguistica, concetto cardine della traduzione negli anni Settanta, per cui si presuppone l’esistenza di una equivalenza 1:1 tra un termine della lingua A e un termine della lingua B – equivalenza oggettiva e non situata. Ma il problema degli equivalenti è ben più vasto: il lessico non è mai neutro, ma colorato da connotazioni potenzialmente insidiose per l’interprete che deve incarnare la Partheilichkeit, la dedizione al Partito; esempi scottanti sono la traduzione di  termini “sensibili”, connotati politicamente, quali “muro di Berlino” (non è un muro, è la frontiera della DDR), “profitto” (impossibile parlare di profitto (Profit), concetto capitalista, per le imprese socialiste: si dve parlare di guadagno, Gewinn). Questa scelta obbligata ha delle ripercussioni anche sulla formazione degli studenti, che si pongono domande scottanti: “Cosa fare se…”, “Cosa dire quando…”, scontrandosi con un imbarazzo di fondo del docente, le cui lezioni, ricorda Schäffner, restano vaghe, impossibilitate ad ancorarsi su una teoria solida o sulla libertà di esprimere una visione contrastante, che non potrebbe comunque essere messa in pratica durante l’esercizio della professione.

2. Il secondo livello della mediazione linguistica è legato al rapporto tra singolo atto comunicativo e attività superordinata in cui l’atto comunicativo stesso si inserisce – politica, economica, scientifica. La traduzione deve essere impostata in armonia con queste attività che rappresentano gli interessi dei lavoratori.

3. Infine, sull’ultimo gradino del processo linguistico, stanno i valori di oggettività e verità quali principi intrinseci del proletariato. Viene così a essere negata ogni soggettività, ogni interpretazione che non sia oggettiva – con conseguenze immaginabili sull’interprete e sul discorso. Interpretazioni soggettive potrebbero essere macchiate da adesioni a interessi d classe altri – una preoccupazione che si riflette anche nelle combinazioni linguistiche assegnate agli studenti: le lingue occidentali venivano affidate a studenti che avevano un retroterra proletario, e nessun rapporto con l’Occidente, compreso con eventuali parenti nella Germania Ovest – rapporti che, se esistenti, dovevano essere troncati. La stessa preoccupazione si rivela anche nella strutturazione del curriculum di studi, che prevedeva:

a. Due lingue, di cui una anche a partire da zero, a seconda delle esigenze del Partito e assegnate agli studenti dal Partito stesso. Per due anni, lingua russa obbligatoria per tutti;

b. Teoria e pratica della mediazione linguistica;

c. Letteratura;

d. Teoria politica marxista-leninista (quattro anni);

e. Educazione fisica;

f. Il terzo anno era previsto un anno all’estero per chi studiava lingue dei paesi socialisti; per le lingue occidentali, ciò non era possibile, ma si suppliva cominciando a introdurre gli studenti nel mondo del lavoro.

Un’attività parallela al lavoro più strettamente traduttivo era l’accompagnamento ad ospiti stranieri in visita. Durante queste attività, l’interprete doveva “fornire una visione realistica della DDR” e incarnare gli ideali socialisti, incorporandoli nella sua conversazione. A questi incarichi seguivano poi riunioni con gli altri membri del team di traduttori, regolati da un membro di un organo di partito che si interessava (a volte tramite questionari ad hoc) al comportamento dei visitatori e alle loro osservazioni sulla Germania socialista…

In questo scenario, risulta difficile per traduttori e interpreti elaborare teorie non influenzate ideologicamente, e mettere in atto pratiche di resistenza. La ricerca non ha ancora approfondito la natura di comportamenti non normativi in questo ambito, e un loro possibile valore potenziante per l’interprete dissidente. A questa riflessione, si accompagna la consapevolezza che non esiste un profilo unico dell’interprete, del traduttore, così come non esistono pratiche giudicabili in maniera astratta: “everything depends on a set of conditions that are – like historical events – unique and unrepeatable”.

Dal pubblico emergono visioni differenti: in maniera più sottili, siamo tutti oggi imbevuti di una ideologia nascosta, strisciante, difficile da riconoscere rispetto ai comportamenti obbligati dei traduttori e dei ricercatori della Germania socialista che producevano elaborati panegirici del marxismo-leninismo nelle proprie pubblicazioni, e che venivano interpretati non come sottomissione ossequiosa, ma come una convenzione di genere propria dello stile accademico, scientifico o formale allora in vigore. In questo senso, non era necessario un processo di de-ideologizzazione, proprio perché l’ideologia veniva percepita come una cornice esterna, un riquadro in cui il lavoro si situava, ma che non infiltrava poi i traduttori stessi.

A riprova della presenza di un’ideologia sistematica che investe anche il mondo della traduzione, un partecipante ricorda una brochure prodotta dal governo spagnolo per invogliare i giovani a intraprendere studi di traduzione, e in cui si segnalano lo spirito di iniziativa e le capacità imprenditoriale quali caratteristiche tipiche del buon traduttore.

Bibliografia

Tymozcko, M., Gentzler, E. (eds.) (2002), Translation and Power, University of Massachusetts Press.

Del ricchissimo spettro di argomenti e setting trattati, proporremo solo alcune restituzioni: per primo, l’intervento di Amalia Amato e Gabriele Mack (Università di Bologna-Forlì), “Giving voice to the powerless: Children in interpreted-mediated interviews”.

I bambini rappresentano una delle categorie dove l’asimmetria di potere è più evidente. per l’età, per la fragilità fisica, perché non sanno leggere e scrivere, perché hanno alle spalle una storia di migrazione e di difficoltà. Laddove l’interlocutore/cliente dell’interprete (in un contesto istituzionale, ma non solo) sia un bambino, il tradizionale modello triangolare della comunicazione perde la (presunta) simmetria tra i vari lati, sbilanciandosi notevolmente dalla parte dell’istituzione prima, dell’interprete poi. Il bambino resta la figura con meno potere e meno risorse, ed Amato e Mack hanno deciso di condurre uno studio per capire quale fosse la percezione che i bambini hanno dell’interprete e del suo lavoro in vista di una maggior sensibilizzazione degli interpreti e dei loro formatori in questa direzione.

Lo studio si è concentrato su 18 bambini divisi per fascia di età: otto bambini dai 6 ai 9 anni, quattro bambini dai 10 ai 13 e sei  adolescenti dai 14 ai 17 anni. Sono state utilizzate delle interviste semi-strutturate e dei focus group. Le interviste sono state condotte in tedesco da tre intervistatrici; l’interprete italiano-tedesco era un uomo.

I bambini guardavano un video che mostrava un borseggiatore, e una donna sordomuta che non riesce a comunicare quel che è successo. Lo scopo era permettere ai bambini di raccontare una storia senza attingere alle proprie esperienze personali, ma, al contempo, introducendo un elemento che poteva suggerire l’impotenza del bambino di fronte ad episodi negativi. Il video è stato scelto anche perché non presentava nessun tipo di violenza.

