Cinema e identità italiana Cultura visuale e immaginario nazionale tra tradizione e contemporaneità

Convegno Internazionale di Studi
a cura di Stefania Parigi, Christian Uva, Vito Zagarrio

Università degli Studi Roma Tre
Dipartimento di Filosofia, Comunicazione e Spettacolo
CRISCI (Centro di Ricerca Internazionale sul Cinema Italiano)

Cinema e identità italiana
Cultura visuale e immaginario nazionale tra tradizione e contemporaneità

Università degli Studi Roma Tre 28-29 novembre 2017

La XXIII edizione dei Convegni internazionali promossi e organizzati fin dal 1994 dal
Dipartimento Comunicazione e Spettacolo dell’Università Roma Tre (oggi Dipartimento di Filosofia, Comunicazione e Spettacolo) sarà incentrata su una serie di riflessioni riguardanti l’identità e il carattere italiani così come essi sono stati interpretati e restituiti dal cinema, dai media e dalla cultura visuale in una prospettiva che terrà conto tanto della tradizione quanto degli scenari contemporanei.
Quella raccontata in Italia dal cinema, dalla fotografia, dalla televisione e, più di recente, anche dalle forme narrative ed estetiche afferenti all’orizzonte dei nuovi media è l’ansiosa costruzione di un’identità intesa perlopiù, storicamente, come un “problema”, ossia quale dimensione fondamentalmente non riconciliata.
La tormentata ricerca di una tradizione nazionale e di un epos ideale ha alimentato le stagioni più intense della nostra cultura iconica e audiovisiva, segnalandosi già all’indomani della nascita del cinematografo quando, nel corso dei primi del ‘900, il processo di nazionalizzazione condotto dai governi dell’epoca ha reso per la prima volta rilevante sul piano culturale la tematica dell’identità e del carattere italiani.
Da allora il cinema, insieme a tutta un’altra serie di sistemi mediatici capaci di incidere sul sentire comune, è andato configurandosi progressivamente come “luogo della memoria”, “iperluogo” o «collettore di più sistemi culturali, iconologici e ideologici anteriori» (Brunetta) all’interno del quale si è tentato di far convergere a più riprese alcuni significativi simboli e archetipi dell’identità nazionale. Esso ha finito così per incarnare il ruolo di dispositivo ideale mirato a dare seguito, almeno sul piano dell’immaginario, alla missione, mai realizzata, di fare gli Italiani, di fornire cioè una risposta al problema della creazione di un soggetto italiano (Stewart-Steinberg).
Come attesta la storia del cinema italiano, la «necessità di forgiare e rendere unita una popolazione disomogenea e con una scarsa consapevolezza di sé» (Patriarca) nel tempo cede progressivamente il posto a un’inquietudine che, sconfinando non di rado in una vera e propria angoscia esistenziale, reitera in modi e forme via via diversi un discorso sulla specificità italiana quale indecidibile, “schizofrenica” condizione a metà tra modernità e arretratezza.
Così, tra derive e miti di rifondazione identitari, moltiplicazioni delle identità e dis-identità, il cinema, i media e la cultura visuale di questo paese non hanno fatto altro che riaffermare in modi di volta in volta differenti l’antinomico statuto della specificità italiana e della sua storia, ovvero l’affannoso tentativo di aprirsi al futuro mantenendo nel contempo un irriducibile «riserva di fondo nei confronti della civiltà moderna» (Bollati).

Chiara Capobianco – Abstract intervento

L’Italia che si riconosce nel cinema dei drammi popolari: il caso di
Assunta Spina (1915)
Un nuovo modello del rapporto identitario nazionale film-spettatore

Nel 1915, quando l’Italia è ormai pronta ad entrare in guerra, esce Assunta Spina, interpreti Gustavo Serena, anche regista, e Francesca Bertini, per la quale giunge quella che potrebbe dirsi l’occasione di una vita, lavorando ad un dramma sociale e femminile che la diva conosce bene dall’epoca dei suoi esordi in compagnia teatrale dialettale. Il momento è decisivo anche nel cinema muto italiano, “La disfatta e la guerra civile hanno sconfitto l’universo dannunziano, i nobili non contano più nulla, Odette, Tosca, le grandi doloranti peccatrici, sono figure del passato” (Pietro Bianchi). Si sta compiendo il primo passo di una ricerca di identità tra la settima arte e il popolo italiano, che si protrarrà per tutto il secolo, mantenendo un filo conduttore con questi primi fenomeni; il dramma di Salvatore di Giacomo fu rappresentato nei teatri napoletani per tutto l’inizio del secolo, poi portato al cinema da Gustavo Serena nel 1915 e ancora nel 1948 da Mario Mattoli (Assunta in questo caso fu Anna Magnani), ovvero poco dopo il termine della seconda guerra mondiale, chiudendo un’immaginaria parentesi tra l’esordio, il culmine e il termine della fase forse più tormentata e travagliata della Nazione italiana dalla sua fondazione post risorgimentale. Volendo segnare un prima e un dopo Assunta Spina, si troverà come si passi da un legame tra pubblico e diva fatto di suggestioni lontane, “spaventosa e ammaliante a un tempo, ben presto diventa un ossessione per molti uomini dell’epoca e un modello (proibito) per le donne” (Denis Lotti), ad un sentimento vero e proprio di identificazione con il personaggio, atteggiamento che segna l’avvento della modernità nel rapporto pubblico-film. Gli spettatori si sono trovati ad andare al cinematografo per vedere un film di Francesca Bertini e si ritrovano uscendo ad aver visto una storia italiana per moltissimi aspetti, con la quale ritrovano quell’identità cui sono ancora alla ricerca. E’ singolare come tutte queste evoluzioni siano nella loro sostanza involontarie, ma che la stessa attrice ne colga la portata, affermerà, infatti, molti anni dopo “In ‘Assunta Spina’ seppi essere modernissima ed introdussi nel cinema il realismo […] Volli lasciare da parte le creature fatali, eleganti, ingemmate, e scelsi la verità.” Assunta porta con sé, anche nella sua postura, orgoglio e dignità, mantiene lo sguardo fiero e deciso che ci si immagina per le grandi eroine delle tragedie greche, ed è una donna granitica e passionale al contempo. Qui la chiave del successo, la realtà, raccontata con i filtri dell’immaginario propagandistico che pervade la cultura contemporanea alla realizzazione del film, fatta di donne forti, italiane e pronte ad affrontare ogni difficoltà che la storia vorrà porvi innanzi. E’ il film giusto al momento giusto, solo pochi anni dopo la seconda guerra mondiale, nella versione di Mattoli del 1948, infatti, non avrà più la stessa efficacia identitaria per il pubblico italiano.
Il ruolo assunto dal cinema in questi anni, viene ricordato e restituito da alcuni registi, rimanendo nell’ambito del divismo e della vicenda Bertini si possono ricordare le citazioni in due grandi film come La grande guerra di Mario Monicelli e Novecento di Bernardo Bertolucci, nei quali la figura della diva è proposta e scelta, a discapito di altre, per la forte identità con la nazione e con il cinema di cui ha saputo essere rappresentante.

