V EDIZIONE SUMMER SCHOOL “DIGITAL TOOLS FOR HUMANISTS” 2022. PISA, 7-16 GIUGNO

La quinta edizione della Summer School “Digital Tools for Humanists”, organizzata dall’Università di Pisa e diretta dal Laboratorio di Cultura Digitale, si è tenuta nella prima metà del mese di giugno. La scuola è stata patrocinata dall’Associazione per l’Informatica Umanistica e la Cultura Digitale (AIUCD) ed è stata supportata dal nodo italiano di CLARIN, con la finalità di rendere fruibili le risorse linguistiche ai professionisti di tutti i settori, con particolare riguardo verso le scienze sociali e le discipline umanistiche.

La Summer School è stata erogata in modalità blended, ovvero sia in presenza, presso il Polo Fibonacci di Pisa, che online tramite la piattaforma Teams: gli studenti, provenienti e collegati da tutte le parti del mondo, hanno potuto scegliere se frequentare solamente una settimana del corso (Digital Tools for Humanists – Working with texts – 7-10 giugno) o seguire l’intera scuola bisettimanale (Digital Tools for Humanists – Working with collections– 7-16 giugno).

Machine Learning, Natural Language Processing, Deep Learning, Digital Libraries, Digital Storytelling: queste sono solamente alcune delle tematiche trattate durante il corso, organizzate in lezioni con docenti esperti nello specifico settore di competenza. Ad ogni lezione teorica mattutina è stato affiancato un laboratorio pratico pomeridiano, fondamentale per gli studenti per mettere in pratica quanto appreso in precedenza, chiarire dubbi e approfondire ulteriormente le tematiche trattate nel corso della giornata.
Le lezioni teoriche sono state arricchite dalla presentazione di numerosi casi di studio, utili a comprendere le potenzialità degli strumenti tecnologici affrontati e ad offrire spunti applicativi per ulteriori utilizzi.

Programma Summer School

Presentazione Insegnanti

Pasciuto Tiziana

Fattore Q – in viaggio con Carlo Quartucci

Le università di Messina, Genova, Torino e Roma Tor vergata, grazie al coordinamento dei docenti Livia Cavaglieri e Roberto Cuppone (Università degli studi di Genova), Donatella Orecchia (Università degli studi di Roma Tor Vergata), Armando Petrini (Università degli studi di Torino) e Dario Tomasello (Università degli studi id Messina), hanno proposto, nell’ambito degli studi teatrali, un percorso di analisi dedicato a Carlo Quartucci (1938-2019), maestro del teatro di ricerca italiano.

Ciascuna delle università ha dunque organizzato delle giornate dedicate al tema in oggetto: ognuna delle quattro tappe propone l’organizzazione di un programma specifico e legato al significato stesso di ciò che la città scelta ha rappresentato per l’artista.  A Messina Carlo Quartucci è nato e si è formato teatralmente; a Genova, a metà degli anni Sessanta, ha fondato il Teatro Studio ed è stato protagonista di un’importante querelle con il teatro Stabile cittadino; a Torino ha approfondito la sua attività in ambito radiofonico e televisivo (ottenendo poi nel 2002 una laurea honoris causa) e infine a Roma, città dove nei primi anni ottanta ha aperto a Genazzano un cantiere delle arti con Carla Tatò, compagna d’arte e di vita.

Sono stati selezionati, all’interno delle diverse università, dodici studenti tra dottorandi ed iscritti alle facoltà di settore, nel tentativo di creare un gruppo di lavoro eterogeneo per studi, caratteri e competenze. Il progetto ha infatti richiesto lo spostamento del gruppo di lavoro di città in città, documentando i lavori con la scrittura, le riprese video, la fotografia ma anche il disegno e la pittura nella prospettiva di una restituzione finale, proposta nell’ultima tappa a Gennazano attraverso un’installazione curata da uno dei sottogruppi del team.

Nell’ambito del dottorato in Digital Humanities dell’Università Genova-Torino, hanno preso parte al progetto i dottorandi Monica Canu (I anno), Simone Dragone (II anno) e Federica Scaglione (I anno) tutti e tre facenti capo al settore scientifico disciplinare L-Art/05. I dottorandi hanno infatti reso possibile le dirette streaming, su piattaforma specifica, delle diverse tappe, quindi prodotto documentazione audio, video e fotografica che verrà utilizzata per la creazione finale di un progetto digitale e divulgativo dell’esperienza.

 https://fattorequartucci.wordpress.com/

Programma 

A cura di

Monica Canu, Simone Dragone, Federica Scaglione

33rd SIBMAS Conference. WARSAW 7-10 June 2022. Performing the future. Institutions and politics of memory

La SIBMAS (Société Internationale des Bibliothèques, Musées et Archives des Arts du Spectacle) costituisce fin dal 1954 la principale rete internazionale che raduna biblioteche, musei, archivi e centri di documentazione che si occupano della tutela e della valorizzazione del patrimonio culturale delle arti performative. Per favorire l’incontro tra studiosi e addetti ai lavori, nonché lo scambio di buone pratiche di conservazione e promozione del patrimonio culturale dello spettacolo, la SIBMAS organizza una conferenza ogni due anni.

Quest’anno, dal 7 al 10 giugno, il Zbigniew Raszewski Theatre Institute di Varsavia (Polonia) ha ospitato la 33ª edizione della SIBMAS Conference. Il tema dell’evento, Performing the future. Institutions and politics of memory, si è incentrato sulle modalità e sui media attraverso i quali musei, biblioteche e archivi forniscono una rappresentazione della loro cultura materiale concedendo a utenti e visitatori un’adeguata fruizione interattiva.

L’evento è stato organizzato in modalità blended, pertanto tutti gli interventi della conferenza sono disponibili sul canale YouTube del Zbigniew Raszewski Theatre Institute, sia in inglese che con la traduzione simultanea in francese.

Tra gli interventi da segnalare vi è sicuramente quello di Rime Touil, Digital Curator presso il Performing Arts Department della BnF (Bibliothèque nationale de France), la quale, partendo dal vastissimo fondo digitale del registra israeliano Amos Gitai – donato alla BnF dal regista stesso – ha analizzato le complessità di gestione e conservazione di born digital archives, arrivando a indicare conclusioni teoriche, modalità pratiche e strategie operative con le quali la BnF ha risolto diverse problematiche riguardanti le eccessive dimensioni dei file e la loro diversa formattazione.

La storica dell’arte e curatrice statunitense Alexandra Souther, afferente al Dipartimento di Cinematografia e Arte Contemporanea della Russian State University for the Humanities, ha focalizzato il suo discorso sull’interattività e la performatività degli spazi museali. Ponendo l’attenzione su video installation, sound installation, VR installation, AR installation e live installation, la studiosa ha analizzato diversi casi di studio evidenziando come lo spettatore/utente possa essere allo stesso tempo oggetto e soggetto di un’esperienza teatrale.

Attraverso il suo intervento, Gabriel Smith, direttore degli archivi della New York Philharmonic, ha sottolineato l’importanza  che gli archivi digitali hanno avuto nel corso del primo periodo di lockdown dovuto al COVID-19. Nel 2020 doveva avere luogo a New York l’International Gustav Mahler Festival, per cui la New York Philharmonic avrebbe dovuto ospitare orchestre provenienti da Vienna, Berlino, Amsterdam e Budapest. Sebbene la pandemia abbia impedito la fattibilità dell’evento, gli archivisti e lo staff editoriale della filarmonica newyorkese hanno organizzato un festival online di due settimane realizzando installazioni virtuali fruibili da remoto, passeggiate a New York tra i luoghi frequentati da Mahler – grazie alla preziosa collaborazione con Google Art and Culture –  nonché concerti in streaming a partire dalle partiture originali conservate negli archivi, operazione che ha reso il Fondo Gustav Mahler protagonista indiscusso dell’evento.