Dalle interviste sono emerse le opinioni dei bambini e ragazzi, innanzitutto sul gradimento della presenza dell’interprete: l’interprete è lì per aiutare, è divertente perché fa ascoltare una lingua sconosciuta, sembra proprio che si possa parlare con un’altra persona anche se non si conosce una lingua. Non piace, invece, la tecnica del chuchotage: i bambini la percepiscono come “maleducata” (“Noi non possiamo interrompere, perché lui sì?”): il chuchotage viene visto come un’interruzione del discorso, un elemento disturbante all’interno della comunicazione.

per quel che riguarda i rapporti pregressi tra interprete e intervistatrice, si chiedeva ai bambini se pensavano si conoscessero già. La risposta varia molto a seconda dell’età dei bambini, ma quello che è interessante è la percezione che gi adolescenti hanno: se si fossero già conosciuti, sarebbe stato uno svantaggio, perché loro avrebbero avuto meno fiducia nell’interprete.

La partecipazione, invece, viene percepita come gratificante: sentirsi ascoltati, sentire l’attenzione di due adulti su di sé, sentire che quel che si dice conta, ha un effetto piacevole sui bambini e sui ragazzi.

Quali sono le caratteristiche di un incontro mediato da interprete che risulta gradite ai bambini?

a. il coinvolgimento, sentirsi a proprio agio;

b. essere ascoltati;

c; non essere interrotti: il chuchotage non è la tecnica migliore;

d. il contatto visivo sia con l’intervistatrice che con l’interprete;

e. poter scegliere dove sedersi e la distribuzione dei partecipanti: e configurazioni, infatti, sono state più che varie, il che testimonia esigenze diverse a seconda della persona, un fattore da tenere in considerazione.

H. Mole (Watt-Heriot University), “Perceptions of power dynamics: Reflections on sign interpreting”.

Mole sceglie la pedagogia degli oppressi di Freire (1970) e Bourdieu come cornice teorica per il proprio studio, partendo dal concetto di potere simbolico quale “invisible power which can be exercised only with the complicity of those who do not want to know that they are subject to it or even that they themselves exercise it”. Una definizione di potere a nostro avviso efficace, ma che deve essere infomrata delle percezioni individuali dei protagonisti dell’incontro: Mole sceglie così di far redigere a dieci interpreti dei giornali autoriflessivi, con 4-6 voci per ogni giornale, seguiti poi da un debriefing.

Come metodo, Mole applica la narrative inquiry quale descritta da Ledwith (2005) e si rifà a Baker-Shenk e alla sua descrizione delle caratteristiche esibite dagli oppressori in rapporto agli oppressi, gruppo in cui si inseriscono le persone sorde: obiettivo è individuare tali caratteristiche negli atteggiamenti dell’interprete udente di lingua dei segni, e proporre invece la figura alternativa del partner come modello di ruolo.

Oppressor Partner
Possessive consciousness Showing solidarity with oppressed
Pejorative attitude Desire to transform unjust systems
Paternalistic attitudes Promoting independece
Desire of approval from the Oppressed
Hearing fragility/Defense mechanism Transparency and accountability
  1. Possessive consciousness: la persona sorda viene percepita come soggetto di cui ci si prende cura. Ci si riferisce a lei o a lui come a “il mio cliente”, mentre non si usa questo termine per riferirsi al cliente udente, che viene invece indicato con il termine professionale: “il dottore”, “l’operatore sociale”. E’ vero che il sistema di prenotazione per un interprete di lingua dei segni nel Regno Unito è tale da suggerire che l’unico cliente dell’interprete sia la persona sorda, e sostiene quindi l’idea della loro dipendenza, laddove il cliente udente viene rappresentato e percepito come indipendente.
  2. Pejorative attitude: il gruppo oppresso viene tipicamente rappresentato come scansafatiche e incompetente (Freire 1970). In un intervento precedente (I. Heyerick, “Interpreting strategies: the why behind the what”), ci viene ricordato come la comunità sorda sia stata fortemente penalizzata dalla visione darwiniana del linguaggio, per cui il gesto, l’incapacità di parlare vengono situati a un livello primitivo, animalesco. Questo stereotipo inferiorizzante sembra essere abbracciato anche dagli interpreti, che manifestano un forte desiderio che il cliente sordo faccia “bene il proprio lavoro”, arrivando a introdurre nella resa elementi che il cliente sordo aveva scelto di non disvelare senza una discussione precedente. Il cliente viene anche descritto, a latere, come “intelligent” e “knowledgeable”, come un caso specifico (ed eccezionale?) all’interno della categoria.
  3. Paternalistic attitudes: gli interpreti ammettono schiettamente di utilizzare il proprio “potere” per difendere e far progredire la causa del cliente sordo.
  4. Defense mechanism: il concetto di “hearing fragility” corrisponde a quello di “white fragility” proprio dei White Studies: una sensazione di smarrimento e di crollo delle proprie certezze e del proprio sé nel momento in cui viene contestata o minata la percezione che si ha della categoria (bianco, udente) a cui si appartiene. Reazioni tipiche sono la rabbia, il prendere distanza da quanto viene detto e dalla situazione, cercare di ritornare all’equilibrio noto – lo status quo. E’ un conflitto di mondi e di visioni che diventa difficile da gestire per l’interprete.

Al contrario, le caratteristiche che possono essere fatte proprie dall’interprete che vuol essere un partner del cliente sordo sono molteplici: non esiste un solo modo di accostarsi in maniera solidale al cliente sordo, ma tutte queste modalità devono scaturire dalla riflessività, caratteristica imprescindibile, partendo dalla consapevolezza del proprio difficile ruolo di gatekeepers. Del resto, riflettere sul proprio ruolo è necessario, non solo perché significa responsabilizzarsi in quanto interpreti, ma anche come strategia di sopravvivenza: Bahadir ricorda infatti che “open and courageous positioning is vital because interpreters mostly suffer from burnout… when they do not reflect about their involvement” (Bahadir 2010). Una nozione a nostro avviso preziosa che merita di essere introdotta anche nella didattica dell’interpretazione, consentendo di problematizzare e riconoscere un malessere, una difficoltà a incarnare il ruolo neutro che i giovani interpreti (e non solo) possono provare.

Bibliografia

Bahadir, S. (2010), “The Task of the Interpreter in the Struggle of the Otherfor empowerment: Mythical utopia or sine qua non of professionalism?” in R. Sela-Sheffy, M. Shlesinger (eds.),  Profession, Identity and Status: Translators and Interpreters as an Occupational Group, John Benjamins.

Baker-Shenk, C. (1986) “Characteristics of Oppressed and Oppressor Peoples: Their effect on the interpreting context”, in Proceedings of the Ninth National Convention of the Registry of Interpreters for the Deaf, disponibile all’indirizzo: http://www.interpretereducation.org/wp-content/uploads/2014/04/Characteristics-of-the-Opressed_110314.pdf

Bourdieu (1991), Language and Symbolic Power, Harvard University Press.