LARIM2: “Potere e ideologia in contesti mediati da interprete”. Parte I

UNINT, 23-24 novembre 2017.

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La seconda conferenza internazionale del laboratorio LARIM, nato nel 2012 e coordinato dalla professoressa Claudia Monacelli, ruota attorno alla questione dell’ideologia e del potere – espresso nel discorso da un partecipante primario, come nei discorsi politici, inerente al contesto (ambiti medici, legali, per i servizi) o esercitato coscientemente dall’interprete nell’interazione. i saluti iniziali rievocano un passato distante (ma non troppo), in cui gli interpreti delle colonie rappresentavano la punta di diamante con cui incunearsi all’interno delle inesplorate regioni africane e asiatiche. Un ruolo denso di potere e di possibilità di intervento autonomo, per cui sorge subito la problematica della formazione degli interpreti, di un loro addestramento – il discorso della lusitanista Mariagrazia Russo fa emergere ricordi paralleli, quali ad esempio elaborata dall’Impero ottomano, di inviare bambini, figli di nobili, in paesi stranieri perché assorbissero la lingua e la cultura del posto pur rimanendo – o così si sperava – “fedeli” alla madrepatria lontana, che avrebbero in seguito servito con le loro abilità linguistiche. O ancora, l’utilizzo di specialisti della diplomazia e dell’amministrazione come esperti linguistici nell’Impero britannico: un tipo particolare di public servant che, con le lingue, serve il potere.

L’interprete, quindi, viene percepito come una figura potenzialmente ambigua e pericolosa, capace di manipolare il discorso, di piegarlo ad altri sensi: un esempio recentissimo, la scelta del pronome di cortesia per le traduzioni portoghesi dei discorsi del Papa. Laddove a Benedetto XVI veniva attribuito il formale vós, che segnala un distacco dall’uditorio, a papa Francesco si fa usare il você, più familiare e umano: una scelta apparentemente ingiustificata, con l’effetto di cristallizzare i pontefici nelle due opposte immagini del papa ieratico e del papa umano.

E’ qui che la nozione di “potere” prende la connotazione di “potenza”, di “facoltà”: la capacità e il diritto di intervenire in una conversazione, le il “potere” in senso stretto che così viene esercitato.

A queste prime definizione si aggiungono anche quelle di “forza” e di “facoltà legale”, come ricorda Christina Schäffner, studiosa in Translation Studies e di cui il lavoro sulle metafore nel discorso politico e istituzionale verrà ricordato a più riprese nel corso della conferenza. La sua lezione ci trasporta nella DDR degli anni Settanta e nel mondo degli interpreti e traduttori (accomunati sotto l’etichetta di “mediatori linguistici”), della loro formazione, dei dubbi etici, del posizionamento, delle possibili strategie di resistenza.

Se interpretare significa compiere delle scelte, queste scelte sono necessariamente parziali, e quindi partigiane; posto che scegliere si deve, è bene allora essere in grado di compiere scelte che siano deliberate e consapevoli – e accade, talvolta, che un traduttore o un interprete intervenga pesantemente nel discorso o nel testo su cui lavora, intrecciando la propria visione politica o del mondo nella sua resa. Non per niente si parla di interpreti quali co-costruttori del significati, coordinatori dello scambio comunicativo, e anche come “attori del cambiamento”. Tanto più quando il contesto sollecita un posizionamento politico, come durante la Guerra Fredda, in cui l’interprete serve un uomo politico, un partito, un’ideologia. Ci concentriamo qui sul sistema socialista di mediazione linguistica elaborato dal Partito Comunista della Germania Est. Tale sistema prevedeva tre strati del lavoro di mediazione linguistica:

1.Il primo riguarda il processo linguistico, basato sul concetto di equivalenza linguistica, concetto cardine della traduzione negli anni Settanta, per cui si presuppone l’esistenza di una equivalenza 1:1 tra un termine della lingua A e un termine della lingua B – equivalenza oggettiva e non situata. Ma il problema degli equivalenti è ben più vasto: il lessico non è mai neutro, ma colorato da connotazioni potenzialmente insidiose per l’interprete che deve incarnare la Partheilichkeit, la dedizione al Partito; esempi scottanti sono la traduzione di  termini “sensibili”, connotati politicamente, quali “muro di Berlino” (non è un muro, è la frontiera della DDR), “profitto” (impossibile parlare di profitto (Profit), concetto capitalista, per le imprese socialiste: si dve parlare di guadagno, Gewinn). Questa scelta obbligata ha delle ripercussioni anche sulla formazione degli studenti, che si pongono domande scottanti: “Cosa fare se…”, “Cosa dire quando…”, scontrandosi con un imbarazzo di fondo del docente, le cui lezioni, ricorda Schäffner, restano vaghe, impossibilitate ad ancorarsi su una teoria solida o sulla libertà di esprimere una visione contrastante, che non potrebbe comunque essere messa in pratica durante l’esercizio della professione.

