Ricerca-creazione: quando le forme creano valori

Giornate di studio 

venerdì 20 e sabato 21 gennaio 2023 

Palazzo Ducale-Fondazione per la Cultura di Genova (Italia) 

Nella cornice del Palazzo Ducale di Genova, all’interno della  Sala del Munizioniere, si sono svolte due giornate di studio dedicate alla Ricerca-Creazione, termine con cui si designano pratiche che tentano di mettere in relazione Arte e Scienza, per far si che questi due poli, influenzandosi a vicenda, producano nuove metodologie per analizzare e apprendere realtà sociali e problemi pubblici, e per creare nuove forme di vita. 
Le due giornate hanno visto avvicendarsi intorno a tre tavole rotonde studiosi, esperti e performers provenienti da ambiti e campi di studio diversi, sia accademici che artistici, allo scopo di svelare le pratiche messe in atto dalla ricerca-creazione, sia sul territorio italiano che su quello francese.  

Le tavole rotonde hanno avuto come oggetto tre diverse tematiche:

  • Le forme della ricerca-creazione
  • Ricerca-creazione e istituzioni
  • Ricerca-creazione editoriale

Le forme della ricerca-creazione
In questa prima tavola rotonda, i relatori hanno tentato di rispondere a due domande: Come inventare, identificare e valutare le forme di ricerca-creazione quando sfuggono a qualsiasi criterio di distinzione? Se non esiste né metodo né modello di ricerca-creazione come riconoscerne e implementarne i processi? 
Ha aperto le due giornate un intervento di Yves Citton, docente in Letteratura e Media all’Università Paris 8 Vincennes-Saint Denis e co-direttore della rivista “Multitudes”, il quale, a partire dalla pubblicazione di Emmanuel Grimaud, Dieu Point Zéro. Une anthropologie expérimentale e riferendosi a come il filosofo statunitense Thomas Kuhn inquadrava il concetto di “paradigma”, ha individuato le metodologie per analizzare i risultati derivanti dalla ricerca-creazione.
Il poeta e artista Franck Leibovici ha inquadrato l’arte e la poesia come entità che contengono al loro interno strumenti. Per l’artista francese l’artefatto è a sua volta uno strumento in grado di influenzare altre opere d’arte, un’istanza che non si dissolve alla fine di un progetto, ma che permette ad artisti e studiosi di porsi nuove domande e di uscire dal loro campo di studi.
Stéphane Poliakov, addetto alla cooperazione scientifica e universitaria presso l’Institut français d’Italie, regista e docente al Dipartimento di Teatro dell’ Università Paris 8, ha parlato di pedagogia teatrale come di una realtà utile alla formazione della ricerca-creazione, in quanto sviluppa i concetti attraverso la performance ed eventuali pubblicazioni relative, costituendo di fatto una dinamica i cui approcci e le cui metodologie trasformano il sapere.  
Alessandra Vannucci, Associated Professor in Stage and Film Direction alla Federal University of Rio de Janeiro, Visiting Researcher presso il DISFOR e membro del Laboratorio di Sociologia Visuale dell’Università degli Studi di Genova, a partire dai suoi lavori ha individuato tre approcci per rappresentare il valore dei risultati di progetti basati su forme di ricerca-creazione: l’impatto etico, in base a cui il ricercatore-artista si pone a parte rispetto all’autorialità; l’impatto cognitivo, per cui il ricercatore-artista nel momento dell’atto creativo utilizza lo sguardo della comunità con cui lavora per produrre un artefatto; e l’impatto epistemologico, utile all’artista per assimilare lo sguardo degli altri ed assumere uno suo sguardo plurale e decoloniale. 
Maria Cecilia Reyes, ex dottoranda in Digital Humanities presso l’ateneo genovese, ha presentato i risultati del suo progetto di ricerca Interactive Fiction in Cinematic Virtual Reality. Epistemology, Creation and Evaluation. Nel realizzare ZENA. An Interactive VR Film, basato sulla storia e sull’urbanistica della città di Genova, la studiosa ha dimostrato come l’analisi delle scelte che l’utente compie all’interno della realtà virtuale e le valutazioni a posteriori di chi ha vissuto l’esperienza immersiva abbiano costituito dei dati utili per formulare una metodologia rispetto alla creazione di film interattivi.  
Il poeta e performer triestino Gabriele Stera, dottorando presso l’Université Paris Lumières e l’EUR ArTec, ha presentato il suo progetto di ricerca Archéologie et poétique du sous-titrage : du sous-titrage de film au méta-titrage du monde. Il lavoro di Stera indaga l’evoluzione delle funzioni semiologiche della sottotitolazione e, attraverso l’approccio della ricerca-creazione, vuole individuare una poetica dei sottotitoli applicando il sottotitolaggio alla videoarte, alla performance e alla poesia. 
Un’altra ex dottoranda dell’ateneo genovese, oggi docente presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, ha chiuso questa prima tavola rotonda. Si tratta di Michela De Carlo, in arte Kamilia Kard, la quale attraverso lo studio dei Social Media e la realizzazione di giochi di ruolo in ambienti virtuali, ha notato come l’assunzione di un avatar o di un’identità digitale da parte dell’utente moltiplica e plasma il comportamento dell’individuo in un breve lasso di tempo. 

Ricerca-creazione e istituzioni
La tavola rotonda pomeridiana ha indagato il rapporto tra ricerca-creazione e istituzione con una cospicua serie di domande: che ruolo possono svolgere le istituzioni nel sostenere e promuovere la ricerca-creazione? Cosa hanno da guadagnarci? In che misura possono partecipare all’emergere delle “società di ricerca-creazione” invocate da Yves Citton, dove per affrontare le sfide del nostro tempo “ognuno è chiamato a diventare insieme ricercatore/donna e artista”? Come superare le barriere istituzionali che impediscono alla ricerca universitaria e alla ricerca artistica di incontrarsi senza che la ricerca- creazione diventi un mezzo di assorbimento da parte del capitalismo delle energie più creative? 
La docente Tiphaine Karsenty e la attuale Coordinatrice generale Annael Le Poullennec dell’École Universitaire de Recherche (EUR) ArTeC di Parigi hanno aperto la discussione descrivendo l’attività del Centro di ricerca presso cui operano: un ambiente “ibrido”, per utilizzare una loro definizione, che intende costruire una relazione solida tra realtà accademiche e artistiche, tra arti e tecnologie digitali. La collaborazione con Università, Enti e Scuole di danza permette ad ArTeC di incentivare la ricerca con borse di studio, pubblicazioni e formazione, configurandosi come modello di eccellenza. 
Segue l’intervento della docente Elisa Bricco che illustra puntualmente gli studi relativi alla ricerca-creazione emersi dal dottorato in Digital Humanities di cui è Coordinatrice; la riflessione conclusiva manifesta con chiarezza quanto sia di fondamentale importanza la relazione tra le Scienze Umanistiche e le Scienze Computazionali. Stéphane Poliakov interviene nuovamente con un contributo che ha posto l’accento sui rapporti consolidati tra Italia e Francia nell’ambito della ricerca-creazione, utili per uno sviluppo qualitativamente elevato dei contributi di ricerca. 
Antonio Camurri, docente e fondatore e direttore scientifico di InfoMus Lab e di Casa Paganini, centro internazionale di ricerca con sede a Genova, ha illustrato l’attività della realtà genovese attraverso casi studio e progetti in corso di realizzazione tra cui DanzArte: attività di welfare territoriale multidisciplinare. 
Claudia Roggero e Donato Di Pelino hanno illustrato la storia e la mission dell’Associazione no profit Mossa, residenza artistica per la promozione dell’arte contemporanea a Genova. Nata per volontà di Claudia Roggero nell’abitazione ereditata dai genitori, entrambi scomparsi a causa del COVID, la residenza accoglie artisti contemporanei promotori di diverse espressioni artistiche (arte visiva, musica, poesia, performance, danza contemporanea). 
L’ultimo intervento ha la voce di Daniela Angelucci, Coordinatrice del Laboratorio Analisi dell’ambiente e del territorio nell’ambito del Master in Studi del Territorio/Environmental Humanities dell’Università di Roma Tre, che ripercorre, anche attraverso casi studio, l’attività del laboratorio evidenziando l’importanza della multidisciplinarietà nell’ambito della ricerca.  Conclude la tavola rotonda pomeridiana la performance curata dal duo Gabriele Stera, dottorando all’ArTeC e Toi Giordani, poeta e performer: una riflessione a tutto tondo sull’interazione uomo-macchia contestualizzata nelle operazioni richieste dai captcha in fase di accesso alla pagina desiderata. Sviluppata in un dialogo iniziale tra i due artisti, si è poi conclusa in una sala adiacente con un’azione partecipata da parte dei presenti