Freire, P. (1970), Pedagogia del oprimido, Tierra Nueva.

Foucault, M., Gordon, C. (1980), Power/Knowledge: Selected Interviews and Other Writings, Pantheon Books.

Ledwith,M. (1997, 2005), Community Development: A Critical Approach, Policy Press.

Mason, I., Ren, W. (2012),”Power in Face-to-face Interpreting Events”, in C. Angelelli (ed.), The Sociological Turn in Interpreting Studies, John Benhamins.

Thompson, N. (2011), Promoting Equality: Working with Diversity and Difference, Palgrave.

 

 

Giornata di studi AIM: Comprendere le re(l)azioni, mediare le interazioni

Locandina-AIM-21-novembre-2017

Macerata, 21 novembre 2017

La giornata di studi annuale del gruppo di ricerca AIM sull’interazione (mediata e non) ha inizio con la lezione di Graham H. Turner (University of Heriot-Watt), “What is the Wrong Word?”. Domanda cruciale per un interprete. Esiste una parola sbagliata, o, forse, è necessario districarsi da concetti quali “giusto”, “sbagliato”, concetti-pastoie come “accuratezza”, “equivalenza”, “Il Significato” che hanno lungamente imbrigliato studenti e professionisti dell’interpretazione? Con un’analogia centrata, Turner ribalta la prospettiva e, da interprete-vittima di nozioni idealizzate, idee platoniche dell’interpretare, ci propone la versione traduttiva della defensive medicine: il defensive interpreting. Bardandosi di idee che esistono al di fuori da sé, l’interprete abiura alla sua responsabilità primaria: compiere scelte, agire come partecipante all’interazione, co-costruire il significato, esercitare un’agentività e, di conseguenza, una responsabilità.

Ripercorrendo storicamente i concetti linguistici che hanno minato alla radice la presunta invisibilità dell’interprete (dalla costruzione del significato nell’interzione di Bakhtin alla pragmatica griceana dell’implicatura), Turner ci pone un nuovo interrogativo: posto che l’interprete partecipa effettivamente all’interazione, come esaminiamo la generazione di significato da parte dell’interprete?

Partecipare all’interazione significa co-costruire, significa gettare le basi per una comprensione che non è mai fissa o data, ma dinamica, e che si accontenta di una sensazione comune di reciproco intendimento, che elaboriamo man mano che l’interazione prosegue. In questa co-costruzione e continua elaborazione del significato, l’interprete non agisce casualmente, né come potrebbe agire un altro partecipante: le sue azioni sono specifiche, uniche; e introducono un elemento di complessità notevole nell’interazione.

Se, in un’interazione diadica, produciamo un messaggio con in mente il nostro interlocutore, e allo stesso modo ascoltiamo l’altro; se immaginiamo come l’altro ci capisca o ci possa o voglia capire, e guidiamo così le nostre parole; quante e quali di queste manovre di aggiustamento devono essere moltiplicate dall’aggiungersi di una persona in più, e una persona con uno scopo, un ruolo, delle capacità (da esercitar) all’interno dell’interazione! Siamo lontani, insomma, dalla metafora trasformatrice, ma falsamente rassicurante (quantomeno per i non ballerini!) del pas-de-trois evocato da Wadensjö per descrivere l’interazione triadica mediata.

Le azioni specifiche dell’interprete, infine, si inseriscono in tre macrosfere: l’elaborazione del significato; la costruzione della comprensione (“do understanding”: un’azione concreta, dinamica, collaborativa e situata); lo sviluppo della propria intersoggettività come una cosoggettività, modellata nello scambio con gli Altri.

C. Baraldi (Università di Modena e Reggio Emilia), “Facilitation of Children’s Narratives of Cultural Differences in Classroom Interactions”

L’interazione in classe presenta particolarità tutte sue; ma, come ogni interazione all’interno di un’istituzione, è caratterizzata da una gerarchia verticale dei partecipanti, e da un’autorità epistemica che non è equamente distribuita. Sta al facilitatore ridistribuire la parola e il diritto non solo alla parola, ma alla produzione di conoscenza, che ai bambini è sottratta. Baraldi contrasta la nozione di cultura come appartenenza stabile nel tempo e di multiculturalismo come spinta potenzialmente essenzialista, in cui in realtà trovano terreno fertile i germi dello stereotipo e della banalizzazione che rischiano di fagocitare gli individui; e propone un approccio alternativo, basato sulle narrazioni come strumento per interpretare e archiviare storie ed esperienze, e su un concetto dinamico e idiosincratico di identità culturale, accettata, rifiutata, negoziata – ma, comunque, scelta – in questo caso, dai bambini.

Ventiquattro seminari, sessantotto ore di video e trascrizioni per individuare la costruzione di narrazione legate alla propria identità e appartenenza: a partire dalle fotografie. I bambini sono stati invitati a portare delle fotografie legate al proprio passato o al proprio background familiare: da queste (350) immagini, gli studenti hanno elaborato delle storie sul sé in un dialogo collettivo col facilitatore, che esplorava aspetti potenzialmente portatori di specificità culturali, rigettandoli laddove il bambino non li riconosceva come tali; proponeva esplicitamente visioni stereotipiche nominandole in quanto tali; si rimetteva, infine, alle decisioni del bambino su chi fosse, chi fosse stato, chi diventerà.

L. Anderson, L. Cirillo (Università di Siena), “Making Disciplinary Identity Relevant in Academic Presentations Addressed to Multidisciplinary Audience”

Chi siamo quando ci raccontiamo? E quando ci raccontiamo come professionisti e studiosi di fronte ad altri professionisti e studiosi? Dove si situa l'”io”, dove il “noi”, dove il “voi”, e come vengono sfruttati questi pronomi per altri scopi?

Anderson e Cirillo partono dalle presentazioni di giovani ricercatori all’interno di un progetto multidisciplinare che conta specialità quali Economia, Scienze politiche e sociali, Storia e cultura, Giurisprudenza. Analizzando l’utilizzo dei pronomi personali, si scoprono identificazioni, si approfondiscono aspetti della propria disciplina che possono risultare ostici o ignoti ad altri, si sollecitano collaborazioni, si creano gruppi e categorie funzionali ai nostri desideri e ai nostri bisogni: descriverci, farci conoscere e riconoscere, elaborare affinità o complementarità in vista di lavori comuni e futuri… Il tutto in una rappresentazione del sé che si appoggia a un parallelo processo di audience design, in cui si inseriscono meccanismi quali l’altercasting, ossia l’attribuzione di identità ad altri presenti per evocare colei o colui che è il nostro alter ego, il “tu” di cui l'”io” ha bisogno.