2. Il secondo livello della mediazione linguistica è legato al rapporto tra singolo atto comunicativo e attività superordinata in cui l’atto comunicativo stesso si inserisce – politica, economica, scientifica. La traduzione deve essere impostata in armonia con queste attività che rappresentano gli interessi dei lavoratori.

3. Infine, sull’ultimo gradino del processo linguistico, stanno i valori di oggettività e verità quali principi intrinseci del proletariato. Viene così a essere negata ogni soggettività, ogni interpretazione che non sia oggettiva – con conseguenze immaginabili sull’interprete e sul discorso. Interpretazioni soggettive potrebbero essere macchiate da adesioni a interessi d classe altri – una preoccupazione che si riflette anche nelle combinazioni linguistiche assegnate agli studenti: le lingue occidentali venivano affidate a studenti che avevano un retroterra proletario, e nessun rapporto con l’Occidente, compreso con eventuali parenti nella Germania Ovest – rapporti che, se esistenti, dovevano essere troncati. La stessa preoccupazione si rivela anche nella strutturazione del curriculum di studi, che prevedeva:

a. Due lingue, di cui una anche a partire da zero, a seconda delle esigenze del Partito e assegnate agli studenti dal Partito stesso. Per due anni, lingua russa obbligatoria per tutti;

b. Teoria e pratica della mediazione linguistica;

c. Letteratura;

d. Teoria politica marxista-leninista (quattro anni);

e. Educazione fisica;

f. Il terzo anno era previsto un anno all’estero per chi studiava lingue dei paesi socialisti; per le lingue occidentali, ciò non era possibile, ma si suppliva cominciando a introdurre gli studenti nel mondo del lavoro.

Un’attività parallela al lavoro più strettamente traduttivo era l’accompagnamento ad ospiti stranieri in visita. Durante queste attività, l’interprete doveva “fornire una visione realistica della DDR” e incarnare gli ideali socialisti, incorporandoli nella sua conversazione. A questi incarichi seguivano poi riunioni con gli altri membri del team di traduttori, regolati da un membro di un organo di partito che si interessava (a volte tramite questionari ad hoc) al comportamento dei visitatori e alle loro osservazioni sulla Germania socialista…

In questo scenario, risulta difficile per traduttori e interpreti elaborare teorie non influenzate ideologicamente, e mettere in atto pratiche di resistenza. La ricerca non ha ancora approfondito la natura di comportamenti non normativi in questo ambito, e un loro possibile valore potenziante per l’interprete dissidente. A questa riflessione, si accompagna la consapevolezza che non esiste un profilo unico dell’interprete, del traduttore, così come non esistono pratiche giudicabili in maniera astratta: “everything depends on a set of conditions that are – like historical events – unique and unrepeatable”.

Dal pubblico emergono visioni differenti: in maniera più sottili, siamo tutti oggi imbevuti di una ideologia nascosta, strisciante, difficile da riconoscere rispetto ai comportamenti obbligati dei traduttori e dei ricercatori della Germania socialista che producevano elaborati panegirici del marxismo-leninismo nelle proprie pubblicazioni, e che venivano interpretati non come sottomissione ossequiosa, ma come una convenzione di genere propria dello stile accademico, scientifico o formale allora in vigore. In questo senso, non era necessario un processo di de-ideologizzazione, proprio perché l’ideologia veniva percepita come una cornice esterna, un riquadro in cui il lavoro si situava, ma che non infiltrava poi i traduttori stessi.

A riprova della presenza di un’ideologia sistematica che investe anche il mondo della traduzione, un partecipante ricorda una brochure prodotta dal governo spagnolo per invogliare i giovani a intraprendere studi di traduzione, e in cui si segnalano lo spirito di iniziativa e le capacità imprenditoriale quali caratteristiche tipiche del buon traduttore.

Bibliografia

Tymozcko, M., Gentzler, E. (eds.) (2002), Translation and Power, University of Massachusetts Press.

Del ricchissimo spettro di argomenti e setting trattati, proporremo solo alcune restituzioni: per primo, l’intervento di Amalia Amato e Gabriele Mack (Università di Bologna-Forlì), “Giving voice to the powerless: Children in interpreted-mediated interviews”.

I bambini rappresentano una delle categorie dove l’asimmetria di potere è più evidente. per l’età, per la fragilità fisica, perché non sanno leggere e scrivere, perché hanno alle spalle una storia di migrazione e di difficoltà. Laddove l’interlocutore/cliente dell’interprete (in un contesto istituzionale, ma non solo) sia un bambino, il tradizionale modello triangolare della comunicazione perde la (presunta) simmetria tra i vari lati, sbilanciandosi notevolmente dalla parte dell’istituzione prima, dell’interprete poi. Il bambino resta la figura con meno potere e meno risorse, ed Amato e Mack hanno deciso di condurre uno studio per capire quale fosse la percezione che i bambini hanno dell’interprete e del suo lavoro in vista di una maggior sensibilizzazione degli interpreti e dei loro formatori in questa direzione.

Lo studio si è concentrato su 18 bambini divisi per fascia di età: otto bambini dai 6 ai 9 anni, quattro bambini dai 10 ai 13 e sei  adolescenti dai 14 ai 17 anni. Sono state utilizzate delle interviste semi-strutturate e dei focus group. Le interviste sono state condotte in tedesco da tre intervistatrici; l’interprete italiano-tedesco era un uomo.

I bambini guardavano un video che mostrava un borseggiatore, e una donna sordomuta che non riesce a comunicare quel che è successo. Lo scopo era permettere ai bambini di raccontare una storia senza attingere alle proprie esperienze personali, ma, al contempo, introducendo un elemento che poteva suggerire l’impotenza del bambino di fronte ad episodi negativi. Il video è stato scelto anche perché non presentava nessun tipo di violenza.