© Andrea Daffra
© Andrea Daffra

Alcune immagini dell’installazione realizzata da Gabriele Stera e Toi Giordani

Ricerca-creazione editoriale
La mattinata della seconda giornata è stata interamente dedicata al rapporto tra editoria e ricerca-creazione. La tavola rotonda ha visto confrontarsi Valerio Mannucci, Fondatore della casa editrice Nero Edition, Christophe Hanna, fondatore del magaxine-box Jeubjeub e attualmente direttore della collana di teoria letteraria “Forbidden Beach”, all’interno della redazione Questions Théoriques e Nancy Murzilli, Docente, Università di Parigi 8, Co-direttore di UR FabLitt. Co-direttore delle collezioni “L’immaginario del testo” e “Ricerca-creazione” presso la University Press di Vincennes nonché responsabile del progetto di ricerca-creazione ArTeC “Valutazione generale”
I protagonisti di questa tavola hanno discusso nel tentativo di rispondere alla domanda: Come pubblicare ricerca-creazione? 
È emerso dal loro confronto un tema comune: la pubblicazione è essa stessa atto creativo e partecipazione al discorso artistico. Ed è basandosi su questo principio che, ad esempio Mannucci,  ha ricordato alcune pubblicazioni topiche della sua casa come “Civitani”, catalogo dedicato all’omonimo festival, e “Forgotten Architetture”. Paradigma comune è infatti la ricerca di una creazione della rappresentazione della creazione stessa presa in esame.Sulla stessa linea l’intervento di Hanna che ha riportato il discorso da una prospettiva teorica ed epistemologica del tema.
In conclusione, la professoressa Murzilli ha sviluppato il suo punto di vista partendo dalla centrale questione di come si debba rendere pubblica la ricerca-creazione per creare nuovo pubblico. 
Ha infatti tentato di rispondere a numerose domande come “Cosa vuol dire pubblicare Ricerca-Creazione?”, “Dove inizia e dove finisce l’oggetto libro?”, “Come creare nuovi pubblici per la ricerca-creazione?”, “Quali sono le nuove economie di relazione?”, domande che hanno trovato risposta in maniera circolare alla catena formata dagli anelli: pubblicare – rendere pubblico – fare pubblico – creare mondi; un circolo di costante produzione, applicazione e creazione.
A conclusione della mattinata, l’interessante performance di ricerca-creazione a cura di Franck Leibovici. La performance ha voluto evidenziare come alcune delle tecniche più recenti del giornalismo d’inchiesta ed investigativo, possano avere applicazione anche in ambiti artistici come nel caso della storia dell’arte. Mostrando infatti alcuni importanti dipinti dell XV secolo e di artisti veneziani, Leibovici ha dimostrato come sia possibile, attraverso un processo creativo di ricerca e creazione, cogliere ad esempio elementi necessari per un’analisi: nel caso della performance, si è trattato di individuare gli elementi chiave necessari alla datazione degli episodi dipinti.Per poter datare le scene, l’artista ha presentato il percorso di ricerca da lui seguito, caratterizzato da una prima parte di ricerca storico artistica dei dipinti, quindi di individuazione dei luoghi rappresentati, la ricerca geografica e infine l’individuazione degli elementi che più di altri permettono di indicare l’orario dell’azione (ombre). Da questo passaggio, passando per l’uso del sito https://www.sunearthtools.com/ è stato possibile rintracciare l’orario approssimativamente corretto dell’azione. L’esperienza ha visto il contributo dei presenti.

A cura di
Monica Canu, Andrea Daffra, Simone Dragone

1st Workshop on Artificial Intelligence for Cultural Heritage (AI4CH): Udine, 28 Nov-02 Dic

AI4CH

Il primo Workshop Artificial Intelligence for Cultural Heritage (AI4CH2022) si è svolto in occasione della 21° Conferenza Internazionale dell’Associazione Italiana di Intelligenza Artificiale (AIxIA), tenutasi a Udine dal 28 novembre al 2 dicembre 2022.

Tra le organizzatrici e gli organizzatori del Workshop figurano i nomi di Rossana Damiano (Università di Torino), Manuel Striani (Università di Torino Piemonte Orientale), Stefano Ferilli (Università di Bari) e Gianmaria Silvello (Università di Padova).

Il workshop, destinato a diventare un appuntamento annuale, ha rappresentato la prima opportunità per riunire ricercatori e professionisti, provenienti sia da aree umanistiche che tecnologiche, interessati a formare il nucleo iniziale del gruppo di lavoro. Tema centrale è il crescente bisogno di soluzioni tecnologiche per la conservazione e la valorizzazione dei Beni Culturali. Durante la riunione di chiusura dei lavori con il comitato organizzativo, che ha coinvolto tutte e tutti i partecipanti al workshop, è stato fatto esplicito riferimento alla volontà di creare utili sinergie con altri eventi rilevanti nel settore nel territorio italiano, dalle organizzazioni operanti nelle Digital Humanities a quelle più vicine all’Archeologia e alle Biblioteche Digitali. La visione è quella di un ambiente fortemente collaborativo in cui il dialogo e le sinergie sono intese come l’unica risposta possibile alle domande che una società complessa come quella attuale ci pone.

I numerosi topic della Call For Paper hanno permesso di rappresentare a pieno il respiro interdisciplinare del gruppo. Gli interventi, suddivisi in quattro sezioni, hanno affrontato il rapporto tra patrimonio culturale e digitale in diverse chiavi di lettura, a dimostrazione dell’attualità del tema in moltissimi settori:

1 sezione: prospettiva sociale e culturale (Chair: Rossana Damiano), dedicata alle implicazioni sociali e culturali del rapporto tra CH e tecnologie.

2 sezione: testo e natural language processing (Chair: Gianmaria Silvello), nuovi strumenti per il NLP e l’elaborazione di dati testuali del patrimonio culturale.

3 sessione: rappresentazioni e piattaforme (Chair: Stefano Ferilli), rappresentazioni semantiche e piattaforme per la raccolta e la gestione creativa dei dati del patrimonio culturale

4 sessione: media e interfacce (Chair: Manuel Striani ), dedicata alla costruzione di dataset e di interfacce user-friendly per l’esplorazione del patrimonio culturale 

Link al programma completo

Anche l’evento principale ha coinvolto quest’anno moltissimi interventi all’incrocio tra creatività, arti, discipline umanistiche e sociali, testimonianza di un interesse crescente anche dal versante più tecnico delle DH, verso la fertile commistione tra saperi.