Degno di nota è il lavoro che stanno realizzando Franziska Voß (Project Leader – Specialised Information Service for the Performing Arts) e Christine Henninger (Head of the Media Library for Dance and Theatre at the International Theatre Institute, Germany). Riflettendo sull’intangibilità e sulla natura effimera dell’evento spettacolare, Il loro obiettivo è quello di tracciare e archiviare registrazioni di performances realizzate nella seconda metà degli anni Sessanta da molte compagnie teatrali tedesche indipendenti, per poi riconnetterle digitalmente con i loro riferimenti socio-politici, in modo che rimanga una traccia di quella memoria sociale e politica intangibile che ha guidato i processi e le messe in scena di quel periodo storico.

In conclusione, Bernice Kwok-wai Chan, General Manager delll’International Association of Theatre Critics di Hong Kong, ha fissato l’appuntamento per la 34th SIBMAS Conference che si terrà a Hong Kong nel 2024.

Alla fine della conferenza, relatori e partecipanti hanno potuto visitare il Teatro Reale di Varsavia e la Polish National Opera

L’handbook della 33rd SIBMAS Conference, contenente biografie e abstracts dei relatori, è disponibile a questo link.

11° EDIZIONE CONVEGNO ANNUALE AIUCD 2022 – CULTURE DIGITALI. LECCE, 1-3 GIUGNO

 L’undicesima edizione del convegno annuale AIUCD 2022 si è svolta in modalità blended sia online, su piattaforma Teams, che in presenza a Lecce. I luoghi che hanno ospitato i ricercatori provenienti da tutta Italia sono stati il Complesso Studium 2000 e il Convitto Palmieri.

L’evento è stato organizzato dal Centro Interdipartimentale di Digital Humanities in collaborazione con i corsi di laurea in Filosofia, DAMS, Beni Culturali e Digital Humanities.

La conferenza, incentrata sull’azione trasformativa del digitale, ha esaminato l’interazione della Tecnologia con i mondi della Filosofia, delle Arti, dei Media, dei Testi, dell’Intelligenza Artificiale.

La scelta dei Keynote Speakers ha rispecchiato la volontà di abbracciare tutte le tematiche del convegno, con ospiti di rilievo del panorama scientifico internazionale, quali Luciano Floridi (University of Oxford), Maurizio Ferraris (Università di Torino, Direttore di LabOnt), Anna Bisogno (Università Mercatorum), Gino Roncaglia (Università di Roma Tre) e Riccardo Fedriga (Università di Bologna). Il focus degli interventi dei Keynote Speakers si è rivolto a temi di estrema attualità, ovvero transizione digitale, open knowledge, il trattamento storico-commerciale della “memoria digitale” e il cambiamento dei media in relazione con le recenti innovazioni tecnologiche.

I relatori si sono invece espressi su cinque temi di discussione centrali del convegno:

  • Testo +D: elaborazione testuale; linguistica computazionale; edizioni digitali;
  • Arti +D: arte digitale; tecnologie digitali per il mondo dell’arte; artefatti, produzioni e riproduzioni digitali, imaging, beni culturali digitali;
  • Filosofia +D: filosofia dell’informazione; epistemologia del digitale; etica del digitale; società nell’era digitale; documedialità (registrazione, memoria, scrittura);
  • Contenuti +D: realtà virtuale e aumentata; contenuti multimediali e transmediali; culture digitali e spatial turn in DH: spazio dei media e delle comunità (plenitudine), spazi narrativi (ambienti, mondi, ecosistemi, universi, paesaggi);
  • Intelligenza +D: apprendimento automatico e intelligenza artificiale; Human-Computer Interaction; comunicazione mediata da computer (CMC), web semantico e rappresentazione della conoscenza; apprendimento digitale.

In occasione della tavola rotonda, svoltasi a chiusura delle attività del convegno, il direttivo dell’Associazione, guidato dalla prof.ssa Marina Buzzoni (Università Ca’ Foscari di Venezia), ha discusso del futuro dell’associazione e della professionalità del Digital Humanist.

Anche L’Università di Genova è stata presente al convegno con il contributo del prof. Enrico Terrone, dal titolo “A Taxonomy of Depictive Representations: From Paintings and Sculptures to Virtual Reality”, e della dottoranda Selenia Anastasi, incentrato su una ontologia dei personaggi femminili della Divina Commedia.

Al termine del Convegno, sono stati nominati i vincitori del Premio Gigliozzi e Small Grants 2022 ed è stata annunciata la sede del prossimo appuntamento annuale, il quale si svolgerà a Siena.

Programma Convegno

Proceedings Convegno

di Al Omleh Naji, Anastasi Selenia, Pasciuto Tiziana

28th Lavender Language & Linguistics Conference. Catania, 23-25 maggio

Il tradizionale Convegno Lavender Language and Linguistics, giunto alla sua 28° edizione, si è svolto quest’anno presso la suggestiva sede del Dipartimento di Scienze Umanistiche dell’Università di Catania, dal 23 al 25 maggio 2022. La Conferenza è nota per un impegno intenso e fruttuoso nell’investigare l’uso del linguaggio nella rappresentazione delle soggettività LGBTQA+ e /o la vita queer, così come il linguaggio e la sessualità più in generale. La Conferenza sostiene un’idea ampia di ‘linguaggio’, abbracciando tutte le aree della semiosi, compresa la lessicografia, la fonetica, la grammatica, la semantica, la pragmatica, la sociolinguistica, l’analisi del discorso (critico) e l’analisi della comunicazione in vari generi testuali, modalità e media. Sono stati i benvenuti anche gli studi che approfondiscono il tema da una prospettiva storica, letteraria, culturale e descrittiva, così come presentazioni incentrate sulla performance e poster. Quest’anno, inoltre, data l’ancora delicata situazione pandemica, agli ospiti è stata data occasione di seguire l’evento anche online, garantendo ampia diffusione tramite il supporto della piattaforma Teams e dell’ambiente virtuale Gather Town.

La Conferenza ha mantenuto con orgoglio un’atmosfera informale: tutti i partecipanti, indipendentemente da orientamento sessuale, luogo di provenienza, colore della pelle e genere, sono stati accolti in quello che è un evento congressuale solidale e collaborativo.

Tra le centinaia di prestigiose presenze, provenienti da tutto il mondo, la scelta dei keynote speakers ha rispecchiato tale inclusività, figurando importanti nomi come Jeremy Calder (University of Colorado Boulder), Busi Makoni (Penn State University), Tommaso Milani (University of Goteborg), Pietro Maturi (Federico II di Napoli), Eva Nossem (Saarland University) e Adriana di Stefano (Università di Catania).

Il mio intervento è dedicato all’analisi del discorso di uno specifico gruppo di Incel italiano. Il titolo del talk è “I am not like all the other girls”. Femcel, PinkPills, and Women in the Incel Community. A qualitative analysis of the italian “Il Forum dei Brutti”, e indaga il delicato tema della misoginia intra-divisionale (Richardson-Self, 2020), attraverso lo studio delle strategie comunicative e pragmatiche adottate da alcune utenti donne, con l’obiettivo di essere riconosciute come in-group all’interno di una comunità della cosiddetta manosphera italiana. Questo lavoro si inserisce all’interno del sempre crescente ventaglio di studi, in ambito sociologico ma non solo, rivolto all’emergere di movimenti online estremisti di matrice anti-femminista, caratterizzati da un alto tasso di linguaggio tossico.