R. Merlini, C. Turini (Università di Macerata), “Mediazione, empatia e antropologia”

Dall’empatia dell’interprete come tratto caratteriale a una definizione antropologica di empatia che parta dal primo dei contesti: il corpo. In un rifiuto delle dicotomie epistemologiche tipiche del post-Illuminismo, in cui le emozioni, figlie della natura, si scontrano con i sentimenti quali elaborazioni culturali. E si scarta dalle teorie riduttiviste che vorrebbero le emozioni mere risposte cognitive. Resta una teoria dell’emozione che non dualizza e non separa, ma si cala nel corpo, a partire da quello del paziente. Protagonista della malattia, riporta l’esperienza vissuta e con essa una conoscenza e delle rappresentazioni che incrociano narrative individuali e psicologiche a narrative sociali. Con un rischio, per il ricercatore: appiattire il corpo sul foglio, “testualizzarlo”, facendogli così perdere significato;

Il corpo dell’interprete è invece corpo terzo, che non può però prescindere dalle caratteristiche comuni a tutti i corpi: essere il luogo dove ricordi, vissuti ed emozioni si concretizzano, prendono forma. E, con essi, anche l’empatia quale risposta corporea all’Altro, non per questo immune da condizionamenti e caratterizzazioni culturali, storiche, individuali: col corpo si vive, si conosce, si è. Impossibile prescinderne, impossibile invocare un’idea astratta e univalente di empatia – di qui la sfida per i partecipanti all’incontro, che siano pazienti, interpreti o medici.

N. Niemants, “Savoir pour Interpréter: A Case Study in a Medical Context”

Macro e micro a confronto. Trascrizioni dei singoli eventi interpretati presso reparti ginecologici e pediatrici e interviste con interpreti che raccontano di sé, delle proprie percezioni e idee sulla professione, su ciò che avviene o dovrebbe avvenire.

Da un lato, il contesto limita l’interazione, declinandola secondo le procedure tipiche dell’incontro medico e secondo il recipient design che risponde a un bisogno di categorizzazione umano che facilita la comprensione… Dall’altro, l’interazione unica e specifica fa emergere contesti a partire da informazioni e caratteristiche salienti dei partecipanti che servono per creare una propria conoscenza e definizione di contesto, non immune da un’eventuale analisi critica da parte dell’interprete, che interpreta sempre per un motivo, per uno scopo: accogliere la paziente, prendere appuntamenti, determinare l’aderenza alla terapia… Il tutto lasciando margine a interventi autonomi il cui scopo è rispondere alle aspettative e alle norme conversazionali degli interlocutori.

Il dialogo tra macro e micro produce elementi significanti: se un’azione è frequente, diventa rilevante ai fini dello studio; se un’azione ha sollecitato reazioni positive e adeguate, diventa allora efficace, riproducibile.

R. Merlini, L. Picchio (Università di Macerata), “Interpreting at the Giffoni Film Festival: A Study of Audience Design”

Interpretare per i media o dentro i media? O, ancora, né l’uno, né l’altro?

L’interpretazione in un festival cinematografico sfugge alle definizioni nelle caratteristiche del setting (non si lavora da uno schermo) e sulla lunga lista delle combinazioni possibili dell’uditorio: il pubblico da casa, il pubblico presente al festival, i giurati? E a che ruolo goffmaniano possono essere apparentati? Nel dedalo delle forme dell’ascoltare (addressees, auditors, overhearers, eavesdroppers), l’interprete deve esercitare le proprie acrobazie verbali scegliendo cosa e come tradurre – e non basta la presenza della telecamera per far assurgere il pubblico da casa ad ascoltatore d’elezione, se di fronte a sé un pubblico in carne e ossa reagisce fisicamente alla sua performance: sarà quello l’uditore prescelto, l’addressee del suo discorso – il tutto cercando di districarsi tra l’implacabile ethics of entertaining, a cui l’interprete piega la propria traduzione, e la sensazione di esposizione totale che si prova mentre la cinepresa ti bracca, mentre la registrazione affida e abbandona la propria performance agli occhi e alle orecchie di un pubblico remoto, invisibile, a cui non si potrà mai venire incontro.

La giornata si chiude con l’intervento di Rachele Antonini (Università di Bologna), che ci parla di Non-professional Media Interpreting of Radio Interviews. Ma il tempo è tiranno, Genova lontana: e ci impedisce di ascoltare quest’ultimo intervento che problematizza la performance di non professionisti in un media particolare come la radio.

A Bologna torna il paradiso dei cinefili: XXXI edizione del Cinema Ritrovato

Si è svolta a Bologna, dal 24 giugno al 2 luglio, la XXXI edizione del Cinema Ritrovato: festival amato e frequentato da studiosi di cinema, cinefili e semplici appassionati. Si tratta di un appuntamento ormai consolidato che propone a un pubblico variegato ma molto interessato proiezioni che ripercorrono la storia del cinema attraverso i classici restaurati, le cinematografie lontane e poco conosciute, lezioni di cinema, incontri sul restauro, eventi collaterali (mostre, presentazioni di libri e attività per i più piccoli) e confronti e dialoghi con registi e attori. Come di consueto, anche in questa edizione, all’interno delle quattro sezioni – Il paradiso dei Cinefili, La macchina del tempo, La macchina dello spazio, Il Cinema Ritrovato kids and young – sono stati presentati i progetti di restauro (Ritrovati e Restaurati, Jean Vigo ritrovato, solo per citarne alcuni), rassegne dedicate a un tema (Rivoluzione e avventura, 1897. Cinema anno due), a un attore (Robert Mitchum, un attore con due volti) o a personalità fondamentali per la storia del cinema (Universal Pictures: gli anni di Laemmle Junior, Colette e il cinema).

Come al solito, le intense giornate del Cinema Ritrovato si sono spesso concluse, per gli abbonati e per i frequentatori occasionali, in Piazza Maggiore o in Piazzetta Pasolini, per i Cineconcerti. Quest’anno, il programma dei Cineconcerti è stato aperto da due proiezioni mitiche ed epiche allo stesso tempo: il Prologo de La Roue di Abel Gance (anticipazione di un maestoso e pregevole restauro) e La Corazzata Potëmkin di Sergej Ejzenštein. Le due sinfonie visive sono state accompagnate dalle musiche originali eseguite dalla Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna, e hanno offerto agli spettatori una visione complessa, dinamica e terribilmente attuale.

Sarebbe arduo e riduttivo cercare di racchiudere in poche righe gli otto giorni dell’ultima edizione del Cinema Ritrovato, duranti i quali, a differenza di altri festival, i film non vengono soltanto scelti e presentati, bensì “custoditi”, restaurati e diffusi. Un vero e proprio “paradiso per cinefili”, per riprendere il titolo di una delle sezioni, nel quale è stato possibile vedere una piccola retrospettiva dedicata ad Augusto Genina, rileggere l’opera di William K. Howard, avvicinarsi al film storico giapponese o a quello messicano, scoprire alcuni intensi lavori provenienti dalla Polonia o dalla Cecoslovacchia e infine gustare le grandi interpretazioni delle star, Marlene Dietrich, Joan Cawford, Ivan Mozžuchin, Alain Delon e Cary Grant, solo per citarne alcuni.