Tra i Keynote di AIxIA2022 figure internazionali come Subbarao Kambhampati (Arizona State University), Georg Gottlob (Oxford University), creatore di DatalogFerdinando Fioretti (Syracuse University), Antonio Lieto (Università di Torino) e Angelo Oddi, Riccardo Rasconi e Marco Baioletti (CNR di Roma e Università di Perugia). Tra i temi di grande interesse di quest’anno la spiegabilità e la trasparenza degli algoritmi, nuovi strumenti per la gestione di database e interrogazioni, l’ottimizzazione di algorimi per il ML e l’importanza della ricerca nelle Scienze Cognitive per i nuovi sviluppi nel campo dell’Intelligenza Artificiale.

di Selenia Anastasi

 

L’autorialità polimorfica. Dall’aedo all’algoritmo – Convegno annuale dell’Associazione di Teoria e Storia Comparata della Letteratura – L’Aquila, 24-26 novembre 2022

L’edizione 2022 del Convegno Compalit si è tenuta presso l’Università degli studi dell’Aquila nei giorni 24, 25 e 26 Novembre. Gli interventi e le discussioni si sono poste di indagare il polimorfismo dell’autorialità, innanzitutto sul piano storico: dall’oralità dell’epica antica, così lontana dalla visione moderna, alle prime affermazioni della funzione-autore nell’ellenismo; dalla prassi medievale, più variegata e articolata di quanto si creda, alle varie strategie di stilizzazione dell’io autoriale (il self-fashioning) nell’età moderna che conosce svariate fasi cruciali, dal Rinascimento all’epoca vittoriana e al Modernismo. Altrettanto articolata è anche la riflessione teorica sull’autore, che include concezioni estetiche (dal sublime al camp), codificazioni narratologiche, e ribaltamenti in chiave femminista e postcoloniale.  L’autorialità polimorfica trova un’espressione particolarmente significativa nel fenomeno dei talenti doppi e plurimi (quanto cambia l’immagine di un autore attraverso i diversi linguaggi in cui si esprime, visivo, verbale, musicale?), e nelle dinamiche intermediali, soprattutto in arti composite e collettive come il cinema, la serialità televisiva, l’opera lirica. In questa chiave ci occuperemo anche di pratiche in cui l’autorialità non è ancora ben riconosciuta e legittimata: la recitazione, la performance, la traduzione, la sceneggiatura, l’editing. Infine, assieme a Compalit Scuola il convegno affronterà come la riflessione sull’autorialità possa incidere sull’insegnamento e sulle nuove configurazioni della didattica, attraverso una ridefinizione delle nozioni di classico e dei metodi di lettura.

Ogni giornata si è svolta per metà in una sequenza di sessioni parallele e per l’altra metà in sessioni plenarie. Le linee di ricerca che hanno definito lo svolgersi delle sessionie erano sei (di cui una individuata con Compalit Scuola così da prumuovere la riflessione dell’autorialità nelle attività scolastica):

Linea 1 – Metamorfosi teoriche e storiche dell’autorialità: Il panel raccoglieva interventi interessati a riflettere sulle trasformazioni storiche della nozione di autore, i termini in cui la teoria letteraria, l’estetica hanno concettualizzato il ruolo e la figura dell’autore, la nozione di autore in diversi ambiti discipinari, la dialettica tra concezioni dell’autore e corpus letterario.

Linea 2 – Autorialità decentrata, marginale, queer: Il panel raccoglieva interventi su come alcuni movimenti di pensiero contemporanei hanno influito sulle forme dell’autorialità. Il paradigma di lettura dei movbimenti di pensiero da sottoporsi in analisi era quello del decentramento delle scritture marginali, “minori”, spesso censurate, che nel corso delle pratiche letterarie hanno costituito il costante contrappunto ai fenomeni di canonizzazione

Linea 3 – L’autorialità disseminata nei media: Il panel ha indagato le declinazioni dell’autorialità all’interno di diverse prassi artistiche e mediali, prestando attenzione alla persistenza della visione letteraria del concetto o al discostamento da essa.

Linea 4 – Talenti doppi e plurimi: il panel ha indagato l’autorialità del “doppio talento” verso un suo possibile e ulteriore intendimento “plurimo”, partendo sì dalla letteratura, ma ponendola in dialogo con le altre arti sulla base anche delle contemporanee prospettive sull’intermedialità e sulla transmedialità. 

Linea 5 – L’autorialità sommersa: teatro, traduzione, lavoro editoriale, ghostwriting: il panel ha indagato la funzione di attori e attrici, traduttori e traduttrici, editor, ghost write che si può dire esprimano una autorialità sommersa.

Linea 6 – L’autorialità in classe (in collaborazione con Compalit Scuola): Il panel, a partire dal legame costituzionalmente centrale e non scindibile tra livelli formativi, ha inteso porre un insieme di domande che hanno ricaduta sull’esperienza culturale scolastica. Quanto l’insegnamento letterario e umanistico nelle classi scolastiche è aperto a una declinazione che superi la didattica basata sugli Auctores ? Che ruolo ha l’autorialità al femminile e la dimensione della polimorfia e della differenza di genere nel percorso di trasmissione dell’esperienza letteraria?

Le sessioni plenarie delle tre giornate hanno visto la partecipazione di: Stefania Sini, Francesca Lorandini, Livio Sbardella, Francesco De Cristofaro, Giulia Carluccio, Gianluigi rossini, Gaetano Lalomia, Nicoletta Vallorani, Maria Rizzarelli, Jan Baetens.

Programma completo del convegno.

 

ADV Gathering – Arti Digitali dal Vivo. Roma, 5 – 6 novembre 2022

Il 5 e 6 novembre 2022, al Mattatoio di Roma – nella cornice di Romaeuropa Festival 2022 – ha avuto luogo ADV Gathering – Arti Digitali dal Vivo, primo incontro nazionale del network di ricercatori universitari e accademici nel settore delle Arti Digitali dal Vivo.
Il gruppo interdisciplinare ADV è nato nel 2021 su iniziativa di Anna Maria Monteverdi e di Antonio Pizzo e si è presentato il 24 maggio 2022 al Piccolo Teatro di Milano, in occasione delle giornate europee del teatro, organizzate all’interno della Fifth EASTAP Conference, Theatrical Mind: Authorship, Staging and Beyond.
L’incontro di Roma si è svolto in modalità blended, con interventi sia da remoto che in presenza, e si è sviluppato intorno a due temi.