Book of Abstract LavLang28

Selenia Anastasi

 

 

 

Patrimonio culturale e innovazione tecnologica (LuBeC2019) 

lubec 2019

La XV edizione di LuBeC (Lucca Beni Culturali https://www.lubec.it), svoltasi giovedì 3 e venerdì 4 ottobre nella città toscana, chiude con 2.000 presenze e tanti contenuti emersi da laboratori e incontri incentrati su 6 temi:

  • Modelli di gestione per il patrimonio culturale;
  • digitalizzazione, archivi e open data;
  • patrimonio culturale e sostenibilità;
  • cultura e benessere;
  • musei e innovazione;
  • patrimonio culturale e Made in Italy.

Chi scrive ha partecipato per aggiornamento professionale e per approfondire i temi di ricerca legati alla gamification applicata al cultural heritage e all’uso della tecnologia multimediale nei Musei.

Di particolare interesse è stata quindi la presentazione “Dalla fruizione alla relazione: l’approccio digital first rinnova l’exhibition museale” da parte di Gruppo Meta; il framework MIE (Meta Interactive Exhibition) ha mostrato come le tecnologie dell’IoT e del sensing possano utilmente creare ambienti museali innovando il concetto di contenuto multimediale tailor made per l’utente.

All’attenzione per il visitatore e alla cura per la sua esperienza culturale è stato dedicato l’evento “I musei oltre l’user experience: poetica, immagini e desiderio di conoscere il patrimonio culturale” realizzato in collaborazione con la Direzione Generale Musei del MiBACT. La direttrice del Parco Archeologico di Ostia Antica su tutti, ha efficacemente mostrato quali e quanti siano i risultati ottenuti da un’efficace programmazione strategica ed un’uso professionale dei social network. 

Infine questa edizione di Lubec si è conclusa con il workshop “The playable culture: la cultura si mette in gioco”, al quale hanno partecipato Fabio Viola, fondatore di TuoMuseo e massimo esperto di Gamification in Italia, Emanuele Vietina, direttore di Lucca Comics & Games, e Alessia Amenta, direttrice del reparto antichità egizie dei Musei Vaticani. Tutti gli interventi hanno mostrato le opportunità della Gamification applicata al cultural heritage, sottolineando però la necessità di non distorcere l’autenticità del patrimonio culturale per le esigenze del gioco. 

Gaetano Scognamiglio

LuBeC 2019 diretta da Francesca Velani è stata organizzata da Promo PA, Fondazione di ricerca presieduta da Gaetano Scognamiglio, che opera nel campo della formazione e dei beni culturali con sede a Lucca e a Roma. 

di Luca Ciotoli e Matteo Sicios 

L’immagine contemporanea: natura, forme, valori

Si svolgerà a Genova, il 15 e 16 maggio 2019, nell’Aula Magna di via Balbi 2, il Convegno L’immagine contemporanea: natura, forme, valori, organizzato e promosso dal Dottorato in Digital Humanities di Genova.

Keynote speakers

Pierluigi Capucci (Accademia delle Belle Arti L’Aquila, Università di Udine, Noema) Andrea Pinotti (Università Statale di Milano)


tourismA 2019 – L’allegro Museo

Il 24/02/2019 ho partecipato a tourismA (http://www.tourisma.it/home/) il salone dell’archeologia e del turismo culturale che si svolge come di consueto al Palazzo dei Congressi di Firenze e che viene organizzato da Archeologia Viva (Giunti).

Tourisma 2019

Oggi presento una sintesi e rimando a richieste specifiche per chi fosse interessato ad approfondire (studio@matteosicios.com).

Il progetto che voglio raccontare è “L’allegro museo” del CNR-ITABC che ha portato a Firenze un’intero spazio espositivo interattivo e un incontro congressuale con lo stesso nome. Buona lettura. 

“L’ALLEGRO MUSEO. Metti una visita divertente e piacevole… I sistemi di comunicazione nei luoghi della cultura devono adattarsi alle nuove esigenze del pubblico: alla ricerca di strumenti utili per coinvolgere i visitatori.”

Dell’incontro di cui potete leggere il programma (http://www.tourisma.it/lallegro-museo/), mi soffermo su alcuni punti di estrema attualità e di utile spunto per l’utenza che segue questo blog, tra i tanti che sono emersi:

  • Si aboliscano i concetti di “serious game” e definizioni simili, utili ad addolcire il concetto del museo “noioso” e “difficile”, oggi si possono fare videogames, punto e basta, quelli con le logiche del mercato, con le regole e i parametri conosciuti ed apprezzati dai gamers; 
  • investire su un videogioco storico (archeologico), per un’impresa che si autofinanzia, da un ritorno in termini economici, (nel caso di “MiRasna”, gioco di strategia, in 8 mesi ha rifinanziato l’investimento per 3,7 volte l’effort iniziale), il 3% dell’utile netto viene poi re-invistito nei progetti culturali e per i musei;
  • anche se i direttori dei musei non dovessero riscontrare un aumento di pubblico (e di conoscenza della materia della collezione) usando lo strumento videogame, si riscontra sempre un successo in termini di promozione e buona stampa;
  • i progetti, tra cui i progetti europei, che producono videogames implicano gruppi di lavoro interdisciplinari, dove la ricerca e la conoscenza del patrimonio viene mediata analiticamente (il caso delle ricostruzioni 3d) e dal punto di vista narrativo.

Nel caso specifico del progetto europeo Reveal (www.revealvr.eu) si tratta della realizzazione di due giochi, definibili come environmental narrative videogame. Oltre alla cura e alla serietà delle ricostruzioni 3d che sono state presentate, ho apprezzato molto il racconto della progettazione di “A Night in the Forum”, in cui si rivive il Foro di Augusto, tenuto dalla ricercatrice del CNR-ITABC Sofia Pescarin, soprattutto per quanto concerne la descrizione degli spazi di fruizione* >

in viaggio tramite app, in museo per mezzo di eventi ad hoc con presenza di personale, in museo in spazi dedicati e senza personale, in autoapprendimento off-of-the-shelf, nelle classi delle scuole per approfondimento, verifica e confronto.

Proprio di questo progetto e di quanto presentato nel corso della mattinata, ho voluto chiacchierare con lei.

Musei e videogiochi. I musei, li subiscono e basta i progetti (europei, iniziative imprenditoriali, etc)? Oppure dovrebbero mettersi in condizione di fare una pianificazione, conoscere lo strumento “videogioco” e quindi a quali obiettivi risponde?

“I musei dovrebbero, d’ora in poi, iniziare una loro politica, c’è ad esempio un museo, il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnica “Leonardo da Vinci” di Milano, penso unico esempio italiano, ad avere nel suo organico un game designer; è quindi il museo stesso a fare le sue politiche, sviluppa e – giustamente – fa sviluppare anche esternamente, giochi per il museo da un pò di anni. Sviluppa e porta giochi in Museo anche se sviluppati in altri ambiti. Questo è un esempio da seguire.

“Il museo di Napoli è un altro caso, negli altri casi ci sono produttori che auto-investono e cercano collaborazioni con musei e istituzioni culturali, spesso a fatica. 

Quello che vedo, che penso succederà, sarà proprio che i musei italiani inizieranno una propria politica, cominceranno a pensare i propri giochi, dovranno trovare i finanziamenti per farlo”.

Riguardo il vostro progetto Revealvr, la direttrice dei Mercati di Traiano – Museo dei Fori Imperiali – Lucrezia Ungaro, ha detto che da ora comincia la fase più importante, quella della valutazione, del monitoraggio. Su quali aspetti del museo impatta il prodotto che avete realizzato? Quali sono le finalità attese dal museo?

“La sperimentazione riguarda sia l’inserimento del gioco nel piano di comunicazione del Museo, sia negli spazi del museo stesso*. La seconda finalità riguarda quello che può essere l’esperienza di gioco da casa per verificare se c’è un riflesso sulla conoscenza e sulla visita (come nel caso del gioco MiRasna).