Infine, nella rassegna Cento anni fa: 50 film del 1917 in 50 mm è stato possibile cogliere e godere pienamente della ricchezza formale ed espressiva del cinema, che sin dalle proprie origini esplora e costruisce mondi e storie, attraverso una macchina da presa mai percepita come limite. Si ricordano qui brevemente alcuni dei capolavori presentati in questa sezione che esemplificano le potenzialità del cinema: Mater Dolorosa di Abel Gance, costruito su contrappunti di luci e ombre; il documentario Kanalen en Windmolens, che sperimenta inedite sovrapposizioni di immagini in movimento, utilizzando anche il lavoro di postproduzione; Revoljucioner e Za sčast’em di Evgenij Bauer, che testimoniano il fermento intellettuale e artistico del cinema prelivoruzionario russo; La ragazza della torbiera di Victor Sjöström, capostipite del film d’autore svedese, che riscosse già alla sua uscita un grande e internazionale successo di pubblico e critica.

Dopo il festival, il lavoro della Cineteca continua con le piccole rassegne organizzate a Bologna e con il ricco programma delle uscite nazionali del Cinema Ritrovato al Cinema. Classici restaurati in prima visione.

Per ulteriori informazioni e aggiornamenti si rimanda al sito della Cineteca, www.cinetecadibologna.it, e a quello della rivista online coordinata dal prof. Roy Menarini, Cinefilia Ritrovata, www.cinefiliaritrovata.it.

“Spazi bianchi. Indagine sull’assenza”. Una Graduate Conference a Salerno

Caleidoscopicamente, l’assenza del titolo a cui è consacrata la graduate conference salernitana si svela subito come ricchezza sterminata di stimoli e spunti: dottorandi e dottorati di fresco titolo, provenienti da atenei italiani e internazionali, si alternano in una Miscellanea multidisciplinare abilmente declinata in sessioni tematiche che stabiliscono nessi originali tra interventi molteplici.

Mercoledì 5 luglio

La prima giornata si apre con i saluti delle docenti responsabili del Dipartimento di Studi umanistici e del Dottorato in Studi Letterari, Linguistici e Storici che ci ospita, e con la lezione inaugurale di Nicola Gardini (University of Oxford) che si addentra tra le radici della tradizione letteraria occidentale per far emergere il tema di fondo: lo scarto tra l’essere e il narrare, tra la vita e la letteratura, in un dire lacunoso del narratore in cui il lettore e la sua immaginazione trovano in realtà il proprio habitat in cui crescere e agire.

Gli interventi delle prime due sessioni ruotano attorno alla letteratura: alle “Rappresentazioni dell’assenza nel Novecento letterario italiano” (un viaggio tra Montale e Gozzano, Bontempelli, Lalla Romano e Tondelli) fa seguito la seconda sessione, “Trasversalità e coniugazioni dell’assenza nei testi letterari”. Solletica la curiosità dell’umanista digitale il contributo portato da Monica Manzolillo (Università di Salerno), incentrato su Shelley Jackson, autrice di Patchwork Girl.

Shelley Jackson, “Patchwork Girl” (1995)

Opera letteraria ipertestuale del 1995, scritta con il software di scrittura e lettura Storyspace, Patchwork Girl compone e riscompone un corpo di donna che è la sua storia, cercando di rendere visibile non solo l’interità della persona-narrazione, ma anche i brandelli (o lessie) di cui è composta, ciascuno significante, ciascuno ripercorribile grazie al link, manifestazione palese del labirinto ipertestuale borgesiano e incarnazione del collegamento creativo tra un elemento e l’altro.

Reminiscenze di Frankenstein di Mary Shelley e di The Patchwork Girl of Oz di Frank Baum (in cui si immagina la creazione di un mostro frankensteiniano donna) compongono il tessuto di rimandi dell’ipertesto, animato da un collage di immagini che mostrano un corpo femminile via via dissolto o agglomerato; corpo-storia in cerca di interezza e, quindi, di senso. Ricerca dell’autrice, novella Alice nel mondo dell’ipertesto, ma anche traccia percorribile dal lettore in uno dei primi esperimenti di letteratura plasmata dalla natura digitale del medium usato.

La giornata procede attraverso altre discipline: le lettere antiche, con la sessione “Agnizioni dell’assenza nei testi del mondo antico”, la filologia, nello spazio dedicato alle “Strategie dell’assenza: scritture anonime e scritture allegoriche”, e la storia dell’arte, che chiude la giornata con i “Vuoti visivi e valori dell’incompiuto nelle arti figurative”.

Titus Kaphar, “Space to Forget” (2014), Jack Shainman Gallery, New York.

L’intervento di Natacha Yahi (Centre d’études des arts contemporains (Lille) problematizza il rapporto con lo stereotipo della nanny nera nella cultura afroamericana e brasiliana. L’artista statunitense Titus Kaphar sottrae la presenza dei personaggi bianchi dominanti per far emergere quella delle domestiche nere, ritratte però in pose disumanizzate, materiche: mobili umani in spazi privi di umanità.

Si apre tuttavia una nuova faglia di contraddizione quando si analizza il rapporto dell’artista e dell’opera con la fonte: Yahi ha individuato chiari riferimenti alle fotografie di donne – schiave – brasiliane risalenti ancora all’Ottocento (O negro na fotografia do século XIX, G. Ermakoff (2004)), che impongono una riflessione sul conflitto tra le tracce di una memoria coloniale sudamericana e l’artista statunitense, nonché tra l’immagine della donna reificata e l’artista (uomo)-agente, a cui fanno da contrappeso alcune opere di autrici donne, tra cui (ancorché non recente) The Black Female Body. A Photographic History (D. Willis, C. Williams, 2002).

Giovedì 6 luglio

Alla linguistica (applicata, pragmatica e comparata) viene dedicata la prima sessione della seconda giornata (“Significati delle forma linguistiche e funzioni della loro assenza”), a cui succede la sessione dedicata allo “Standard linguistico come non-luogo”.

Michele Bevilacqua (Università di Napoli “Parthenope”) ci propone una riflessione sull'”Absence en langue arabe et la présence en langue française dans l’Algérie contemporaine: des ‘espaces blancs’ dans la culture arabo-musulmane”.

La pluralità linguistica (arabo classico, arabo algerino, francese) del paese rende possibile agli algerini non solo una relazione affettiva differente con ciascuna lingua e con i simboli che rappresenta, ma anche un suo uso ragionato in funzione degli scopi comunicativi. L’ipotesi di Bevilacqua è che, accanto alla lingua araba classica e nazionale che rendono impraticabili alcune sfere semantiche (la sessualità in primis), il francese, ex lingua coloniale, diventi lingua di apertura e possibilità di nominare l’indicibile, in particolare nella canzone contemporanea Rai, genere di grande diffusione in Algeria.

L’arabo come lingua della quotidianità e della politica interna, il francese come lingua della corporeità e della politica internazionale: un’alternanza non obbligata che attesta la varietà delle opzioni comunicative delle comunità plurilinguistiche, e che apre interessanti interrogativi sull’eredità della lingua francese in Algeria, da oggetto imposto a strumento di riappropriazione.