Dalle interviste sono emerse le opinioni dei bambini e ragazzi, innanzitutto sul gradimento della presenza dell’interprete: l’interprete è lì per aiutare, è divertente perché fa ascoltare una lingua sconosciuta, sembra proprio che si possa parlare con un’altra persona anche se non si conosce una lingua. Non piace, invece, la tecnica del chuchotage: i bambini la percepiscono come “maleducata” (“Noi non possiamo interrompere, perché lui sì?”): il chuchotage viene visto come un’interruzione del discorso, un elemento disturbante all’interno della comunicazione.

per quel che riguarda i rapporti pregressi tra interprete e intervistatrice, si chiedeva ai bambini se pensavano si conoscessero già. La risposta varia molto a seconda dell’età dei bambini, ma quello che è interessante è la percezione che gi adolescenti hanno: se si fossero già conosciuti, sarebbe stato uno svantaggio, perché loro avrebbero avuto meno fiducia nell’interprete.

La partecipazione, invece, viene percepita come gratificante: sentirsi ascoltati, sentire l’attenzione di due adulti su di sé, sentire che quel che si dice conta, ha un effetto piacevole sui bambini e sui ragazzi.

Quali sono le caratteristiche di un incontro mediato da interprete che risulta gradite ai bambini?

a. il coinvolgimento, sentirsi a proprio agio;

b. essere ascoltati;

c; non essere interrotti: il chuchotage non è la tecnica migliore;

d. il contatto visivo sia con l’intervistatrice che con l’interprete;

e. poter scegliere dove sedersi e la distribuzione dei partecipanti: e configurazioni, infatti, sono state più che varie, il che testimonia esigenze diverse a seconda della persona, un fattore da tenere in considerazione.

H. Mole (Watt-Heriot University), “Perceptions of power dynamics: Reflections on sign interpreting”.

Mole sceglie la pedagogia degli oppressi di Freire (1970) e Bourdieu come cornice teorica per il proprio studio, partendo dal concetto di potere simbolico quale “invisible power which can be exercised only with the complicity of those who do not want to know that they are subject to it or even that they themselves exercise it”. Una definizione di potere a nostro avviso efficace, ma che deve essere infomrata delle percezioni individuali dei protagonisti dell’incontro: Mole sceglie così di far redigere a dieci interpreti dei giornali autoriflessivi, con 4-6 voci per ogni giornale, seguiti poi da un debriefing.

Come metodo, Mole applica la narrative inquiry quale descritta da Ledwith (2005) e si rifà a Baker-Shenk e alla sua descrizione delle caratteristiche esibite dagli oppressori in rapporto agli oppressi, gruppo in cui si inseriscono le persone sorde: obiettivo è individuare tali caratteristiche negli atteggiamenti dell’interprete udente di lingua dei segni, e proporre invece la figura alternativa del partner come modello di ruolo.

Oppressor Partner
Possessive consciousness Showing solidarity with oppressed
Pejorative attitude Desire to transform unjust systems
Paternalistic attitudes Promoting independece
Desire of approval from the Oppressed
Hearing fragility/Defense mechanism Transparency and accountability
  1. Possessive consciousness: la persona sorda viene percepita come soggetto di cui ci si prende cura. Ci si riferisce a lei o a lui come a “il mio cliente”, mentre non si usa questo termine per riferirsi al cliente udente, che viene invece indicato con il termine professionale: “il dottore”, “l’operatore sociale”. E’ vero che il sistema di prenotazione per un interprete di lingua dei segni nel Regno Unito è tale da suggerire che l’unico cliente dell’interprete sia la persona sorda, e sostiene quindi l’idea della loro dipendenza, laddove il cliente udente viene rappresentato e percepito come indipendente.
  2. Pejorative attitude: il gruppo oppresso viene tipicamente rappresentato come scansafatiche e incompetente (Freire 1970). In un intervento precedente (I. Heyerick, “Interpreting strategies: the why behind the what”), ci viene ricordato come la comunità sorda sia stata fortemente penalizzata dalla visione darwiniana del linguaggio, per cui il gesto, l’incapacità di parlare vengono situati a un livello primitivo, animalesco. Questo stereotipo inferiorizzante sembra essere abbracciato anche dagli interpreti, che manifestano un forte desiderio che il cliente sordo faccia “bene il proprio lavoro”, arrivando a introdurre nella resa elementi che il cliente sordo aveva scelto di non disvelare senza una discussione precedente. Il cliente viene anche descritto, a latere, come “intelligent” e “knowledgeable”, come un caso specifico (ed eccezionale?) all’interno della categoria.
  3. Paternalistic attitudes: gli interpreti ammettono schiettamente di utilizzare il proprio “potere” per difendere e far progredire la causa del cliente sordo.
  4. Defense mechanism: il concetto di “hearing fragility” corrisponde a quello di “white fragility” proprio dei White Studies: una sensazione di smarrimento e di crollo delle proprie certezze e del proprio sé nel momento in cui viene contestata o minata la percezione che si ha della categoria (bianco, udente) a cui si appartiene. Reazioni tipiche sono la rabbia, il prendere distanza da quanto viene detto e dalla situazione, cercare di ritornare all’equilibrio noto – lo status quo. E’ un conflitto di mondi e di visioni che diventa difficile da gestire per l’interprete.

Al contrario, le caratteristiche che possono essere fatte proprie dall’interprete che vuol essere un partner del cliente sordo sono molteplici: non esiste un solo modo di accostarsi in maniera solidale al cliente sordo, ma tutte queste modalità devono scaturire dalla riflessività, caratteristica imprescindibile, partendo dalla consapevolezza del proprio difficile ruolo di gatekeepers. Del resto, riflettere sul proprio ruolo è necessario, non solo perché significa responsabilizzarsi in quanto interpreti, ma anche come strategia di sopravvivenza: Bahadir ricorda infatti che “open and courageous positioning is vital because interpreters mostly suffer from burnout… when they do not reflect about their involvement” (Bahadir 2010). Una nozione a nostro avviso preziosa che merita di essere introdotta anche nella didattica dell’interpretazione, consentendo di problematizzare e riconoscere un malessere, una difficoltà a incarnare il ruolo neutro che i giovani interpreti (e non solo) possono provare.

Bibliografia

Bahadir, S. (2010), “The Task of the Interpreter in the Struggle of the Otherfor empowerment: Mythical utopia or sine qua non of professionalism?” in R. Sela-Sheffy, M. Shlesinger (eds.),  Profession, Identity and Status: Translators and Interpreters as an Occupational Group, John Benjamins.