“Inizia una fase importante, essendo il gioco che abbiamo presentato pensato per l’home entertainment, in cui si possono monitorare molti elementi, ma non esiste un collegamento forte con il museo, diventa più complicato fare una verifica. Per questo motivo quest’anno abbiamo pianificato una valutazione con il CNR nell’ambito del turismo culturale, cioè quanto impatta il gioco rispetto alla visita del sito.”

Si ringrazia Sofia Pescarin. 

Perché possiamo ancora dirci postmoderni

Quarant’anni fa il filosofo francese Jean-François Lyotard pubblicava “La condizione postmoderna. Rapporto sul sapere”. Il testo sancì la presa di coscienza di un cambiamento epocale in atto: il sapere avrebbe poco a poco perso valore in sé per affrancarsi come valore commerciale, categoria performativa e quindi attributo del potere. La capacità performante della conoscenza e il suo metro utilitaristico (A cosa mi serve questo sapere?) avrebbero via via influenzato sia il messaggio scientifico che il suo riflesso, il mondo dell’educazione e dell’insegnamento, con un conseguente disinteresse per alcune discipline non immediatamente utili.

Cos’è cambiato dopo quarant’anni? Proviamo a isolare quattro concetti chiave che emergono dal testo di Lyotard per la loro attinenza con le caratteristiche della nostra società. Sarà un modo, senza pretese di esaustività, per preparaci ai seminari proposti dall’Università di Genova che si concluderanno con un convegno internazionale sui temi del postmoderno e della postmodernità previsto per ottobre 2019.

“La condizione postmoderna. Rapporto sul sapere” (J.-F. Lyotard)
  • L’evoluzione del sapere

Nella cosiddetta società dell’informazione e della conoscenza il sapere è soggetto a un costante cambio di statuto. Su di esso premono infatti le trasformazioni tecnologiche che continuano ad avere una forte incidenza sia sulla ricerca scientifica che sulla trasmissione stessa delle conoscenze. Tutto ciò che non è trasmissibile in quantità di informazione pare destinato ad un’anticipata senescenza.

  • Il problema del linguaggio

Scrive Lyotard:

“in una società in cui la componente comunicativa diviene ogni giorno più evidente come realtà e come problema a un tempo, l’aspetto linguistico assume inevitabilmente una nuova importanza. […] Parlare è combattere, nel senso di giocare, e gli atti linguistici dipendono da una agonistica generale.”

Siamo, in buona sostanza, ancora ciò che rappresentiamo in termini linguistici o, detto in altre parole, il modo in cui si rappresentano dentro e fuori di noi quei messaggi disparati che quotidianamente ci attraversano. Nuovi linguaggi concorrono alla costruzione della nostra natura sociale, ma “nessuno parla tutte queste lingue”.Tanti linguaggi, allora, per una “massa composta di atomi individuali”.

  • Le sfide per il mondo della ricerca scientifica

Se, come sostiene Lyotard, la ricerca viene incentivata più da un desiderio di ricchezza (intesa come benessere per la società) che dal bisogno di verità, verrà a delinearsi “un’equazione tra ricchezza, efficienza, verità”. E ancora: “Non si [assumeranno] scienziati e tecnici, né si acquisteranno apparecchiature per sapere la verità, ma per accrescere la potenza.”

  • Le sfide per il mondo dell’insegnamento

Il criterio di performatività a cui si è fatto ripetutamente cenno sopra investe anche l’insegnamento e le sue pratiche, complementi naturali della ricerca scientifica.  Anche in questo campo, sostiene Lyotard, più che allo sviluppo di veri ideali, si sarebbe lasciato spazio all’acquisizione di nuove competenze, specie quelle proprie di una formazione “telematica” e/o “operativa”. Su questi presupposti, perciò, scuola e università tendono a perdere la loro “funzione di legittimazione speculativa”, anche a causa delle sfumature che si producono tra i vari campi del sapere. Le quali, se da un lato aprono nuovi territori lungo cui praticare l’esercizio conoscitivo, dall’altro rendono difficile l’orientamento. È in questo senso che, più che come destinatario del sapere, il discente dovrebbe essere inteso come nuovo ricercatore in fieri, un futuro interlocutore che possa a sua volta contribuire al dibattito scientifico.

Audio Paper Symposium | Malmö | 9-10 dicembre 2018

Nei giorni 9-10 dicembre 2018 si è svolto a Malmö il convegno internazionale Audio Paper Symposium organizzato dall’Università di Lund e dalla Malmö Academy of Music presso l’Inter Arts Center. L’obiettivo dell’incontro era di indagare e discutere le potenzialità di un nuovo formato di pubblicazione scientifica basato esclusivamente su contenuti acustici e denominato Audio Paper.

La storia degli Audio Paper è molto recente, si tratta infatti di un formato teorizzato e introdotto in ambito scientifico per la prima volta nel 2016 da Sanne Krogh Groth e Kristine Samson tramite la pubblicazione di un manifesto sulla rivista danese Seismograf.

Nel manifesto sono raccolte le linee guida per l’utilizzo dello stesso. Si tratta di un formato che coniuga una componente performativa a quella informativa. È un formato parziale e induttivo, che ben si adatta alle ricerca site specific. È un formato multifocale, che include e assembla diverse voci. È un formato che include tecnologia ed estetica. Qui il manifesto completo: http://seismograf.org/fokus/fluid-sounds/audio_paper_manifesto

Il convegno ha raccolto gli interventi di due keynote speakers (Miklós Kiss, professore di Film e Media Studies dell’Università di Groningen e la sound artist serba Svetlana Maras) e la presentazione di sedici Audio Paper selezionati attraverso una call. La natura del convegno era fortemente multidisciplinare. L’Audio Paper si presta infatti ad essere utilizzato nelle discipline artistiche e umanistiche in modo piuttosto flessibile.

Molti dei paper presentati enfatizzano l’aspetto performativo; uno dei temi più dibattuti è stato infatti il confronto tra tale formato e una composizione elettroacustica pura. Altre problematiche emerse riguardano la natura e l’autenticità delle fonti, la facilità di fruizione di un formato che si sviluppa nel tempo, la durata dello stesso, il ruolo e lo stile del narratore.

Nell’ambito del mio progetto di ricerca legato ai temi del paesaggio sonoro alpino, ho presentato un audio paper connesso al racconto acustico di una borgata walser sita in Valsesia, il borgo di San Gottardo, nel comune di Rimella. L’audio paper include una voce narrante, l’incursione di altri narratori, materiale d’archivio, registrazioni di suoni ambientali. Gli audio paper presentati durante il simposio saranno pubblicati in un numero dedicato della stessa rivista Seismograf.

Alcune immagini dell’Audio Paper Symposium (Malmö, 9-10 dicembre 2018)

2018 IAML Congress, Leipzig, Germany

International Congress 2018,

Hochschule für Musik und Theater Felix Mendelssohn Bartholdy, Leipzig

Leipzig, Germany, 22-27/07/2018

IAML (International Association of Music Libraries, Archives and Documentation Centres)

Chiara Capobianco – Abstract

Playing the archive: case study of the Archivio dell’istituto Mazziniano, Genoa

Starting from researching musical documents, most of them unpublished, at the “Mazzinian Archive Institute” in Genoa, my doctoral research will focus on a new, modern and innovative way to digitize music scores. My research is ideally divided into three phases:

  •  Archive research
  •  Examination and evaluation of the possibilities of digitizing
  •  Making a sound archive (“playing the archive”)

The first step is completed, with a preliminary digitization of the unpublished scores stored in the archive. About the second phase, I would study and collect information from the academic field, and I was able to establish a dialogue with the National Archival System (SAN) to formalize a digital schedule which is compatible with the ministerial standards and usable on dedicated platforms (music archives http://musica.san.beniculturali.it/). The third and last step will be the realization of the sound archive, through the collaboration with the informatics department (Università degli Studi di Genova).