Il topic della prima giornata, Performance, Media e Intelligenza Artificiale, ha permesso ai relatori coinvolti di aprire nuove prospettive sulle metodologie di ricerca rispetto all’utilizzo dei media e dell’intelligenza artificiale in relazione alla dimensione drammaturgica, alla componente estetica e alla produzione performativa-digitale odierna.
Il filosofo Luciano Floridi ha aperto i lavori attraverso un’intervista registrata che ha inquadrato la fruizione in ambiente virtuale come una sfida esperienziale soggettiva in cui i cinque sensi dell’essere umano vengono amplificati e le cui caratteristiche, se incentivate, permettono al fruitore di diventare creatore, personaggio e interprete di un ruolo.
Dopo Floridi è intervenuto Antonio Lieto, esperto di Intelligenza Artificiale e ricercatore presso il Dipartimento di Informatica dell’Università di Torino, il quale ha suggerito che, per diminuire la distanza tra gli aspetti ingegneristico-progettuali e le arti performative, è necessario guardare agli errori non umani, a eventuali impedimenti operativi da parte dell’Intelligenza Artificiale messa al servizio della performance, consigliando ai presenti di considerare con cautela l’effettiva “intelligenza” dei sistemi informatici.
Simone Arcagni, giornalista e professore associato afferente al Dipartimento Culture e Società dell’Università di Palermo, ha constatato come il metaverso, l’XR e la VR siano tecnologie che tendono all’organico e che mettono il corpo nella tecnica, all’interno di un architettura virtuale che è come un film che non si guarda ma si vive.
La Urban Exploration ha aperto il discorso di Massimo Magrini, tecnologo all’Istituto di Scienza e Tecnologie dell’Informazione “Alessandro Faedo” – ISTI e componente del Laboratorio Signals and Images del CNR di Pisa. Magrini ha parlato dell’arte performativa in quanto veicolo esperienziale per un viaggio nei luoghi sospesi nel tempo.
Luca Befera si è concentrato su prospettive autoriali e dinamiche processuali tra intelligenza artificiale e rappresentazione scenica, individuando il teatro come dispositivo epistemologico per decifrare il rapporto uomo-macchina.
Il concetto di narrazione transmediale è stato trattato da Vanessa Vozzo, fondatrice di Officine Sintetiche insieme a Tiziana Mazali e Antonio Pizzo e collaboratore didattico presso il Politecnico di Torino. La ricercatrice ha individuato la narrazione transmediale come una nuova forma del narrare in cui il corpo è al centro della narrazione e, diventando altro da sé nel passaggio da reale a virtuale, viene rigenerato da una distorsione spazio-temporale.
Ha chiuso la prima giornata Alessandro Anglani, laureato in Informatica e Comunicazione Digitale presso l’Università di Bari nel 2014 e diplomato alla Scuola di Teatro Alessandra Galante Garrone di Bologna nel 2017. Anglani è oggi ricercatore afferente all’Università di Torino, in cui si occupa di Interactive Storytelling, gaming e intelligenza artificiale. Nel suo intervento si è concentrato sul concetto di interazione attiva da parte dell’utente in un contesto ibrido, in cui il montaggio dello spettacolo deve fare i conti con il design dell’esperienza, e nel quale è necessario tener conto della complessità tecnica della macchina in base all’esperienza che si vuole creare. Con il CIRMA di Torino, Anglani ha ampliato l’utilizzo di Doppiogioco, software da lui stesso creato, realizzando un gioco di ruolo performativo chiamato Sephirot, in cui i giocatori rappresentano i personaggi di una storia e, nei momenti critici della vicenda, possono essere agevolati o contrastati dagli spettatori.  Il tutto è mediato da un regista-Dugeon Master, che ha il compito di monitorare il regolare svolgimento del gioco. In sostanza, in questo lavoro la reciprocità tra performance e tecnologia permette la gamification di uno spettacolo in cui la storia non è mai la stessa, e la cui drammaturgia è in divenire e si scrive nel suo farsi. 

La seconda giornata si è sviluppata intorno a Robot e realtà sintetiche, con interventi che hanno approfondito le problematiche relazionali tra gli ambienti sintetici, i robot e l’essere umano.
L’esperto in robotica Massimo Bergamasco, Professore Ordinario di Meccanica Applicata e direttore dell’Istituto di Tecnologie per la Comunicazione, Informazione e Percezione presso la Scuola Superiore Sant’Anna di Pisa, ha illustrato come il teatro possa costituire un interessante ambito per lo sviluppo di robot e come i Virtual Environment possano costituire ambienti immersivi per il training e la pedagogia dell’attore.
Un’indagine sui rapporti tra teatro e robotica è stata operata da Cinzia Toscano, ricercatrice afferente all’Università di Bologna, la quale ha evidenziato in ambito italiano una mancanza di intenti comuni tra performers e tecnologi. Secondo la studiosa, i creatori delle nuove tecnologie vanno spinti a sperimentare le tecnologie stesse con gli artisti, con un intento di umanizzazione della macchina per riportarla al mondo reale.
A identificare il robot come un oggetto transazionale tra la realtà e l’immaginario dello spettatore ci ha pensato Erica Magris, membro permanente di Scènes du monde, création, savoirs critiques presso il Département Théâtre dell’Université Paris 8. La studiosa italiana ha definito il robot come una forma di alterità radicale fatta di contrasti tra corporeità e materialità tecnologica, luoghi di programmazione e intelligenza artificiale, autonomia apparente reale e autonomia apparente simulata, embodiment e virtualizzazione.
Antonio Pizzo, professore associato in Discipline dello Spettacolo all’Università di Torino, ha esaminato i rapporti tra robot e scrittura scenica, sostenendo che, nel caso del robot, scrittura e recitazione coincidono. Il robot, androide o umanoide, in quanto macchina controllata e comandata, fa assumere all’animatore-programmatore il ruolo di scrittore scenico per la realizzazione di un evento performativo.
Ha concluso l’incontro Alessio Arena, dottorando in Filologia, Letteratura e Scienze dello Spettacolo afferente all’Università di Verona, il quale ha esposto la necessità di creare una simbiosi spaziale ed emotiva nel rapporto uomo-macchina.

Questo primo incontro del network Arti Digitali dal Vivo ha rappresentato una fondamentale occasione di confronto tra ricercatori, tecnologi e artisti. Tutti i relatori hanno condiviso la loro esperienza, rendendo possibile l’individuazione di problematiche che hanno aperto nuovi segmenti di ricerca e nuove metodologie d’indagine, utili per analizzare intersezioni e ibridazioni tra arti performative, dispositivi digitali e ambienti virtuali.

Di Simone Dragone e Angela Zinno

 

Morale della fabula. Etica ed ideologia della narrazione – Seminario di narratologia IV edizione. Milano 27, 28 ottobre 2022.

 

Si è tenuta in presenza a Milano i giorni 27 e il 28 ottobre 2022, presso la Sala Napoleonica dell’Università degli Studi di Milano, la IV edizione del Seminario permanente di Narratologia – Morale della fabula. Etica e ideologia della narrazione. Le registrazioni degli interventi saranno comunque rese disponibili, in seguito, sul canale youtube del seminario.

Il seminario permanente di Narratologia è una rete aperta di idee ed esperienze. Ideato da Paolo Giovannetti (La Libera università di lingue e comunicazione) e da Giovanni Maffei (Università degli studi di Napoli Federico II). Gli incontri che giunti alla quarta edizione sta proseguendo a svolgersi nascono dalla necessità di aggiornare e rinegoziare le scienze narratologiche che hanno subito una repentina accelerazione su scala internazionale nell’ultimi ventennio. La quarta edizione del seminario si è concentrata sulla natura del rapporto che c’è tra il senso etico ed ideologico del lettore e le strutture narrative di testi finzionali e non finzionali, letterari e cintematografici. 

Gli interventi proposti da filosofi, critici e scrittori si son articolati in due giornate consecutive e sono stati accomunati dal tentativo di mostrare il come lo spazio della riflessione etica possa essere accolto dalle osservazioni narratologiche.

Le aree tematiche intorno a cui si è discusso hanno riguardato soprattutto:

  • Il rapporto tra le strutture narrative dei testi finzionali e la dimensione etico-ideologica del lettore.
  • Il rapporto tra le strutture narrative dei contenuti cinematografici (anche nella loro manifestazione in serie televisive) e la dimensione etico-ideologica del fruitore.

Entrambi questi rapporti sono stati intesi sia nell’ottica del ricostruire lo spazio sociologico e storico di ricezione; sia nella logica che si sofferma sul rapporto tra fruitore e struttura al di là della situazione storicamente situata della ricezione.

E’ prevista la pubblicazione degli atti nella collana Seminario di Narratologia (Biblion). I primi due volumi della serie sono stati presentati al termine della prima sessione del seminario del giorno 27 ottobre.