Baker-Shenk, C. (1986) “Characteristics of Oppressed and Oppressor Peoples: Their effect on the interpreting context”, in Proceedings of the Ninth National Convention of the Registry of Interpreters for the Deaf, disponibile all’indirizzo: http://www.interpretereducation.org/wp-content/uploads/2014/04/Characteristics-of-the-Opressed_110314.pdf

Bourdieu (1991), Language and Symbolic Power, Harvard University Press.

Freire, P. (1970), Pedagogia del oprimido, Tierra Nueva.

Foucault, M., Gordon, C. (1980), Power/Knowledge: Selected Interviews and Other Writings, Pantheon Books.

Ledwith,M. (1997, 2005), Community Development: A Critical Approach, Policy Press.

Mason, I., Ren, W. (2012),”Power in Face-to-face Interpreting Events”, in C. Angelelli (ed.), The Sociological Turn in Interpreting Studies, John Benhamins.

Thompson, N. (2011), Promoting Equality: Working with Diversity and Difference, Palgrave.

 

 

Giornata di studi AIM: Comprendere le re(l)azioni, mediare le interazioni

Locandina-AIM-21-novembre-2017

Macerata, 21 novembre 2017

La giornata di studi annuale del gruppo di ricerca AIM sull’interazione (mediata e non) ha inizio con la lezione di Graham H. Turner (University of Heriot-Watt), “What is the Wrong Word?”. Domanda cruciale per un interprete. Esiste una parola sbagliata, o, forse, è necessario districarsi da concetti quali “giusto”, “sbagliato”, concetti-pastoie come “accuratezza”, “equivalenza”, “Il Significato” che hanno lungamente imbrigliato studenti e professionisti dell’interpretazione? Con un’analogia centrata, Turner ribalta la prospettiva e, da interprete-vittima di nozioni idealizzate, idee platoniche dell’interpretare, ci propone la versione traduttiva della defensive medicine: il defensive interpreting. Bardandosi di idee che esistono al di fuori da sé, l’interprete abiura alla sua responsabilità primaria: compiere scelte, agire come partecipante all’interazione, co-costruire il significato, esercitare un’agentività e, di conseguenza, una responsabilità.

Ripercorrendo storicamente i concetti linguistici che hanno minato alla radice la presunta invisibilità dell’interprete (dalla costruzione del significato nell’interzione di Bakhtin alla pragmatica griceana dell’implicatura), Turner ci pone un nuovo interrogativo: posto che l’interprete partecipa effettivamente all’interazione, come esaminiamo la generazione di significato da parte dell’interprete?

Partecipare all’interazione significa co-costruire, significa gettare le basi per una comprensione che non è mai fissa o data, ma dinamica, e che si accontenta di una sensazione comune di reciproco intendimento, che elaboriamo man mano che l’interazione prosegue. In questa co-costruzione e continua elaborazione del significato, l’interprete non agisce casualmente, né come potrebbe agire un altro partecipante: le sue azioni sono specifiche, uniche; e introducono un elemento di complessità notevole nell’interazione.

Se, in un’interazione diadica, produciamo un messaggio con in mente il nostro interlocutore, e allo stesso modo ascoltiamo l’altro; se immaginiamo come l’altro ci capisca o ci possa o voglia capire, e guidiamo così le nostre parole; quante e quali di queste manovre di aggiustamento devono essere moltiplicate dall’aggiungersi di una persona in più, e una persona con uno scopo, un ruolo, delle capacità (da esercitar) all’interno dell’interazione! Siamo lontani, insomma, dalla metafora trasformatrice, ma falsamente rassicurante (quantomeno per i non ballerini!) del pas-de-trois evocato da Wadensjö per descrivere l’interazione triadica mediata.

Le azioni specifiche dell’interprete, infine, si inseriscono in tre macrosfere: l’elaborazione del significato; la costruzione della comprensione (“do understanding”: un’azione concreta, dinamica, collaborativa e situata); lo sviluppo della propria intersoggettività come una cosoggettività, modellata nello scambio con gli Altri.

C. Baraldi (Università di Modena e Reggio Emilia), “Facilitation of Children’s Narratives of Cultural Differences in Classroom Interactions”

L’interazione in classe presenta particolarità tutte sue; ma, come ogni interazione all’interno di un’istituzione, è caratterizzata da una gerarchia verticale dei partecipanti, e da un’autorità epistemica che non è equamente distribuita. Sta al facilitatore ridistribuire la parola e il diritto non solo alla parola, ma alla produzione di conoscenza, che ai bambini è sottratta. Baraldi contrasta la nozione di cultura come appartenenza stabile nel tempo e di multiculturalismo come spinta potenzialmente essenzialista, in cui in realtà trovano terreno fertile i germi dello stereotipo e della banalizzazione che rischiano di fagocitare gli individui; e propone un approccio alternativo, basato sulle narrazioni come strumento per interpretare e archiviare storie ed esperienze, e su un concetto dinamico e idiosincratico di identità culturale, accettata, rifiutata, negoziata – ma, comunque, scelta – in questo caso, dai bambini.

Ventiquattro seminari, sessantotto ore di video e trascrizioni per individuare la costruzione di narrazione legate alla propria identità e appartenenza: a partire dalle fotografie. I bambini sono stati invitati a portare delle fotografie legate al proprio passato o al proprio background familiare: da queste (350) immagini, gli studenti hanno elaborato delle storie sul sé in un dialogo collettivo col facilitatore, che esplorava aspetti potenzialmente portatori di specificità culturali, rigettandoli laddove il bambino non li riconosceva come tali; proponeva esplicitamente visioni stereotipiche nominandole in quanto tali; si rimetteva, infine, alle decisioni del bambino su chi fosse, chi fosse stato, chi diventerà.

L. Anderson, L. Cirillo (Università di Siena), “Making Disciplinary Identity Relevant in Academic Presentations Addressed to Multidisciplinary Audience”

Chi siamo quando ci raccontiamo? E quando ci raccontiamo come professionisti e studiosi di fronte ad altri professionisti e studiosi? Dove si situa l'”io”, dove il “noi”, dove il “voi”, e come vengono sfruttati questi pronomi per altri scopi?