La terza sessione è dedicata alla didattica, con “il detto e il non detto nelle pratiche didattiche”. Irene Gallerani (Universität zu Köln) indaga le pratiche linguistiche dei docenti di lingua italiana in Germania e il rapporto lingua-identità che ne informa l’uso. Segue il nostro intervento (Nora Gattiglia, Università di Genova), incentrato su un laboratorio didattico blended sull’interpretazione telefonica italiano-francese, e sulle possibilità espressive concesse, ostacolate o potenziate dagli strumenti di comunicazione on-line in direzione di una didattica in rete che sia collaborativa e centrata sullo studente.

Una quarta sessione a tema filologico (“Lacune testuali: problemi ecdotici, implicazioni esegetiche”) ci accompagna verso la chiusura della giornata con “Censura, paramondi e spazi bianchi culturali: il riflesso della storia nella produzione linguistica ed epistolare”.

Siamo qui introdotti in un universo temporale e spaziale multiforme: dalle insurrezioni caraibiche (1789-1815) di cui ci parla Alessandro Bonvini (Università di Salerno), e del ruolo dei testi rivoluzionari europei e statunitensi come miccia accesa della sommossa; alle lettere dei militari siciliani di estrazione medio-borghese nella Grande Guerra, per cui Elena Riccio (Università di Palermo) analizza la manipolazione non solo per mano della censura al fronte, ma anche dei parenti, che nella pratica consueta di riscrittura delle lettere interpretano e interpolano, rileggono e riscrivono le parole del soldato assente; a Francesco Cacciatore e Giulia Pepe (University of Westminster), che tracciano uno schizzo dell’identità della comunità dei giovani italiani a Londra, emigrati europei dalle alterne fortune in una città secolarmente cosmopolita che oggi, lentamente, chiude le sue porte.

Venerdì 7 luglio

La lezione di Enrico Terrinoni (Università per Stranieri di Perugia) sull’invenzione linguistica in Joyce è un susseguirsi di sfide per il traduttore. Riferimenti, rimandi, ricordi, calembours ma anche posizionamenti, dichiarazioni di intenti (“E se, invece di Mussolini, lo chiamassimo Muscoloni?”, chiosa Joyce, anticipando la risata che li seppellirà), provocazioni distruttive e ricostruttive: la lingua dell’autore irlandese è un intreccio di suoni e significati inscindibili gli uni dagli altri, e al traduttore tocca non l’ingrato, ma il sublime compito di ricreare un cosmo semisommerso, proliferante di immagini e segni, che lambiscono le sponde dell’inconscio.

La sessione dei dottorandi che segue riecheggia la molteplicità espressiva: intitolata “Complete with missing part: scenari frammentari nelle letterature anglofone”, la sessione si apre con Renato Nicassio (Università dell’Aquila) che evoca la “costruzione di città immaginarie da parte di comunità reali”. Si tratta qui di esperimenti letterari collettivi e cittadini come “Invisible Seattle: The Novel of Seattle”,  creato dalla “città intera” (the whole city), sollecitata dall’intervento di alcuni “operai letterari”: i membri di Invisible Seattle, collettivo letterario on-line ante litteram, attivo nei primi anni Ottanta, muniti di caschetto e tuta. Questi lavoratori delle lettere hanno raccolto il materiale di costruzione (frasi, idee, impressioni sulla città) per poi edificare un racconto collettivo che rappresentasse una Seattle esistente “solo” nell’esperienza dei suoi abitanti. Una città fatta di luoghi di culto individuali, ricordi personali, valori inimmaginati attribuiti a spazi rivitalizzati dall’uso.

Altrettanto suggestivo l’intervento di Debora Sarnelli (Università di Salerno) su French Lessons di Alice Kaplan, un romanzo di formazione che stabilisce ancora una volta la relazione tra lingua e identità, ponendo una domanda affascinante: come possiamo reinventare la nostra stessa essenza attraverso l’apprendimento di una lingua nuova? Kaplan, ebrea nordamericana, fugge dall’inglese di una famiglia anaffettiva per ricrearsi un’identità nuova nella Francia e nel francese. Ma l’immagine che ci facciamo di una lingua, il suo essere strumento di salvezza, può arrivare fino a un certo punto: più si percorrono le strade della linguocultura d’adozione, più si tolgono veli e si scoprono le sbavature, le imperfezioni e, talvolta, le mostruosità. Accade a Kaplan quando, tra i colleghi francesi dell’Università statunitense a cui è tornata, scopre alcuni collaborazionisti nazisti. E la domanda si ripete: che cosa vogliamo da una lingua altra, che cosa possiamo e dobbiamo accettare?

La suggestione che arriva all’uditorio è che il plurilinguismo ci consente uno spazio d’azione privilegiato, in cui il parlante non nativo è al contempo dentro e fuori, creatura anfibia che può prendere e rifiutare, ibrido a cui è concessa la scelta: un cammino più faticoso e complesso per il parlante madrelingua, che a quella “madre” è intrinsecamente legato.

Le sessioni conclusive sono dedicate al testo e all’immagine: dalle “Declinazione estetiche della Lücke” alle “Poetiche dell’omissione” alle “Narrazioni sottrattive dell’immagine”.

Una chiusura nuovamente multidisciplinare che attesta la natura di humus dell’evento: terreno fertile di contaminazione e di crescita tra ricerche che mettono le prime radici.

Giornata delle Digital Humanities – Progetto per una fototeca

Storici dell’arte 4.0 

In occasione della giornata di studi dedicata alle Digital Humanities del giugno 2017 ho presentato un intervento inerente la componente informatica e digitale del mio progetto di ricerca incentrato sullo studio dei fondi fotografici conservati presso il D.I.R.A.A.S. all’Università degli Studi di Genova. A partire dallo studio del fondo fotografico della prima docente di storia dell’arte a Genova,  Giusta Nicco Fasola (1902-1960)  ho illustrato il filone di ricerca nel quale mi sono inserita in questi anni di dottorato, alla luce dei più recenti studi su fotografia e archivi fotografici di storia dell’arte.

Negli ultimi anni l’argomento è diventato centrale all’interno della comunità degli studiosi che si interessano agli archivi fotografici costituiti per la maggior parte da materiali didattici per l’insegnamento della storia dell’arte; le iniziative sono state infatti numerose e dirette alla sensibilizzazione di buone pratiche per lo studio, la conservazione e la valorizzazione della fotografia.

Il progetto per la realizzazione di una fototeca analogica e digitale dell’Università sta coinvolgendo numerose discipline, dagli informatici agli ingegneri fino a catalogatori, archivisti, antropologi e storici dell’arte. Prendendo in considerazione i punti fondamentali alla base della Florence Declaration del 2009 a cura di Costanza Caraffa, headleader della fototeca del Kunsthistoriches Institut di Firenze, sono state discusse le necessità conservative rispettivamente degli originali analogici e delle riproduzioni digitali illustrando le peculiarità tecniche dei fototipi conservati presso il Dipartimento di Storia dell’arte della nostra facoltà.