Canale youtube del seminario: https://www.youtube.com/channel/UChfobRA_fqBw589GC9UxcCA

Link ai video della I Edizione:

Link ai video della II Edizione:

Link ai video della III Edizione:

Per maggiori informazioni è possibile scrivere a: seminariodinarratologia@gmail.com

Programma completo:

Naji Al Omleh

 

 

 

12th Eden Research Workshop – Towards smart and inclusive learning ecosystem. Dubrovnik, 19-20 settembre 2022

La dodicesima edizione di Eden Research Workshop, dal titolo “Towards smart and inclusive learning ecosystem”, si è tenuta il 19 e il 20 settembre in modalità blended sia online, su piattaforma Zoom, che in presenza, presso l’Università di Dubrovnik.

Il Workshop si è concentrato sullo sviluppo degli ambienti di apprendimento, realizzati sia in maniera mista che completamente online, e sulle innovatività che il panorama internazionale sta fornendo in questo campo. Chiaramente, lo sviluppo repentino delle tecnologie in ambito didattico è dovuto in particolar modo all’avvento del COVID-19: nel Workshop è stata analizzata la possibilità di fornire agli studenti modalità integrate di apprendimento, superando lo status emergenziale e mirando a sfruttare le nuove tecnologie e metodologie per ampliare le modalità di trasmissione della conoscenza.

Durante il Workshop sono stati affrontati cinque filoni tematici, tra loro interconnessi:

  • Trasformazione digitale delle istituzioni educative: strategie digitali, garanzia di qualità, modelli e framework, supporto a insegnanti e studenti;
  • Tendenze e problemi educativi: insegnamento e apprendimento a distanza in periodo emergenziale, sviluppo delle competenze di studenti e insegnanti nel XXI secolo, problemi di diversità, divario digitale, approcci di valutazione innovativi;
  • Ambienti di apprendimento personalizzati ad alte prestazioni: utilizzo dei big data, analisi dell’apprendimento, intelligenza artificiale, dispositivi indossabili e modellazione degli studenti per creare ambienti di apprendimento intelligenti e inclusivi per l’apprendimento misto e online;
  • Strategie di apprendimento per ambienti di smart learning: activity driven design, instructional design, learning design, gamification, feedback immediato e personalizzato a partire dalla tenera età;
  • Tecnologie emergenti in ambito educativo: flipped classroom, realtà aumentata, realtà virtuale, intelligenza artificiale, BYOD, nuove piattaforme per lo sviluppo delle competenze.

Anche alcuni componenti dell’Università di Genova hanno partecipato attivamente al Workshop: la prof.ssa Antonella Poce, fra le organizzatrici del Workshop, ha partecipato come relatrice con un contributo dal titolo “Personalized Virtual Reality Experience Within Museum Education Context: The Inclusive Memory Web App”, mentre la dottoranda Tiziana Pasciuto ha presentato un lavoro che scaturisce dai suoi studi dottorali intitolato “Travelling Culture: Define, Implement, Enrich and Disseminate the Digital Cultural Heritage. The “DigitXL Project” Case Study”.

Programma del Workshop

Proceedings del Workshop

Pasciuto Tiziana

Gli studi teatrali tra eredità e futuro – Giacimenti documentari, metodologie, progettualità

convegno della consulta universitaria del teatro (Padova, 19-20 Settembre 2022)

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I profondi mutamenti che hanno caratterizzato i primi due decenni dgli anni Duemila impongono alle Discipline dello spettacolo un’adeguata riflessione sulla loro attuale configurazione. Forte di questa consapevolezza, il convegno CUT 2022, a cura di Renzo Guardenti e Gerardo Guccini, nasce proprio con l’intento di indagare che cosa resti delle fondamentali eredità teatrali del passato e come si sviluppino questi lasciti.

La due giorni svoltasi presso l’Università degli Studi di Padova ha visto l’alternanza di momenti in plenaria, tavoli di lavoro e discussione tematiche articolate secondo tre filoni principali: i giacimenti documentari, le metodologie adottate e i progetti in corso di svolgimento. 

Giacimenti documentari

I giacimenti documentari antichi, moderni e contemporanei (precisandosi sempre più il Novecento quale secolo di archivi) pongono questioni relative sia alla loro conservazione, consultazione e valorizzazione sia all’impatto cognitivo dei dati nuovamente reperiti, che, al di là delle trasformazioni sistemiche, mutano la sostanza delle conoscenze storiche. Rilevanti sono anche le problematiche poste dalla frammentazione, dal decentramento e dai rischi di perdita dei fondi documentari. Quali strumenti di salvaguardia possono essere messi in atto? Quali progetti possono permettere l’identificazione e la localizzazione agile dei fondi teatrali e la salvaguardia dei dati catalografici? La questione dei giacimenti documentari può inoltre assumere un rilevante peso concettuale, come nel caso della creazione di archivi digitali ad opera della comunità scientifica. Lo sviluppo delle tecnologie digitali pone infatti l’esigenza di elaborare nuove concezioni di fonti documentarie che identifichino e affrontino le problematiche insite nella natura nei documenti online.

Metodologie

Parte essenziale della storia degli studi teatrali, le metodologie esplicitano le finalità e gli strumenti delle tendenze in atto, costituiscono per il ricercatore un patrimonio culturale ed ermeneutico da acquisire, ma anche da verificare, sviluppare e integrare. I loro rapporti configurano contrapposizioni, superamenti o nuove possibilità, imponendo in ogni caso, onde evitare derive e snaturamenti, una continua verifica degli statuti disciplinari definiti alla luce delle articolate linee storiografiche dell’ultimo cinquantennio. Si propone quindi di affrontare a tutto campo le problematiche metodologiche, trattando, ad esempio, la genesi della rifondazione storiografica, le possibilità future, le risoluzioni individuali.

Progettualità

La progettualità si apre a inedite modalità operative, in larga parte determinate dai nuovi assetti legislativi e normativi vigenti nella università italiane. Questo mutato quadro di riferimento obbliga le discipline a ridefinire i propri parametri progettuali adattandoli a una domanda che prevede vincolanti tipologie di risultati attesi, strumenti e risultati conseguiti. Si rende quindi necessario confrontarsi con queste progettualità estremamente variate, spesso declinate anche in una dimensione internazionale come nel caso dei bandi europei e fondate sull’interazione col territorio laddove si intendano perseguire gli obiettivi della terza missione.

Programma completo dell’evento

PERPHOTO International Conference

Lisbon, 20th – 23rd September 2022
The Archive, the Body, and the Medium
Crossing Photography and Performance in Theory and Practice

PERPHOTO – Performing the gaze è un progetto di ricerca finanziato dalla Fundação para a Ciência e Tecnologia e ospitato presso il Centro de Estudos de Teatro da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa che intende esplorare le relazioni tra la fotografia e le arti performative attraverso un approccio teorico, storico e culturale.

L’ultimo atto del progetto, organizzato da Filipe Figueiredo e Cosimo Chiarelli, è andato in scena a Lisbona, dal 20 al 23 settembre 2022, nell’ambito della Perphoto International Conference che si è interrogata sulle implicazioni teoriche e sulle applicazioni pratiche della fotografia rispetto alla nozione di archivio, al corpo del performer e alla fotografia sulla scena o esibita in quanto medium.
La conferenza ha richiamato studiosi afferenti a diverse discipline (storici del teatro, storici dell’arte, teorici della fotografia, mediologi), artisti e performers da ogni parte del mondo, riuscendo ad aprire un dibattito transdisciplinare e offrendo ai partecipanti motivi di scambio e relazione critica attraverso forti basi metodologiche. 