This type of digitization generates a new way of using the scores themselves, which can go out of the purely musical scope to be included in the field of study at large, for example: cultural studies, media studies and anthropological field. In this paper I intend to present some case studies regarding sheet music and their use in a multidisciplinary way by researchers. This will open a new way of thinking and using the archive, and can be an opportunity to export the study of musical materials in other and complex fields.

Problem-Based Learning: due giorni di seminario e workshop con Natalia Timuş all’Università di Genova

BASI TEORICHE DEL PBL (Università di Maastricht)

Il Problem-Based Learning (PBL) è un approccio didattico collaborativo coltivato con particolare dedizione dall’Università di Maastricht (https://www.maastrichtuniversity.nl/ ).

Modalità di apprendimento che punta all’autonomia e alla partecipazione dello studente, si distanzia dal tipico format di insegnamento frontale in cui il sapere è controllato ed emanato dal docente: il sapere è, al contrario, costruito attivamente da e tra gli studenti nel corso dell’attività di classe e di quella a casa; si ancora su conoscenze precedenti e viene sollecitato e incoraggiato da interventi mirati di un facilitatore (o tutor) la cui veste, come vedremo, è atipica.

Il percorso di apprendimento si struttura in tre macrotappe (due di gruppo intervallate da una individuale) e attraversa sette passaggi:


Le tappe dell’apprendere

a. Incontro con il gruppo di lavoro: piccoli gruppi, fino a venti persone, disposti attorno a un quadrato in aule apposite. Il setting non è casuale: vuole sottolineare l’importanza di ciascuno e impedire tentativi di sottrarsi, anche visivamente, al lavoro di gruppo. Durante il primo incontro (due ore???), alla classe si sottopone il problema (o compito, o attività) da risolvere, che viene elaborato durante la discussione di gruppo.

b. Studio autonomo: a partire da alcuni testi (due o tre) indicati dal formatore, gi studenti cominciano il proprio lavoro di ricerca per rispondere alle domande e raggiungere gli obiettivi di apprendimento. In questa fase, gli studenti possono lavorare singolarmente (cosa che facilita un’assunzione maggiore di tutte le tappe dell’apprendimento) o a gruppi (modalità favorita dagli studenti perché consente di distribuire meglio il carico di lavoro).  

c. Restituzione di gruppo: un nuovo incontro di gruppo in cui gli studenti espongono quanto scoperto e argomentano le proprie scelte e decisioni. Si tratta di un momento dedicato al discorso argomentativo,dove il dibattito ferve e l’opinione meglio difesa ha più probabilità di essere accettata. In ascolto, il facilitatore che serve a dirimere opinioni contrastanti con interventi ad hoc che mirano a introdurre nozioni chiave ma ancora lacunose.

I sette passaggi del PBL (sviluppati dall’Università di Maastricht)

Agli studenti viene sottoposto il problema, in forma scritta, durante il primo incontro di gruppo. Si procede quindi attraverso i seguenti passaggi:

      1. Chiarimento di termini e concetti: gli studenti devono partire da una base di       

conoscenza comune, posto che a ciascuno studente si richiede la maturità per riconoscere le proprie zone d’incertezza e per colmarle con lo studio autonomo.

  1. Formulazione del problem statement (nodo del problema): gli studenti devono capire che cosa costituisce il quesito di fondo. Di che cosa parla il testo e dove diventa problematico, dove aumenta la complessità? Che cosa deve essere risolto?

  2. Brainstorming: la discussione di gruppo che fa emergere visioni diverse, con l’obiettivo di definire delle domande necessarie per risolvere il quesito.

  3. Categorizzazione e strutturazione del brainstorming: si creano costellazioni di parole chiave che possono condurre nella stessa direzione e dare lo stesso tipo di indizi o risposte al nostro quesito.

  4. Formulazione degli obiettivi di apprendimento: la discussione giunge a una conclusione con la formulazione delle domande che gli studenti hanno individuato come pertinenti, rilevanti e necessarie.

  5. Studio autonomo: il formatore fornisce alcuni testi da leggere, ma da quel momento in poi lo studente deve trovare le proprie fonti, valutandone l’attendibilità.

  6. Post-discussione: un nuovo momento di gruppo in cui gli studenti riportano alla classe le proprie risposte alle domande-obiettivi di apprendimento. È una fase di confronto e dibattito in cui le capacità argomentative degli studenti vengono messe alla prova.

  7. Riflessione sul processo di apprendimento: una fase non obbligatoria, ma caldamente raccomandata per la sua importanza nello sviluppare abilità metacognitive che possano strutturare meglio i prossimi passi dello studente nel suo percorso di studi.

    I sette passaggi sono divisi in tre momenti: i primi cinque fanno parte della prima macrotappa; si passa poi al punto 6, lo studio autonomo; e si ritorna, con gli ultimi due passaggi, a una tappa a carattere collettivo.

    Il principio, in definitiva, è semplice: si parte da uno scenario, un “problema” che pone gli studenti di fronte a una situazione complessa da risolvere. Il procedimento attraverso cui si arriva a una risoluzione – e quello attraverso il quale il facilitatore costruisce l’attività – non è altrettanto immediato.

    Il PBL visto dal docente…

    L’etichetta stessa “docente” ci trae in inganno. Il ruolo che il “senior”, l’ “esperto” ricopre è in questo caso quello di facilitatore, di mediatore degli interventi affinché il gruppo arrivi a percorrere i passaggi corretti (non necessariamente nell’ordine stabilito, purché tutti vengano attraversati) e a far emergere un sapere che viene costruito localmente e da casa.
    Il ruolo di facilitatore non è semplice: bisogna saper dosare la propria presenza didattica, dosare interventi e silenzi, monitorare l’evoluzione del dibattito e capire quando intervenire con la propria conoscenza per aiutare gli studenti a imboccare la retta via.
    Altrettanto complesso è il lavoro di preparazione del compito da assegnare alla classe. Un compito deve avere diverse caratteristiche: essere chiaro, breve, autentico: deve cioè ruotare attorno a una situazione reale (e riconosciuta come tale dagli studenti); essere accessibile attraverso le conoscenze pregresse (non necessariamente della classe, ma che alcuni studenti si premureranno di condividere con la classe stessa) e risolvibile solo dopo uno studio autonomo (individuale o di gruppo)

    E visto dallo studente…

    Il PBL modifica sia lo spazio concettuale, che quello materiale: la consapevolezza di essere in una situazione anomala, sovvertita, è palpabile. La disposizione fisica della classe, la rimozione del ruolo tradizionale dell’insegnante: tutto punta in direzione di una partecipazione attiva che deve essere attentamente coltivata dal facilitatore per non perdere per strada gli studenti più timidi o apparentemente passivi.
    Ciò che conta è sentirsi coinvolti in prima persona: stiamo parlando di me, della mia vita, di ciò che mi interessa, che mi sarà utile? Una volta suscitato questo coinvolgimento diretto, lo studente partecipa spontaneamente al lavoro – perché diventa un sapere significativo, che può (e deve) essere fatto proprio.
    Tutto è organizzato per favorire questa sensazione di legame profondo con la conoscenza – ma anche per impedire che i ruoli di classe (il creativo, l’assertivo, il provocatore, il timido) si incancrenino in una fissità poco produttiva. Un ulteriore componente del PBL è infatti l’alternanza dei ruoli…

    I ruoli nel PBL

    Il leader: animatore e moderatore della discussione, è incaricato di indirizzarla verso l’individuazione degli obiettivi di apprendimento, con un occhio alla distribuzione del tempo.