L’occasione della giornata di studi è stata fondamentale per presentare ad un pubblico ampio e variegato gli aspetti tecnici della galleria virtuale nonché presentare una riflessione sul concetto di “oggetto” fotografico, in linea con i più recenti studi teorici di Tiziana Serena e alle iniziative promosse in tal senso dalla Fondazione Federico Zeri di Bologna.

 

 

Im/materiale. L’immagine artistica nell’era della sua smaterializzazione digitale

Seminario Dottorale:

“Im/materiale. L’immagine artistica nell’era della sua smaterializzazione digitale”.

Francesca Gallo, docente di storia dell’arte contemporanea presso La Sapienza, e Domenico Quaranta, storico dell’arte e autorità nel campo della new media art, si confronteranno, con apertura interdisciplinare, sulle tematiche e problematiche dei linguaggi visivi della contemporaneità.

01.07.2017 – Ore 15
Balbi 2, Aula Magna
Genova

Narrazione Interattiva in Realtà Virtuale: Vivere il film

Sono stata invitata al OpenDay del CrossmediaLab dell’Università di Bogotà Jorge Tadeo Lozano per parlare sulle diverse possibilità delle narrative che si possono sperimentare nella realtà virtuale. Se pensiamo al concetto Realtà Virtuale al di fuori del contesto tecnologico, troviamo una grossa ambiguità del termine che vuol dire qualcosa tipo: “la realtà virtuale è un evento o soggetto che è reale in effetto ma non di fatto”, quest’ambiguità gioca con quello che effettivamente succede quando utilizziamo un HMD (head mounted display) ovvero la maschera di realtà virtuale: la realtà fisica si allontana dalla realtà cognitiva, la nostra mente vive una realtà diversa a quella che vive il nostro corpo, situazione che possiamo vivere “in natura” quando dormiamo o sotto l’effetto di qualche sostanza psicodelica o anestisiante. Non in vano Google ha denominato la sua azienda per la VR “Daydream“.

Inizia una sfida per i creatori di contenuti. Abbiamo un nuovo mezzo a disposizione per raccontare storie che ora sono esperienze, e cambiano le regole del gioco. Per chi proviene da un background nettamente tecnologico le scienze umanistiche saranno un importante aiuto nella costruzione di esperienze realistiche. Concetti basilari della narrativa classica, la cinematografia e il teatro, offrono indizi e chiavi per iniziare a decostruire il linguaggio della Realtá Virtuale, un linguaggio che in qualche modo possiamo intuire grazie alla educazione audiovisiva che abbiamo ricevuto grazie ai film e la tv, e alla educazione interattiva che ci ha offerto l’ipertestualità negli ultimi anni. Non è un mezzo strano per noi, anche se è diverso da qualsiasi altro mezzo che abbia mai creato l’umanità e che poteva solo emergere oggi con gli sviluppi tecnologici. Nelle caverne, le chiese, le tombe e i panorami, l’uomo ha cercato di creare ambienti sferici che rinchiudono la visione umana per allontanarlo dalla realtà quotidiana, ciò nonostante solo ora la nostra coscienza riesce ad essere completamente estrapolata. Chris Milk, uno dei più riconosciuti creatori per VR, dice che la realtà virtuale è l’ultimo medium, il medium definitivo, perché se negli altri medium la coscienza interpretava il medium, in VR la coscienza è il medium.

In effetti, il creatore diventa una sorta di Dio, creando una realtá dove immergerá completamente al suo recettore, da dove il fruitore può solo uscirne togliendo la maschera. Emergono quindi tante domande: “come possiamo creare esperienze attraenti che riescano a mantenere l’attenzione del fruitore?”  “come possiamo creare un senso di autonomia e libertà per il fruitore nel nostro universo narrativo?” “come possiamo dare un vero senso di realtà che permetta una vera immersione?”

Mentre l’era dell’informazione elettronica matura, l’era dell’esperienza inizia. Già nella storia dell’umanità migliaia di artisti ci hanno regalato un vasto numero di universi narrativi che possiamo riconoscere a colpo d’occhio. È ora di iniziare a pensare come portare questi universi a un mezzo che mette alla prova la nostra sensorialità e la nostra corporeità. E mentre diventiamo sempre più bravi a creare esperienze artificiali, alcune delle domande tradizionali della filosofia smettono di essere solo ipotesi. Nel momento in cui il nostro tempo trascorre in una realtà parallela diversa, nell’altrove, e anche se per un solo istante ci dimentichiamo della realtà -quella reale- cominciamo a chiederci cos’è la realtà, eppure, cos’è l’esistenza.

Nella prossima settimana svilupperemo un workshop con 12 studenti con l’obiettivo di creare due cortometraggi a 360º dove il tema centrale sarà la riconciliazione, tema molto importante in Colombia a proposito degli accordi di pace.

Fotografia e intermedialità. La reinvenzione del medium nelle pratiche contemporanee

locandina-png

Fotografia e intermedialità. La reinvenzione del medium nelle pratiche contemporanee

Coordinamento : Elisa Bricco

3 febbraio 2017 – Aula Magna, Via Balbi 2, Università degli Studi di Genova

Dialogo con Marinella Paderni

Laura Quercioli

Dialogo con Valentina Vannicola

Martina Massarente

Questo incontro è nato all’interno del gruppo di ricerca ARGEC quando con professori e colleghi ci siamo imbattuti nel tema dei rapporti tra letteratura e fotografia. Da diverso tempo Elisa Bricco si occupa di questo ambito di ricerca e discutendo insieme si è pensato di dare vita ad un vero e proprio incontro con ospiti significativi che potessero mettere in luce le numerose sfaccettature che interessano i rapporti tra i due ambiti di studio. Mi sono messa quindi al lavoro pensando ad una lista di proposte con nomi di fotografi che potessero meglio rappresentare la complessità della narrazione nella fotografia digitale muovendosi tra storytelling, storyboard, realtà e finzione. Mi è quindi venuto in mente il nome di una fotografa della quale, da diverso tempo, seguivo il lavoro: Valentina Vannicola e il suo INFERNO DI DANTE un progetto fotografico diventato inoltre pubblicazione edita dalla Postcart Edizioni di Roma.

La proposta è stata accolta con entusiasmo anche da parte della stessa Valentina con la quale abbiamo stabilito le tematiche da trattare e in seguito, sotto forma di intervista, abbiamo dato vita al dibattito. Valentina ci ha svelato i retroscena delle sue fotografie allestite spiegandoci il modo in cui ha coinvolto la cittadinanza, i suoi famigliari e i suoi amici per costruire scene ricche di dettagli, una narrazione contemporanea ironica e al contempo spiazzante dell’Inferno dantesco dalla struttura precisa. Prima di realizzare le sue fotografie Valentina realizza modellini e disegni, un vero storyboard accompagnato da pensieri e riflessioni grazie ai quali studia la scena, il territorio, i personaggi.