È sicuramente da evidenziare la presenza di due Keynote Speaker di fama internazionale.
Rebecca Schneider, professor of Modern Culture and Media alla Brown University di Providence (Rhode Island – USA) e autrice del celebre volume Performing Remains: Art and War in Times of Theatrical Reenactment (2011), ha presentato un intervento dal titolo Gesture and the Oceanic Interval: Theatre and Photography in the Wakes of History, nel quale ha evidenziato come il gesto, rappresentato in teatro o catturato e mediatizzato dalla fotografia e dal montaggio cinematografico, possa contribuire a individuare e colmare differenze di carattere stiorico, politico e culturale. La studiosa sta infatti lavorando su due progetti, uno dei quali è Standing Still Moving un libro digitale che analizza il gesto attraverso i media.
Amelia Jones, Robert A. Day Professor and Vice Dean of Academics and Research at the Roski School of Art and Design at the University of Southern California, ha preso parte alla conferenza con un discorso dal titolo Ron Athey and the Archival Body of Performance, proponendo, attraverso il catalogo dell’esibizione Queer Communion: Ron Athey (2020) – da lei stessa redatto in collaborazione con Andy Campbell – modalità narrative empiriche che hanno permesso di raccontare, formalizzare, archiviare ed esibire l’effimeratezza del lavoro e della carriera del body artist Ron Athey. Attraverso questo lavoro, la studiosa americana si è potuta interrogare sul concetto di identità artistica in relazione alle questioni di genere, arrivando a pubblicare il volume In Between Subjects. A Critical Genealogy of Queer Performance (2021), nel quale storicizza ed esamina concetti come “queer”, “gender performance” e “performativity” mettendone in discussione le basi teoriche e culturali. 

Non sono mancate le performance: I Am Not Here to Entertain della coreografa Claudia de Serpa Soares e The evidence of things not seen dell’artista italiano Manuel Vason.

Gli incontri si sono conclusi nel pomeriggio del 23 settembre al Museu Nacional do Teatro e da Dança con una tavola rotonda presieduta da Joel Anderson (Senior Lecturer at the Royal Central School of Speech and Drama, University of London) e Christopher Balme (Chair in Theatre Studies at the University of Munich), i quali hanno esposto e analizzato i principali concetti evidenziati dai partecipanti nel corso di tutta la conferenza. 
Infine, i presenti hanno potuto partecipare all’inaugurazione di due mostre: Pedro Soares no Teatro da Graça: fotografia e memória do Grupo Teatro Hoje e Text Hack di Susana Chicó

PHERPHOTO International Conference – 20 – 23 Settembre 2022 – Programma 

 

 

ISWS – International Semantic Web Research Summer School – Bertinoro, 3-9 luglio 2022

Dopo due anni di stop dovuti alla pandemia, ha avuto luogo dal 3 al 9 luglio 2022, a Bertinoro (FC), la terza edizione della International Semantic Web Research Summer School, diretta da Valentina Presutti (Professoressa Associata in Informatica presso l’Università di Bologna) e Harald Suck (Professor of Information Service Engineering al Karlsruhe Institute of Technology). Organizzata in collaborazione con il BiCi (Bertinoro international Center for informatics), la scuola ha accolto una sessantina di partecipanti provenienti da tutto il mondo e 12 ricercatori afferenti ai più importanti centri di ricerca sul web semantico italiani ed europei. 

Tra i keynote lecturers sono apparsi nomi di rilevante interesse internazionale. Primo fra tutti quello di Luc Steels, scienziato e artista belga considerato un pioniere dell’intelligenza artificiale in Europa, che oggi afferisce al Barcelona Supercomputing Center. Steels ha presentato un intervento dal titolo Understanding and Awareness. The next frontiers of AI? nel quale, attraverso un’analisi storica dell’intelligenza artificiale, tentava di prevedere futuri risvolti e linee di ricerca. 
Elena Simperl, italiana, Professor of Computer Science al King’s College di Londra, ha proposto un discorso dal titolo What Wikidata teaches us about knowledge engineering attraverso il quale ha analizzato empiricamente la realizzazione di knowledge graphs per comprenderne le pratiche e proporre miglioramenti ai processi e agli strumenti di realizzazione, portando alla luce dei collegamenti tra aspetti sociali e qualità tecniche che renderebbero migliore costruzione e utilizzo. 
Frank van Harmelenprofessore in Knowledge Representation and Reasoning al Computer Science department della Vrije Universiteit di Amsterdam, ha sviluppato il suo intervento, Knowledge Graphs and Machine Learning: first steps towards a theory, sul rapporto tra Knoweledge Graphs e Machine Learning tentando di elaborare una teoria comune e condivisibile dagli studiosi nel campo dell’IA e del web semantico.

I partecipanti sono stati divisi in 12 gruppi, ognuno rappresentato da un tutor, e hanno elaborato delle ricerche originali sul tema Empirical Semantics, lo studio del significato mediante strumenti osservativi in ​​contrapposizione all’approccio tradizionale della semantica formale basata sulla logica e sull’informatica teorica. In sostanza, si è trattato di mettere in discussione i rapporti che intercorrono fra Linked Open Data (LOD), l’interpretazione dei grafici Resources Description Framework (RDF) e i costrutti Web Ontology Language (OWL). 

V EDIZIONE SUMMER SCHOOL “DIGITAL TOOLS FOR HUMANISTS” 2022. PISA, 7-16 GIUGNO

La quinta edizione della Summer School “Digital Tools for Humanists”, organizzata dall’Università di Pisa e diretta dal Laboratorio di Cultura Digitale, si è tenuta nella prima metà del mese di giugno. La scuola è stata patrocinata dall’Associazione per l’Informatica Umanistica e la Cultura Digitale (AIUCD) ed è stata supportata dal nodo italiano di CLARIN, con la finalità di rendere fruibili le risorse linguistiche ai professionisti di tutti i settori, con particolare riguardo verso le scienze sociali e le discipline umanistiche.

La Summer School è stata erogata in modalità blended, ovvero sia in presenza, presso il Polo Fibonacci di Pisa, che online tramite la piattaforma Teams: gli studenti, provenienti e collegati da tutte le parti del mondo, hanno potuto scegliere se frequentare solamente una settimana del corso (Digital Tools for Humanists – Working with texts – 7-10 giugno) o seguire l’intera scuola bisettimanale (Digital Tools for Humanists – Working with collections– 7-16 giugno).

Machine Learning, Natural Language Processing, Deep Learning, Digital Libraries, Digital Storytelling: queste sono solamente alcune delle tematiche trattate durante il corso, organizzate in lezioni con docenti esperti nello specifico settore di competenza. Ad ogni lezione teorica mattutina è stato affiancato un laboratorio pratico pomeridiano, fondamentale per gli studenti per mettere in pratica quanto appreso in precedenza, chiarire dubbi e approfondire ulteriormente le tematiche trattate nel corso della giornata.
Le lezioni teoriche sono state arricchite dalla presentazione di numerosi casi di studio, utili a comprendere le potenzialità degli strumenti tecnologici affrontati e ad offrire spunti applicativi per ulteriori utilizzi.

Programma Summer School

Presentazione Insegnanti

Pasciuto Tiziana

Fattore Q – in viaggio con Carlo Quartucci

Le università di Messina, Genova, Torino e Roma Tor vergata, grazie al coordinamento dei docenti Livia Cavaglieri e Roberto Cuppone (Università degli studi di Genova), Donatella Orecchia (Università degli studi di Roma Tor Vergata), Armando Petrini (Università degli studi di Torino) e Dario Tomasello (Università degli studi id Messina), hanno proposto, nell’ambito degli studi teatrali, un percorso di analisi dedicato a Carlo Quartucci (1938-2019), maestro del teatro di ricerca italiano.