L’annotatore: dalla lavagna, annota le idee principali, le parole chiave, il nodo del problema, gli obiettivi di apprendimento. Costruisce così una mappa in itinere della discussione.

Il segretario: colui o colei che restituisce alla classe le considerazioni emerse nel corso degli interventi di gruppo per ottenerne una sintesi.

Il facilitatore: il tutor che assiste, intervenendo quando e come necessario.

IL PBL MESSO IN PRATICA: WORKSHOP DEL 01-02 FEBBRAIO 2018

Il workshop si è svolto nel pomeriggio di giovedì 1 febbraio e nella mattina di venerdì 2 febbraio, per un totale di 7 ore. Ai convenuti, docenti Unige provenienti da diversi ambiti di specializzazione, è stato richiesto di collaborare sin dai primi momenti, visto che l’attività prevedeva la lettura di alcuni testi e il conseguente dibattito su di essi; l’obiettivo o, per essere più in linea con il titolo dell’incontro, il “problema da risolvere”, era decidere quale posizione fosse da ritenersi migliore nell’ambito dei ruoli politici disponibili all’interno della Comunità Europea.

Natalia Timuş ha coinvolto i presenti affidando dei ruoli attivi ad alcuni di essi (con riferimento ai termini analizzati sopra, un partecipante ha incarnato il leader della discussione, dovendo quindi dirigere e controllare la gestione del tempo e gli interventi, mentre un altro, l’annotatore, ha avuto il compito di tenere traccia alla lavagna dei suggerimenti provenienti dal resto della classe di modo da creare una mappa mentale comune su cui lavorare ai fini del dibattito). Essendo un’attività pensata per i docenti, Natalia Timuş invitava al contempo a riflettere non solo sull’attività in sé ma anche sul come prepararla e quindi proporla agli studenti, richiamando i punti fondamentali della didattica PBL esposti in precedenza.

Dal dibattito post-attività sono emerse interessanti osservazioni che offrivano ora dei punti a favore, ora dei punti a sfavore nei riguardi della metodologia Problem-Based Learning. In particolare è stata evidenziata, per la buona riuscita della lezione, la profonda necessità di creare un gruppo di lavoro coeso, non numeroso e animato da partecipanti diversi sotto il profilo caratteriale. Possibili asimmetrie di potere interne alla classe non sono trattate esplicitamente, mentre si riconosce una molteplicità di approcci paralleli (lezioni frontali, workshop pratici) di cui beneficiano studenti con stili di apprendimento diversi.

Un’ulteriore caratteristica che i partecipanti dovrebbero possedere sarebbe quella di avere una conoscenza abbastanza solida sull’argomento che si intende trattare, pena l’impossibilità di interagire con gli altri componenti del gruppo.

Una riflessione particolarmente stimolante è stata quella a proposito dell’applicabilità della metodologia Problem-Based Learning. Se da un lato è emerso che le materie umanistiche sono quelle che maggiormente si prestano ad attività di questo tipo, dall’esperienza di alcuni convenuti, specializzati in materie scientifiche, è stata segnalata una certa difficoltà ad impostare un lavoro di questo tipo a causa del poco margine di personalizzazione dei risultati da ottenere. Peculiare il caso in cui materie che vengono concepite come puramente scientifiche ma che in realtà possiedono una forte componente umanistica come la medicina – ma anche specializzazioni fortemente professionalizzanti quali l’ingegneria e la giurisprudenza –  siano in realtà perfette per applicare la metodologia PBL in quanto dal confronto fra i partecipanti si instaura un dialogo volto alla risoluzione di un problema (la ricerca di una nuova cura, una applicabilità particolare della Legge).

Essendo i partecipanti al workshop, come si è detto, in prevalenza docenti, la perplessità più grande sollevata è stata quella del tempo portato via dalla preparazione e quindi dalla somministrazione dell’attività in classe: a questa problematica, Natalia Timuş ha risposto proponendo un modello di studio forse più vicino ad un approccio anglosassone, vale a dire, la diminuzione delle ore di studio autonomo a favore di una maggiore partecipazione in aula, rendendo chiaro come un approccio metodologico PBL tenda a valorizzare una tradizione scolastica che punta sulle capacità oratorie.

Questa ultima osservazione riporta a tutto ciò che di positivo è infine emerso dalla sperimentazione diretta della metodologia PBL, vale a dire un maggiore coinvolgimento nel processo di apprendimento da parte degli studenti grazie alla concreta applicabilità nella vita reale delle capacità sviluppate, ma non solo: lo studente vedrà accresciuto il senso del suo pensiero analitico e critico, sia nei confronti delle fonti che nei confronti della materia oggetto della discussione, imparando pertanto a sostenere le sue opinioni di fronte ad un pubblico.

RIFERIMENTI

Natalia Timuş è ricercatrice presso la UNU-MERIT (Università delle Nazioni Unite) con sede a Maastricht e Professore Aggiunto alla Middle East and Mediterranean Campus, Sciences Po di Mentone.

Mentre in senso generale le sue ricerche si concentrano sulla promozione della democrazia all’interno della Comunità Europea – ed in particolare nei Paesi dell’ex blocco Sovietico -, al momento Natalia Timuş si sta occupando dell’ “Europeizzazione” dell’Est Europa, con un occhio di riguardo alle relazioni transnazionali tra partiti est europei e partiti europei. I suoi obiettivi a lungo termine mirano ad esaminare gli aspetti positivi e negativi della promozione della democrazia da parte dell’EU nell’Europa dell’Est e in Russia.

Università di Maastricht

L’Università di Maastricht è nota per il suo utilizzo pluridecennale del Problem-Based Learning, in particolare nelle aree della Medicina (dove questo approccio è stato dapprima sperimentato) e delle Scienze Politiche, e ne ha fatto il suo metodo principale e più rappresentativo.

https://www.youtube.com/watch?v=cMtLXXf9Sko

video in cui l’Università spiega, in pochi tratti animati, l’essenza del PBL.

https://www.maastrichtuniversity.nl/education/why-um/problem-based-learning

pagina dedicata dall’ateneo a questa pratica ancora innovativa.

RISORSE

Il progetto INOTLES (Innovating Teaching and Learning of European Studies) mira a creare un modello di riforma curricolare capace di fornire risorse pedagogiche costruite sul doppio valore dell’approccio tecnologico e della cooperazione inter-istituzionale nell’ambito degli European Studies (ES) grazie alla cooperazione di Università EU e Università dell’Europa orientale. Nel sito troviamo anche un manuale dedicato al PBL sia nella sua versione classica in presenza che nella versione blended.

http://www.inotles.eu/

GLIA

Il Gruppo di Lavoro sulle tecniche di Insegnamento e Apprendimento dell’Università di Genova, nato nel 2016, organizza seminari e workshop destinati ai docenti dell’università in un’ottica di trasformazione delle tradizionali tecniche di formazione universitaria. Tra gli argomenti trattati, ricordiamo: la flipped classroom, il feedback formativo, il microteaching, la revisione tra pari.

http://www.glia.unige.it/

Buffalo University Case Study Collection

Segnalata da Natalia Timuş, questo ateneo offre più di settecento studi di caso revisionati con peer review per diverse materie, a cui il docente può attingere a seconda delle proprie esigenze.

http://sciencecases.lib.buffalo.edu/cs/collection/

(articolo di Valeria Vago e Nora Gattiglia)

Cinema e identità italiana Cultura visuale e immaginario nazionale tra tradizione e contemporaneità

Convegno Internazionale di Studi
a cura di Stefania Parigi, Christian Uva, Vito Zagarrio