Anderson e Cirillo partono dalle presentazioni di giovani ricercatori all’interno di un progetto multidisciplinare che conta specialità quali Economia, Scienze politiche e sociali, Storia e cultura, Giurisprudenza. Analizzando l’utilizzo dei pronomi personali, si scoprono identificazioni, si approfondiscono aspetti della propria disciplina che possono risultare ostici o ignoti ad altri, si sollecitano collaborazioni, si creano gruppi e categorie funzionali ai nostri desideri e ai nostri bisogni: descriverci, farci conoscere e riconoscere, elaborare affinità o complementarità in vista di lavori comuni e futuri… Il tutto in una rappresentazione del sé che si appoggia a un parallelo processo di audience design, in cui si inseriscono meccanismi quali l’altercasting, ossia l’attribuzione di identità ad altri presenti per evocare colei o colui che è il nostro alter ego, il “tu” di cui l'”io” ha bisogno.

R. Merlini, C. Turini (Università di Macerata), “Mediazione, empatia e antropologia”

Dall’empatia dell’interprete come tratto caratteriale a una definizione antropologica di empatia che parta dal primo dei contesti: il corpo. In un rifiuto delle dicotomie epistemologiche tipiche del post-Illuminismo, in cui le emozioni, figlie della natura, si scontrano con i sentimenti quali elaborazioni culturali. E si scarta dalle teorie riduttiviste che vorrebbero le emozioni mere risposte cognitive. Resta una teoria dell’emozione che non dualizza e non separa, ma si cala nel corpo, a partire da quello del paziente. Protagonista della malattia, riporta l’esperienza vissuta e con essa una conoscenza e delle rappresentazioni che incrociano narrative individuali e psicologiche a narrative sociali. Con un rischio, per il ricercatore: appiattire il corpo sul foglio, “testualizzarlo”, facendogli così perdere significato;

Il corpo dell’interprete è invece corpo terzo, che non può però prescindere dalle caratteristiche comuni a tutti i corpi: essere il luogo dove ricordi, vissuti ed emozioni si concretizzano, prendono forma. E, con essi, anche l’empatia quale risposta corporea all’Altro, non per questo immune da condizionamenti e caratterizzazioni culturali, storiche, individuali: col corpo si vive, si conosce, si è. Impossibile prescinderne, impossibile invocare un’idea astratta e univalente di empatia – di qui la sfida per i partecipanti all’incontro, che siano pazienti, interpreti o medici.

N. Niemants, “Savoir pour Interpréter: A Case Study in a Medical Context”

Macro e micro a confronto. Trascrizioni dei singoli eventi interpretati presso reparti ginecologici e pediatrici e interviste con interpreti che raccontano di sé, delle proprie percezioni e idee sulla professione, su ciò che avviene o dovrebbe avvenire.

Da un lato, il contesto limita l’interazione, declinandola secondo le procedure tipiche dell’incontro medico e secondo il recipient design che risponde a un bisogno di categorizzazione umano che facilita la comprensione… Dall’altro, l’interazione unica e specifica fa emergere contesti a partire da informazioni e caratteristiche salienti dei partecipanti che servono per creare una propria conoscenza e definizione di contesto, non immune da un’eventuale analisi critica da parte dell’interprete, che interpreta sempre per un motivo, per uno scopo: accogliere la paziente, prendere appuntamenti, determinare l’aderenza alla terapia… Il tutto lasciando margine a interventi autonomi il cui scopo è rispondere alle aspettative e alle norme conversazionali degli interlocutori.

Il dialogo tra macro e micro produce elementi significanti: se un’azione è frequente, diventa rilevante ai fini dello studio; se un’azione ha sollecitato reazioni positive e adeguate, diventa allora efficace, riproducibile.

R. Merlini, L. Picchio (Università di Macerata), “Interpreting at the Giffoni Film Festival: A Study of Audience Design”

Interpretare per i media o dentro i media? O, ancora, né l’uno, né l’altro?

L’interpretazione in un festival cinematografico sfugge alle definizioni nelle caratteristiche del setting (non si lavora da uno schermo) e sulla lunga lista delle combinazioni possibili dell’uditorio: il pubblico da casa, il pubblico presente al festival, i giurati? E a che ruolo goffmaniano possono essere apparentati? Nel dedalo delle forme dell’ascoltare (addressees, auditors, overhearers, eavesdroppers), l’interprete deve esercitare le proprie acrobazie verbali scegliendo cosa e come tradurre – e non basta la presenza della telecamera per far assurgere il pubblico da casa ad ascoltatore d’elezione, se di fronte a sé un pubblico in carne e ossa reagisce fisicamente alla sua performance: sarà quello l’uditore prescelto, l’addressee del suo discorso – il tutto cercando di districarsi tra l’implacabile ethics of entertaining, a cui l’interprete piega la propria traduzione, e la sensazione di esposizione totale che si prova mentre la cinepresa ti bracca, mentre la registrazione affida e abbandona la propria performance agli occhi e alle orecchie di un pubblico remoto, invisibile, a cui non si potrà mai venire incontro.

La giornata si chiude con l’intervento di Rachele Antonini (Università di Bologna), che ci parla di Non-professional Media Interpreting of Radio Interviews. Ma il tempo è tiranno, Genova lontana: e ci impedisce di ascoltare quest’ultimo intervento che problematizza la performance di non professionisti in un media particolare come la radio.

Racconti di una vita. La narrazione biografica breve nella tradizione contemporanea.

Giornata di studi per dottorandi e giovani ricercatori a cura di Nunzia Palmieri, Giacomo Raccis, Damiano Sinfonico – Università di Bergamo, 30 ottobre 2017

Giornata di studi per dottorandi e giovani ricercatori a cura di Nunzia Palmieri, Giacomo Raccis, Damiano Sinfonico

Racconti di una vita. La narrazione biografica breve nella tradizione contemporanea

Università di Bergamo – 30 ottobre 2017

La giornata di studi Racconti di una vita. La narrazione biografica breve nella tradizione contemporanea si inscrive all’interno del Seminario sul racconto, iniziativa arrivata al suo terzo appuntamento dopo le giornate di studi del 2015 (Racconto italiano contemporaneo: percorsi, forme e letture) e del 2016 (Genealogie del racconto contemporaneo). Proseguendo nel tentativo di mappare il racconto in quanto genere e specifico “modo” della narrazione, questa giornata proverà ad affrontare la narrazione breve a partire da uno spunto tematico: il racconto biografico.