Ciascuna delle università ha dunque organizzato delle giornate dedicate al tema in oggetto: ognuna delle quattro tappe propone l’organizzazione di un programma specifico e legato al significato stesso di ciò che la città scelta ha rappresentato per l’artista.  A Messina Carlo Quartucci è nato e si è formato teatralmente; a Genova, a metà degli anni Sessanta, ha fondato il Teatro Studio ed è stato protagonista di un’importante querelle con il teatro Stabile cittadino; a Torino ha approfondito la sua attività in ambito radiofonico e televisivo (ottenendo poi nel 2002 una laurea honoris causa) e infine a Roma, città dove nei primi anni ottanta ha aperto a Genazzano un cantiere delle arti con Carla Tatò, compagna d’arte e di vita.

Sono stati selezionati, all’interno delle diverse università, dodici studenti tra dottorandi ed iscritti alle facoltà di settore, nel tentativo di creare un gruppo di lavoro eterogeneo per studi, caratteri e competenze. Il progetto ha infatti richiesto lo spostamento del gruppo di lavoro di città in città, documentando i lavori con la scrittura, le riprese video, la fotografia ma anche il disegno e la pittura nella prospettiva di una restituzione finale, proposta nell’ultima tappa a Gennazano attraverso un’installazione curata da uno dei sottogruppi del team.

Nell’ambito del dottorato in Digital Humanities dell’Università Genova-Torino, hanno preso parte al progetto i dottorandi Monica Canu (I anno), Simone Dragone (II anno) e Federica Scaglione (I anno) tutti e tre facenti capo al settore scientifico disciplinare L-Art/05. I dottorandi hanno infatti reso possibile le dirette streaming, su piattaforma specifica, delle diverse tappe, quindi prodotto documentazione audio, video e fotografica che verrà utilizzata per la creazione finale di un progetto digitale e divulgativo dell’esperienza.

 https://fattorequartucci.wordpress.com/

Programma 

A cura di

Monica Canu, Simone Dragone, Federica Scaglione

33rd SIBMAS Conference. WARSAW 7-10 June 2022. Performing the future. Institutions and politics of memory

La SIBMAS (Société Internationale des Bibliothèques, Musées et Archives des Arts du Spectacle) costituisce fin dal 1954 la principale rete internazionale che raduna biblioteche, musei, archivi e centri di documentazione che si occupano della tutela e della valorizzazione del patrimonio culturale delle arti performative. Per favorire l’incontro tra studiosi e addetti ai lavori, nonché lo scambio di buone pratiche di conservazione e promozione del patrimonio culturale dello spettacolo, la SIBMAS organizza una conferenza ogni due anni.

Quest’anno, dal 7 al 10 giugno, il Zbigniew Raszewski Theatre Institute di Varsavia (Polonia) ha ospitato la 33ª edizione della SIBMAS Conference. Il tema dell’evento, Performing the future. Institutions and politics of memory, si è incentrato sulle modalità e sui media attraverso i quali musei, biblioteche e archivi forniscono una rappresentazione della loro cultura materiale concedendo a utenti e visitatori un’adeguata fruizione interattiva.

L’evento è stato organizzato in modalità blended, pertanto tutti gli interventi della conferenza sono disponibili sul canale YouTube del Zbigniew Raszewski Theatre Institute, sia in inglese che con la traduzione simultanea in francese.

Tra gli interventi da segnalare vi è sicuramente quello di Rime Touil, Digital Curator presso il Performing Arts Department della BnF (Bibliothèque nationale de France), la quale, partendo dal vastissimo fondo digitale del registra israeliano Amos Gitai – donato alla BnF dal regista stesso – ha analizzato le complessità di gestione e conservazione di born digital archives, arrivando a indicare conclusioni teoriche, modalità pratiche e strategie operative con le quali la BnF ha risolto diverse problematiche riguardanti le eccessive dimensioni dei file e la loro diversa formattazione.

La storica dell’arte e curatrice statunitense Alexandra Souther, afferente al Dipartimento di Cinematografia e Arte Contemporanea della Russian State University for the Humanities, ha focalizzato il suo discorso sull’interattività e la performatività degli spazi museali. Ponendo l’attenzione su video installation, sound installation, VR installation, AR installation e live installation, la studiosa ha analizzato diversi casi di studio evidenziando come lo spettatore/utente possa essere allo stesso tempo oggetto e soggetto di un’esperienza teatrale.

Attraverso il suo intervento, Gabriel Smith, direttore degli archivi della New York Philharmonic, ha sottolineato l’importanza  che gli archivi digitali hanno avuto nel corso del primo periodo di lockdown dovuto al COVID-19. Nel 2020 doveva avere luogo a New York l’International Gustav Mahler Festival, per cui la New York Philharmonic avrebbe dovuto ospitare orchestre provenienti da Vienna, Berlino, Amsterdam e Budapest. Sebbene la pandemia abbia impedito la fattibilità dell’evento, gli archivisti e lo staff editoriale della filarmonica newyorkese hanno organizzato un festival online di due settimane realizzando installazioni virtuali fruibili da remoto, passeggiate a New York tra i luoghi frequentati da Mahler – grazie alla preziosa collaborazione con Google Art and Culture –  nonché concerti in streaming a partire dalle partiture originali conservate negli archivi, operazione che ha reso il Fondo Gustav Mahler protagonista indiscusso dell’evento.

Degno di nota è il lavoro che stanno realizzando Franziska Voß (Project Leader – Specialised Information Service for the Performing Arts) e Christine Henninger (Head of the Media Library for Dance and Theatre at the International Theatre Institute, Germany). Riflettendo sull’intangibilità e sulla natura effimera dell’evento spettacolare, Il loro obiettivo è quello di tracciare e archiviare registrazioni di performances realizzate nella seconda metà degli anni Sessanta da molte compagnie teatrali tedesche indipendenti, per poi riconnetterle digitalmente con i loro riferimenti socio-politici, in modo che rimanga una traccia di quella memoria sociale e politica intangibile che ha guidato i processi e le messe in scena di quel periodo storico.

In conclusione, Bernice Kwok-wai Chan, General Manager delll’International Association of Theatre Critics di Hong Kong, ha fissato l’appuntamento per la 34th SIBMAS Conference che si terrà a Hong Kong nel 2024.

Alla fine della conferenza, relatori e partecipanti hanno potuto visitare il Teatro Reale di Varsavia e la Polish National Opera

L’handbook della 33rd SIBMAS Conference, contenente biografie e abstracts dei relatori, è disponibile a questo link.

11° EDIZIONE CONVEGNO ANNUALE AIUCD 2022 – CULTURE DIGITALI. LECCE, 1-3 GIUGNO

 L’undicesima edizione del convegno annuale AIUCD 2022 si è svolta in modalità blended sia online, su piattaforma Teams, che in presenza a Lecce. I luoghi che hanno ospitato i ricercatori provenienti da tutta Italia sono stati il Complesso Studium 2000 e il Convitto Palmieri.

L’evento è stato organizzato dal Centro Interdipartimentale di Digital Humanities in collaborazione con i corsi di laurea in Filosofia, DAMS, Beni Culturali e Digital Humanities.

La conferenza, incentrata sull’azione trasformativa del digitale, ha esaminato l’interazione della Tecnologia con i mondi della Filosofia, delle Arti, dei Media, dei Testi, dell’Intelligenza Artificiale.

La scelta dei Keynote Speakers ha rispecchiato la volontà di abbracciare tutte le tematiche del convegno, con ospiti di rilievo del panorama scientifico internazionale, quali Luciano Floridi (University of Oxford), Maurizio Ferraris (Università di Torino, Direttore di LabOnt), Anna Bisogno (Università Mercatorum), Gino Roncaglia (Università di Roma Tre) e Riccardo Fedriga (Università di Bologna). Il focus degli interventi dei Keynote Speakers si è rivolto a temi di estrema attualità, ovvero transizione digitale, open knowledge, il trattamento storico-commerciale della “memoria digitale” e il cambiamento dei media in relazione con le recenti innovazioni tecnologiche.