Università degli Studi Roma Tre
Dipartimento di Filosofia, Comunicazione e Spettacolo
CRISCI (Centro di Ricerca Internazionale sul Cinema Italiano)

Cinema e identità italiana
Cultura visuale e immaginario nazionale tra tradizione e contemporaneità

Università degli Studi Roma Tre 28-29 novembre 2017

La XXIII edizione dei Convegni internazionali promossi e organizzati fin dal 1994 dal
Dipartimento Comunicazione e Spettacolo dell’Università Roma Tre (oggi Dipartimento di Filosofia, Comunicazione e Spettacolo) sarà incentrata su una serie di riflessioni riguardanti l’identità e il carattere italiani così come essi sono stati interpretati e restituiti dal cinema, dai media e dalla cultura visuale in una prospettiva che terrà conto tanto della tradizione quanto degli scenari contemporanei.
Quella raccontata in Italia dal cinema, dalla fotografia, dalla televisione e, più di recente, anche dalle forme narrative ed estetiche afferenti all’orizzonte dei nuovi media è l’ansiosa costruzione di un’identità intesa perlopiù, storicamente, come un “problema”, ossia quale dimensione fondamentalmente non riconciliata.
La tormentata ricerca di una tradizione nazionale e di un epos ideale ha alimentato le stagioni più intense della nostra cultura iconica e audiovisiva, segnalandosi già all’indomani della nascita del cinematografo quando, nel corso dei primi del ‘900, il processo di nazionalizzazione condotto dai governi dell’epoca ha reso per la prima volta rilevante sul piano culturale la tematica dell’identità e del carattere italiani.
Da allora il cinema, insieme a tutta un’altra serie di sistemi mediatici capaci di incidere sul sentire comune, è andato configurandosi progressivamente come “luogo della memoria”, “iperluogo” o «collettore di più sistemi culturali, iconologici e ideologici anteriori» (Brunetta) all’interno del quale si è tentato di far convergere a più riprese alcuni significativi simboli e archetipi dell’identità nazionale. Esso ha finito così per incarnare il ruolo di dispositivo ideale mirato a dare seguito, almeno sul piano dell’immaginario, alla missione, mai realizzata, di fare gli Italiani, di fornire cioè una risposta al problema della creazione di un soggetto italiano (Stewart-Steinberg).
Come attesta la storia del cinema italiano, la «necessità di forgiare e rendere unita una popolazione disomogenea e con una scarsa consapevolezza di sé» (Patriarca) nel tempo cede progressivamente il posto a un’inquietudine che, sconfinando non di rado in una vera e propria angoscia esistenziale, reitera in modi e forme via via diversi un discorso sulla specificità italiana quale indecidibile, “schizofrenica” condizione a metà tra modernità e arretratezza.
Così, tra derive e miti di rifondazione identitari, moltiplicazioni delle identità e dis-identità, il cinema, i media e la cultura visuale di questo paese non hanno fatto altro che riaffermare in modi di volta in volta differenti l’antinomico statuto della specificità italiana e della sua storia, ovvero l’affannoso tentativo di aprirsi al futuro mantenendo nel contempo un irriducibile «riserva di fondo nei confronti della civiltà moderna» (Bollati).

Chiara Capobianco – Abstract intervento

L’Italia che si riconosce nel cinema dei drammi popolari: il caso di
Assunta Spina (1915)
Un nuovo modello del rapporto identitario nazionale film-spettatore

Nel 1915, quando l’Italia è ormai pronta ad entrare in guerra, esce Assunta Spina, interpreti Gustavo Serena, anche regista, e Francesca Bertini, per la quale giunge quella che potrebbe dirsi l’occasione di una vita, lavorando ad un dramma sociale e femminile che la diva conosce bene dall’epoca dei suoi esordi in compagnia teatrale dialettale. Il momento è decisivo anche nel cinema muto italiano, “La disfatta e la guerra civile hanno sconfitto l’universo dannunziano, i nobili non contano più nulla, Odette, Tosca, le grandi doloranti peccatrici, sono figure del passato” (Pietro Bianchi). Si sta compiendo il primo passo di una ricerca di identità tra la settima arte e il popolo italiano, che si protrarrà per tutto il secolo, mantenendo un filo conduttore con questi primi fenomeni; il dramma di Salvatore di Giacomo fu rappresentato nei teatri napoletani per tutto l’inizio del secolo, poi portato al cinema da Gustavo Serena nel 1915 e ancora nel 1948 da Mario Mattoli (Assunta in questo caso fu Anna Magnani), ovvero poco dopo il termine della seconda guerra mondiale, chiudendo un’immaginaria parentesi tra l’esordio, il culmine e il termine della fase forse più tormentata e travagliata della Nazione italiana dalla sua fondazione post risorgimentale. Volendo segnare un prima e un dopo Assunta Spina, si troverà come si passi da un legame tra pubblico e diva fatto di suggestioni lontane, “spaventosa e ammaliante a un tempo, ben presto diventa un ossessione per molti uomini dell’epoca e un modello (proibito) per le donne” (Denis Lotti), ad un sentimento vero e proprio di identificazione con il personaggio, atteggiamento che segna l’avvento della modernità nel rapporto pubblico-film. Gli spettatori si sono trovati ad andare al cinematografo per vedere un film di Francesca Bertini e si ritrovano uscendo ad aver visto una storia italiana per moltissimi aspetti, con la quale ritrovano quell’identità cui sono ancora alla ricerca. E’ singolare come tutte queste evoluzioni siano nella loro sostanza involontarie, ma che la stessa attrice ne colga la portata, affermerà, infatti, molti anni dopo “In ‘Assunta Spina’ seppi essere modernissima ed introdussi nel cinema il realismo […] Volli lasciare da parte le creature fatali, eleganti, ingemmate, e scelsi la verità.” Assunta porta con sé, anche nella sua postura, orgoglio e dignità, mantiene lo sguardo fiero e deciso che ci si immagina per le grandi eroine delle tragedie greche, ed è una donna granitica e passionale al contempo. Qui la chiave del successo, la realtà, raccontata con i filtri dell’immaginario propagandistico che pervade la cultura contemporanea alla realizzazione del film, fatta di donne forti, italiane e pronte ad affrontare ogni difficoltà che la storia vorrà porvi innanzi. E’ il film giusto al momento giusto, solo pochi anni dopo la seconda guerra mondiale, nella versione di Mattoli del 1948, infatti, non avrà più la stessa efficacia identitaria per il pubblico italiano.
Il ruolo assunto dal cinema in questi anni, viene ricordato e restituito da alcuni registi, rimanendo nell’ambito del divismo e della vicenda Bertini si possono ricordare le citazioni in due grandi film come La grande guerra di Mario Monicelli e Novecento di Bernardo Bertolucci, nei quali la figura della diva è proposta e scelta, a discapito di altre, per la forte identità con la nazione e con il cinema di cui ha saputo essere rappresentante.

Racconti di una vita. La narrazione biografica breve nella tradizione contemporanea.

Giornata di studi per dottorandi e giovani ricercatori a cura di Nunzia Palmieri, Giacomo Raccis, Damiano Sinfonico – Università di Bergamo, 30 ottobre 2017

Giornata di studi per dottorandi e giovani ricercatori a cura di Nunzia Palmieri, Giacomo Raccis, Damiano Sinfonico

Racconti di una vita. La narrazione biografica breve nella tradizione contemporanea

Università di Bergamo – 30 ottobre 2017

La giornata di studi Racconti di una vita. La narrazione biografica breve nella tradizione contemporanea si inscrive all’interno del Seminario sul racconto, iniziativa arrivata al suo terzo appuntamento dopo le giornate di studi del 2015 (Racconto italiano contemporaneo: percorsi, forme e letture) e del 2016 (Genealogie del racconto contemporaneo). Proseguendo nel tentativo di mappare il racconto in quanto genere e specifico “modo” della narrazione, questa giornata proverà ad affrontare la narrazione breve a partire da uno spunto tematico: il racconto biografico.