Non occorre tornare indietro fino alla Vite parallele di Plutarco o alle molteplici manifestazioni del genere epidittico nella classicità per verificare l’importanza che la narrazione biografica breve ha avuto per la tradizione occidentale. Nato da un bisogno di testimonianza storica, questo genere approda alla modernità e scopre il piacere di affidare le biografie reali alle potenzialità di reinvenzione della letteratura: nascono così opere come Vite immaginarie (1896) di Marcel Schwob, che attraverso una scrittura che sa selezionare minimi dettagli significativi offre nuovi destini a personaggi come Eliogabalo e Paolo Uccello.

Per questa strada, il racconto biografico definisce una propria fisionomia, arrivando anche a contraddire in parte uno dei caratteri tradizionalmente riconosciuti al racconto genericamente inteso. Se è vero infatti, come recentemente ha ricordato anche Raffaele Donnarumma, che il racconto è la narrazione delle vite incompiute, degli avvenimenti eccezionali e dei particolari dai significati simbolici – in grado di illuminare di senso anche tutte le porzioni di vita rimaste nel non detto –, il racconto di una vita, anche in virtù del fatto che si trova solitamente inserito all’interno di una cornice omogenea e coesa, si incarica di dare un compimento al percorso biografico del personaggio, di cui ripercorre rapidamente e a grandi salti l’intera esistenza. La compressione di una vita in un racconto implica anche una dialettica tra narrazione breve e interezza (in opposizione alla vulgata del racconto come lente d’ingrandimento di un dettaglio) e la riduzione di un intreccio potenzialmente tentacolare e fluviale a una linea semplice e discontinua. Nascono così opere importanti come La sinagoga degli iconoclasti di Rodolfo Wilcock (1972), Vies minuscules di Pierre Michon (1984), Vite di uomini non illustri di Giuseppe Pontiggia (1993), che raccolgono sotto forma di curiosi medaglioni le esistenze disparate di personaggi più o meno noti.

Si scopre così un significativo legame tra narrazione breve e memoria: il racconto viene incaricato di consegnare alla Storia – o all’eternità – il ricordo di chi, come ha scritto Danilo Kiš nell’Enciclopedia dei morti, “non è stato menzionato in nessun’altra enciclopedia”. Il vincolo appare talvolta in maniera più scoperta, come nel caso di Scorciatoie e raccontini di Umberto Saba (1946), che dipinge con brevissimi cenni un microcosmo che attiva l’ironia compassionevole del poeta, condizionata dal filtro della guerra e della morte che rende quel mondo ormai irraggiungibile. Più recentemente, e sempre in Italia, Franco Arminio ha invece affidato a un sentimento di rivincita l’opera di raccolta delle Cartoline dai morti (2010), con cui diversi personaggi anonimi tornano a reclamare attenzione sui loro destini minori. In altri casi, invece, la brevità del racconto mette a disposizione dell’autore la possibilità di creare collezioni, serie ordinate, repertori: basti pensare alla rutilante teoria di personaggi immaginari a cui Roberto Bolaño fornisce una biografia e un percorso culturale nella sua Storia della letteratura nazista in America, che finiscono per comporre un inquietante panorama su cui proiettare anche le storie narrate nelle altre opere dello scrittore cileno; oppure alle recenti operazioni di Ermanno Cavazzoni (Vite brevi di idioti), Roberto Alajmo (Repertorio dei pazzi d’Italia) e Paolo Nori (Repertorio dei matti…), dove le varie manifestazioni della follia – sempre definita in relazione a una presunta “normalità” – offrono un fil rouge lungo cui inanellare storie brevi e brevissime di personaggi ai margini della vita e della letteratura. Il racconto diventa così l’occasione per ridiscutere i paradigmi che definiscono la normalità e per aggirare, grazie anche all’icasticità delle scelte narrative, i luoghi comuni. Per questa strada, infatti, il racconto biografico va incontro alla tradizione del microracconto, come accade in Personaggi precari di Vanni Santoni, che alla mancanza di certezze esistenziali associa anche la mancanza di dettagli nella ricostruzione del loro profilo: il narratore deve così affidare a pochissime parole il compito di far immaginare la vita che c’è dietro.

Anche la posizione del narratore assume un profilo originale: è una voce il più delle volte postuma, che racconta la vita di un personaggio scomparso e già racchiuso definitivamente in una storia che non potrà smentire; assorbe nel suo il punto di vista del personaggio, o meglio si impossesserà della sua vita squadrandola secondo categorie critiche probabilmente estranee allo stesso personaggio, creando una frattura tra le concezioni che hanno guidato la sua vita e quelle che spingono il narratore ad accentuare e mettere in una determinata prospettiva certi fatti e certe scelte; inoltre la posizione del narratore nei confronti della parola scritta, mediata dall’oralità o da una tradizione letteraria, sarà probabilmente un ulteriore filtro capace di aumentare la distanza tra la narrazione e la vita del personaggio, svelando l’artificio della rappresentazione e la dialettica tra vita e racconto. I racconti di vita si rivelano così luoghi non tanto di sperimentazione – nella tradizione della short story si tratta forse del sottogenere meglio codificato, o codificabile –, quanto di messa in atto di strategie narrative precise e riconoscibili, sia a livello formale che a livello tematico.

 Martina Massarente – Abstract intervento

Un boccone di paradiso … (o di inferno!).