Si è parlato del suo rapporto con il testo, delle modalità tecniche con le quali realizza gli scatti, il trattamento delle immagini in fase di post – produzione, dei riferimenti letterari e storico artistici celati velatamente nelle fotografie. Si è parlato del suo rapporto con il cinema e di come il suo background proprio in studi cinematografici abbia condizionato le pratiche del suo lavoro avvicinandola al mondo della staged photography.

L’incontro è stato ricco e intenso anche grazie alla presenza di un’ospite speciale, Marinella Paderni che, intervistata da Laura Quercioli, ci ha mostrato un punto di vista storico e dal sapore curatoriale diretto al mondo della fotografia inteso come arte contemporanea.

Un’artista e un curatore a confronto ci hanno regalato un pomeriggio interessante e suggestivo nonché ricco di stimoli e prospettive per valorizzare percorsi interdisciplinari, commistioni e ibridazioni dei linguaggi contemporanei come oggetto di ricerca ma anche come modalità di approccio allo studio delle nuove pratiche contemporanee.

Valentina Vannicola (1982)

Nata nel 1982, dopo una laurea in Filmologia presso la Facoltà di Arti e Scienze dello spettacolo dell’Università La Sapienza di Roma, frequenta un biennio presso la Scuola Romana di Fotografia. Inizialmente attratta dal reportage, presto se ne allontana, intraprendendo un percorso di ricerca più intima che tenta di ricreare un mondo parallelo ed immaginario con l’ausilio degli abitanti del suo paese d’origine.

Marinella Paderni (1964)
è critico d’arte contemporanea e curatore indipendente. È docente presso l’Università IULM di Milano, l’Accademia di Belle Arti “Carrara” di Bergamo e l’ISIA di Faenza.
Collabora con le riviste internazionali d’arte contemporanea “Frieze”, “Flash Art” e “Exibart”. La sua attività critica e curatoriale è incentrata sulle espressioni artistiche contemporanee e sulla fenomenologia tra i diversi linguaggi dell’arte (soprattutto fotografia, video, performance) con altri ambiti culturali, quali la scienza, l’architettura, il cinema, la danza.

Un patrimonio in immagini. Gli archivi fotografici di storia dell’arte e archeologia.

 Un patrimonio in immagini. Gli archivi fotografici di storia dell’arte e archeologia

Lucis Impressio

Incontri internazionali di studio sugli archivi fotografici e la fotografia di documentazione

Convegno internazionale, Napoli 26 – 27 gennaio 2017

Dipartimento di Studi Umanistici dell’Università degli Studi di Napoli Federico II

Via Porta di Massa, 1 – Aula Piovani

Il convegno organizzato dal Dipartimento di Studi Umanistici dell’Università degli Studi di Napoli Federico II , si inserisce nell’ambito del progetto di studio e informatizzazione dell’Archivio fotografico “Giovanni Previtali” del Dipartimento avviato nel 2012. Le due giornate di studio a cura di Paola D’Alconzo e Rossella Monaco sono state dedicate a una specifica tipologia di archivio, quello di documentazione storico -artistica e archeologica, rientrante nella categoria degli archivi di riproduzione e traduzione del patrimonio culturale. Considerato il grande interesse che negli ultimi anni gli studi stanno dimostrando per la fotografia analogica e per i fondi storici degli archivi fotografici, in parallelo alle iniziative sempre più numerose di digitalizzazione dei patrimoni di fototeche e diateche, il convegno mira a riflettere sul ruolo degli archivi fotografici di storia dell’arte e archeologia, da luoghi di ricerca a oggetti essi stessi di studio, e sulle loro prospettive future, tra tutela dei beni custoditi, trasmissione della memoria fotografica analogica e individuazione delle più corrette modalità di divulgazione e fruizione dei formati digitali.

Data la specificità della tematica, sono stati invitati relatori provenienti da Istituzioni che hanno una consolidata esperienza di gestione e una tradizione di studi legata agli archivi fotografici di storia dell’arte e archeologia. Accanto ad esponenti del mondo accademico che conducono ricerche su questi temi, dimostrando le inesauribili possibilità d’indagine di cui i fondi storici sono generatori, saranno presenti esperti impegnati tanto nell’elaborazione di metodi e strumenti per la più corretta conoscenza, conservazione e informatizzazione del patrimonio fotografico, quanto nell’ideazione di strategie per la valorizzazione contestuale dei formati analogici e digitali.

Questa Call for Posters è dunque stata indirizzata a studiosi e operatori che hanno presentato proposte finalizzate alla presentazione di progetti di studio e lavori in corso presso fototeche e diateche dedicate alla documentazione del patrimonio storico-artistico e archeologico.
In particolare, i casi presentati rientrano nelle seguenti aree tematico-progettuali:
• indagini conoscitive e/o riordino di archivi fotografici o di specifici fondi storici;
•catalogazione del patrimonio fotografico;
• digitalizzazione dei formati analogici;
• interventi di conservazione o restauro dei formati analogici;
• valorizzazione dei formati analogici e/o digitali;
• strategie di fruizione dei formati digitali;
• diritto delle immagini per la fotografia storica di riproduzione e gli archivi di traduzione del patrimonio culturale.

Grazie a un programma ricco di interventi il convegno ha restituito una mappa degli studi attualmente in corso e ha proposto nuove possibili prospettive di indagine nel campo delle applicazioni tecnologiche al settore fotografico e storico – artistico.

SEZIONE POSTER

Roberta Acampora, Università di Napoli Federico II

Progettare la conservazione. Le diapositive su vetro del Fondo storico dell’Archivio Fotografico “Giovanni Previtali” del DSU

Michela Agazzi, Università Ca’ Foscari Venezia

Archivio Fototeca di Antonio Morassi. Dipartimento Filosofia e Beni culturali, Università Ca’ Foscari Venezia.

Alessandra Giovannini Luca, Università degli Studi di Torino

Arte in Piemonte e fotografia. La raccolta di Alessandro Baudi di Vesme.

Marisa Iori, Mario Mineo, Oscar Nalesini, Museo delle Civiltà di Roma

Gli archivi del Museo di Civilità di Roma.

Martina Massarente, Università degli Studi di Genova

Diapositive e materiali fotografici di Giusta Nicco Fasola. Progetto per una fototeca del DIRAAS: fasi di lavoro e prospettive future.

Maria Passaro, Università degli Studi di Salerno

La Fototeca del Dipartimento di Scienze del Patrimonio Culturale dell’Università degli Studi di Salerno.

Ilaria Schiaffini, Emanuela Iorio, Sapienza Università di Roma

L’Archivio Storico Fotografico del Dipartimento di Storia dell’arte dell’università La Sapienza di Roma.

Martina Visentin, Università degli Studi di Udine

Fondo fotografico Marchetti. Una mostra virtuale per la valorizzazione di un fondo inedito.

Si allega il programma dettagliato degli interventi

programma-lucis-impressio