I relatori si sono invece espressi su cinque temi di discussione centrali del convegno:

  • Testo +D: elaborazione testuale; linguistica computazionale; edizioni digitali;
  • Arti +D: arte digitale; tecnologie digitali per il mondo dell’arte; artefatti, produzioni e riproduzioni digitali, imaging, beni culturali digitali;
  • Filosofia +D: filosofia dell’informazione; epistemologia del digitale; etica del digitale; società nell’era digitale; documedialità (registrazione, memoria, scrittura);
  • Contenuti +D: realtà virtuale e aumentata; contenuti multimediali e transmediali; culture digitali e spatial turn in DH: spazio dei media e delle comunità (plenitudine), spazi narrativi (ambienti, mondi, ecosistemi, universi, paesaggi);
  • Intelligenza +D: apprendimento automatico e intelligenza artificiale; Human-Computer Interaction; comunicazione mediata da computer (CMC), web semantico e rappresentazione della conoscenza; apprendimento digitale.

In occasione della tavola rotonda, svoltasi a chiusura delle attività del convegno, il direttivo dell’Associazione, guidato dalla prof.ssa Marina Buzzoni (Università Ca’ Foscari di Venezia), ha discusso del futuro dell’associazione e della professionalità del Digital Humanist.

Anche L’Università di Genova è stata presente al convegno con il contributo del prof. Enrico Terrone, dal titolo “A Taxonomy of Depictive Representations: From Paintings and Sculptures to Virtual Reality”, e della dottoranda Selenia Anastasi, incentrato su una ontologia dei personaggi femminili della Divina Commedia.

Al termine del Convegno, sono stati nominati i vincitori del Premio Gigliozzi e Small Grants 2022 ed è stata annunciata la sede del prossimo appuntamento annuale, il quale si svolgerà a Siena.

Programma Convegno

Proceedings Convegno

di Al Omleh Naji, Anastasi Selenia, Pasciuto Tiziana

28th Lavender Language & Linguistics Conference. Catania, 23-25 maggio

Il tradizionale Convegno Lavender Language and Linguistics, giunto alla sua 28° edizione, si è svolto quest’anno presso la suggestiva sede del Dipartimento di Scienze Umanistiche dell’Università di Catania, dal 23 al 25 maggio 2022. La Conferenza è nota per un impegno intenso e fruttuoso nell’investigare l’uso del linguaggio nella rappresentazione delle soggettività LGBTQA+ e /o la vita queer, così come il linguaggio e la sessualità più in generale. La Conferenza sostiene un’idea ampia di ‘linguaggio’, abbracciando tutte le aree della semiosi, compresa la lessicografia, la fonetica, la grammatica, la semantica, la pragmatica, la sociolinguistica, l’analisi del discorso (critico) e l’analisi della comunicazione in vari generi testuali, modalità e media. Sono stati i benvenuti anche gli studi che approfondiscono il tema da una prospettiva storica, letteraria, culturale e descrittiva, così come presentazioni incentrate sulla performance e poster. Quest’anno, inoltre, data l’ancora delicata situazione pandemica, agli ospiti è stata data occasione di seguire l’evento anche online, garantendo ampia diffusione tramite il supporto della piattaforma Teams e dell’ambiente virtuale Gather Town.

La Conferenza ha mantenuto con orgoglio un’atmosfera informale: tutti i partecipanti, indipendentemente da orientamento sessuale, luogo di provenienza, colore della pelle e genere, sono stati accolti in quello che è un evento congressuale solidale e collaborativo.

Tra le centinaia di prestigiose presenze, provenienti da tutto il mondo, la scelta dei keynote speakers ha rispecchiato tale inclusività, figurando importanti nomi come Jeremy Calder (University of Colorado Boulder), Busi Makoni (Penn State University), Tommaso Milani (University of Goteborg), Pietro Maturi (Federico II di Napoli), Eva Nossem (Saarland University) e Adriana di Stefano (Università di Catania).

Il mio intervento è dedicato all’analisi del discorso di uno specifico gruppo di Incel italiano. Il titolo del talk è “I am not like all the other girls”. Femcel, PinkPills, and Women in the Incel Community. A qualitative analysis of the italian “Il Forum dei Brutti”, e indaga il delicato tema della misoginia intra-divisionale (Richardson-Self, 2020), attraverso lo studio delle strategie comunicative e pragmatiche adottate da alcune utenti donne, con l’obiettivo di essere riconosciute come in-group all’interno di una comunità della cosiddetta manosphera italiana. Questo lavoro si inserisce all’interno del sempre crescente ventaglio di studi, in ambito sociologico ma non solo, rivolto all’emergere di movimenti online estremisti di matrice anti-femminista, caratterizzati da un alto tasso di linguaggio tossico.

Book of Abstract LavLang28

Selenia Anastasi

 

 

 

Patrimonio culturale e innovazione tecnologica (LuBeC2019) 

lubec 2019

La XV edizione di LuBeC (Lucca Beni Culturali https://www.lubec.it), svoltasi giovedì 3 e venerdì 4 ottobre nella città toscana, chiude con 2.000 presenze e tanti contenuti emersi da laboratori e incontri incentrati su 6 temi:

  • Modelli di gestione per il patrimonio culturale;
  • digitalizzazione, archivi e open data;
  • patrimonio culturale e sostenibilità;
  • cultura e benessere;
  • musei e innovazione;
  • patrimonio culturale e Made in Italy.

Chi scrive ha partecipato per aggiornamento professionale e per approfondire i temi di ricerca legati alla gamification applicata al cultural heritage e all’uso della tecnologia multimediale nei Musei.

Di particolare interesse è stata quindi la presentazione “Dalla fruizione alla relazione: l’approccio digital first rinnova l’exhibition museale” da parte di Gruppo Meta; il framework MIE (Meta Interactive Exhibition) ha mostrato come le tecnologie dell’IoT e del sensing possano utilmente creare ambienti museali innovando il concetto di contenuto multimediale tailor made per l’utente.

All’attenzione per il visitatore e alla cura per la sua esperienza culturale è stato dedicato l’evento “I musei oltre l’user experience: poetica, immagini e desiderio di conoscere il patrimonio culturale” realizzato in collaborazione con la Direzione Generale Musei del MiBACT. La direttrice del Parco Archeologico di Ostia Antica su tutti, ha efficacemente mostrato quali e quanti siano i risultati ottenuti da un’efficace programmazione strategica ed un’uso professionale dei social network. 

Infine questa edizione di Lubec si è conclusa con il workshop “The playable culture: la cultura si mette in gioco”, al quale hanno partecipato Fabio Viola, fondatore di TuoMuseo e massimo esperto di Gamification in Italia, Emanuele Vietina, direttore di Lucca Comics & Games, e Alessia Amenta, direttrice del reparto antichità egizie dei Musei Vaticani. Tutti gli interventi hanno mostrato le opportunità della Gamification applicata al cultural heritage, sottolineando però la necessità di non distorcere l’autenticità del patrimonio culturale per le esigenze del gioco. 

Gaetano Scognamiglio

LuBeC 2019 diretta da Francesca Velani è stata organizzata da Promo PA, Fondazione di ricerca presieduta da Gaetano Scognamiglio, che opera nel campo della formazione e dei beni culturali con sede a Lucca e a Roma. 

di Luca Ciotoli e Matteo Sicios