Non occorre tornare indietro fino alla Vite parallele di Plutarco o alle molteplici manifestazioni del genere epidittico nella classicità per verificare l’importanza che la narrazione biografica breve ha avuto per la tradizione occidentale. Nato da un bisogno di testimonianza storica, questo genere approda alla modernità e scopre il piacere di affidare le biografie reali alle potenzialità di reinvenzione della letteratura: nascono così opere come Vite immaginarie (1896) di Marcel Schwob, che attraverso una scrittura che sa selezionare minimi dettagli significativi offre nuovi destini a personaggi come Eliogabalo e Paolo Uccello.

Per questa strada, il racconto biografico definisce una propria fisionomia, arrivando anche a contraddire in parte uno dei caratteri tradizionalmente riconosciuti al racconto genericamente inteso. Se è vero infatti, come recentemente ha ricordato anche Raffaele Donnarumma, che il racconto è la narrazione delle vite incompiute, degli avvenimenti eccezionali e dei particolari dai significati simbolici – in grado di illuminare di senso anche tutte le porzioni di vita rimaste nel non detto –, il racconto di una vita, anche in virtù del fatto che si trova solitamente inserito all’interno di una cornice omogenea e coesa, si incarica di dare un compimento al percorso biografico del personaggio, di cui ripercorre rapidamente e a grandi salti l’intera esistenza. La compressione di una vita in un racconto implica anche una dialettica tra narrazione breve e interezza (in opposizione alla vulgata del racconto come lente d’ingrandimento di un dettaglio) e la riduzione di un intreccio potenzialmente tentacolare e fluviale a una linea semplice e discontinua. Nascono così opere importanti come La sinagoga degli iconoclasti di Rodolfo Wilcock (1972), Vies minuscules di Pierre Michon (1984), Vite di uomini non illustri di Giuseppe Pontiggia (1993), che raccolgono sotto forma di curiosi medaglioni le esistenze disparate di personaggi più o meno noti.

Si scopre così un significativo legame tra narrazione breve e memoria: il racconto viene incaricato di consegnare alla Storia – o all’eternità – il ricordo di chi, come ha scritto Danilo Kiš nell’Enciclopedia dei morti, “non è stato menzionato in nessun’altra enciclopedia”. Il vincolo appare talvolta in maniera più scoperta, come nel caso di Scorciatoie e raccontini di Umberto Saba (1946), che dipinge con brevissimi cenni un microcosmo che attiva l’ironia compassionevole del poeta, condizionata dal filtro della guerra e della morte che rende quel mondo ormai irraggiungibile. Più recentemente, e sempre in Italia, Franco Arminio ha invece affidato a un sentimento di rivincita l’opera di raccolta delle Cartoline dai morti (2010), con cui diversi personaggi anonimi tornano a reclamare attenzione sui loro destini minori. In altri casi, invece, la brevità del racconto mette a disposizione dell’autore la possibilità di creare collezioni, serie ordinate, repertori: basti pensare alla rutilante teoria di personaggi immaginari a cui Roberto Bolaño fornisce una biografia e un percorso culturale nella sua Storia della letteratura nazista in America, che finiscono per comporre un inquietante panorama su cui proiettare anche le storie narrate nelle altre opere dello scrittore cileno; oppure alle recenti operazioni di Ermanno Cavazzoni (Vite brevi di idioti), Roberto Alajmo (Repertorio dei pazzi d’Italia) e Paolo Nori (Repertorio dei matti…), dove le varie manifestazioni della follia – sempre definita in relazione a una presunta “normalità” – offrono un fil rouge lungo cui inanellare storie brevi e brevissime di personaggi ai margini della vita e della letteratura. Il racconto diventa così l’occasione per ridiscutere i paradigmi che definiscono la normalità e per aggirare, grazie anche all’icasticità delle scelte narrative, i luoghi comuni. Per questa strada, infatti, il racconto biografico va incontro alla tradizione del microracconto, come accade in Personaggi precari di Vanni Santoni, che alla mancanza di certezze esistenziali associa anche la mancanza di dettagli nella ricostruzione del loro profilo: il narratore deve così affidare a pochissime parole il compito di far immaginare la vita che c’è dietro.

Anche la posizione del narratore assume un profilo originale: è una voce il più delle volte postuma, che racconta la vita di un personaggio scomparso e già racchiuso definitivamente in una storia che non potrà smentire; assorbe nel suo il punto di vista del personaggio, o meglio si impossesserà della sua vita squadrandola secondo categorie critiche probabilmente estranee allo stesso personaggio, creando una frattura tra le concezioni che hanno guidato la sua vita e quelle che spingono il narratore ad accentuare e mettere in una determinata prospettiva certi fatti e certe scelte; inoltre la posizione del narratore nei confronti della parola scritta, mediata dall’oralità o da una tradizione letteraria, sarà probabilmente un ulteriore filtro capace di aumentare la distanza tra la narrazione e la vita del personaggio, svelando l’artificio della rappresentazione e la dialettica tra vita e racconto. I racconti di vita si rivelano così luoghi non tanto di sperimentazione – nella tradizione della short story si tratta forse del sottogenere meglio codificato, o codificabile –, quanto di messa in atto di strategie narrative precise e riconoscibili, sia a livello formale che a livello tematico.

 Martina Massarente – Abstract intervento

Un boccone di paradiso … (o di inferno!).

Il caso di “ISTANTANEE di Osvaldo Guerrieri”

“Vi sono a volte delle fotografie che, come autentiche istantanee,

catturano il momento cruciale di una vita,

l’attimo in cui si scioglie l’enigma di un’esistenza”

Guerrieri, Istantanee, Neri Pozza 2009

Il presente contributo propone un’analisi tematica e formale delle short stories biografiche del volume ISTANTANEE di Osvaldo Guerrieri. Il libro raccoglie dieci racconti biografici nati a partire dall’osservazione di fotografie. La fotografia quale arte spietata del transitorio (G. Macchia, Il fotografo di Budelaire) racconta i protagonisti  di “ciò che è stato”, riattivando qualcosa che, come definito da Roland Barthes è “vagamente spaventoso: il ritorno del morto” (R. Barthes, La camera chiara). Immagine e narrazione si insinuano uno nell’altro costruendo un complesso tessuto di rimandi tra presente e passato, tra vissuto e non vissuto, il tutto “senza che il lettore comune se ne accorga perché, come ogni medium [la fotografia] tende a dissolversi, a lasciarsi dimenticare” (V. Sperti, Fotografia e romanzo, 2005). Storie di personaggi realmente esistiti (da dal fisarmonicista di Robert Doisneau ad Antonin Artaud, da Louise Brooks a Carlo Emilio Gadda ecc…) dei loro sguardi, di avvenimenti eccezionali, biografie complesse e vite tormentate (spesso interrotte) si scoprono tra le pagine del libro che restituiscono, in pochi significativi passaggi, l’identità dei soggetti ritratti. L’autore proietta il racconto oltre la narrazione di vicende personali in un mondo di monadi della fragilità umana sottolineata dal continuo interscambio tra voce in e voce off, tra narrazione esterna alle vicende e improvvise domande. Considerando il volume quale caso di studio, si intende indagare le relazioni tra racconto biografico breve e immagine fotografica all’interno di questi piccoli bocconi di paradiso che, sovrapponendosi al testo, sprofondano nell’inferno formando un tutt’uno dell’irreversibile, del Mai più. (O. Guerrieri, Istantanee).