Il caso di “ISTANTANEE di Osvaldo Guerrieri”

“Vi sono a volte delle fotografie che, come autentiche istantanee,

catturano il momento cruciale di una vita,

l’attimo in cui si scioglie l’enigma di un’esistenza”

Guerrieri, Istantanee, Neri Pozza 2009

Il presente contributo propone un’analisi tematica e formale delle short stories biografiche del volume ISTANTANEE di Osvaldo Guerrieri. Il libro raccoglie dieci racconti biografici nati a partire dall’osservazione di fotografie. La fotografia quale arte spietata del transitorio (G. Macchia, Il fotografo di Budelaire) racconta i protagonisti  di “ciò che è stato”, riattivando qualcosa che, come definito da Roland Barthes è “vagamente spaventoso: il ritorno del morto” (R. Barthes, La camera chiara). Immagine e narrazione si insinuano uno nell’altro costruendo un complesso tessuto di rimandi tra presente e passato, tra vissuto e non vissuto, il tutto “senza che il lettore comune se ne accorga perché, come ogni medium [la fotografia] tende a dissolversi, a lasciarsi dimenticare” (V. Sperti, Fotografia e romanzo, 2005). Storie di personaggi realmente esistiti (da dal fisarmonicista di Robert Doisneau ad Antonin Artaud, da Louise Brooks a Carlo Emilio Gadda ecc…) dei loro sguardi, di avvenimenti eccezionali, biografie complesse e vite tormentate (spesso interrotte) si scoprono tra le pagine del libro che restituiscono, in pochi significativi passaggi, l’identità dei soggetti ritratti. L’autore proietta il racconto oltre la narrazione di vicende personali in un mondo di monadi della fragilità umana sottolineata dal continuo interscambio tra voce in e voce off, tra narrazione esterna alle vicende e improvvise domande. Considerando il volume quale caso di studio, si intende indagare le relazioni tra racconto biografico breve e immagine fotografica all’interno di questi piccoli bocconi di paradiso che, sovrapponendosi al testo, sprofondano nell’inferno formando un tutt’uno dell’irreversibile, del Mai più. (O. Guerrieri, Istantanee).

Summer School “La cura della memoria. Il contributo delle arti visive e performative alla custodia del Sé”

Si è svolta all’Università di Pavia, dal 25 al 29 settembre, la prima edizione della Summer School “La cura della memoria. Il contributo delle arti visive e performative alla custodia del Sé”, organizzata e diretta da Federica Villa e dal gruppo di ricerca del Centro Studi Self Media Lab. Scritture Performance Tecnologie del Sé. La discussione dei termini e delle pratiche legate all’archivio, alla fotografia, al cinema, al teatro e al museo è stata declinata attraverso una proficua ed efficace alternanza di lezioni plenarie, atelier pratici (performativi e visivi) e workshop. A partire da un complesso intrico di discipline, studi e approcci (dai Memory Studies alla Cognitive Theory) registi, artisti, storici e teorici del cinema, del teatro e delle arti visive si sono confrontati a cospetto dell’eco della memoria e del suo balbettio. Sotto l’egida di Walter Benjamin, i lavori della Summer School si sono spinti lontano, nella riflessione e nell’analisi di opere che interrogano e forzano il rapporto con il tempo, il medium, la visibilità e l’invisibilità, la rappresentazione e la materialità della memoria.

Nel lungo incontro con Michelangelo Frammartino, condotto da Barbara Grespi e Roberto De Gaetano, il regista, partendo da alcuni riferimenti precisi (su tutti il lavoro di Studio Azzurro), ha efficacemente dimostrato lo statuto peculiare maturato dalle immagini dei suoi film, “presenze” che riecheggiano e interpretano archetipi universali e “radici arcaiche” che parlano degli uomini, dell’individuo e della loro memoria. Il racconto e l’analisi di alcuni elementi esclusivi del film Le quattro volte (2010) ha poi sostenuto l’esigenza espressa da Frammartino di ribaltare la tradizionale prospettiva antropocentrica del cinema, lavorando all’interno del cinema stesso, trasformando per esempio il paesaggio in dispositivo.

Durante un incontro del workshop, invece, Luca Malavasi ha presentato l’opera di Cosimo Terlizzi, artista poliedrico, che si esprime compiutamente attraverso media diversi e che lavora dunque come documentarista, regista, performer e video artista. Dopo la definizione e l’analisi del mosaico mediale su cui l’opera di Terlizzi si innesta e si costruisce, l’incontro si è soffermato sul tema dell’identità declinato in una serie di film, installazioni e performance che spesso si fondano sull’uso e abuso dei media e degli schermi, ambigui e distorti specchi, che amplificano e trasmettono il percorso conoscitivo dell’artista.

S. N. via senza nome, casa senza numero (Terlizzi, 2008)

Accanto alla questione mediale, Malavasi e Terlizzi hanno poi discusso alcuni riferimenti cinematografici, letterari e filosofici che riecheggiano nel lavoro dell’artista: la sequenza finale di L’uomo doppio (2012) ostenta un richiamo evidente a Rossellini, mentre altre questioni, complesse e sotterranee, come la riflessione sul Bosone di Higgs, la particella di Dio, e le implicazioni scientifiche e filosofiche sul vuoto e sulla materia sono state ricondotte alla fase di progettazione, ricerca e studio delle opere dell’artista. Infine, sono poi state le opere stesse a rivelare come il racconto del sé si sovrapponga e si confonda spesso, in maniera stringente e proficua, con la ricerca e la costruzione del sé. Dai racconti di famiglia resi dai frammenti di S. N. Via senza nome, casa senza numero (2008), alle performance di How to… (2013), dall’archivio composito di Folder (2010) ai residui memoriali “scolpiti” sui corpi di L’uomo doppio: la sovrapposizione perfetta e violenta fra arte e vita imprime alle immagini una potenza mitopoietica che il cinema contribuisce a eternare.

L’uomo doppio (Terlizzi, 2012)

Per quel che riguarda invece la parte pratica degli atelier offerti dalla Summer School, durante quello condotto dal documentarista Filippo Ticozzi e da Francesca Brignoli, la riflessione sul museo, inteso quale luogo di memoria, in cui coabitano diverse dimensioni temporali, si è conclusa con un breve ma intenso “studio” (disponibile su vimeo); il gruppo coordinato da Tommaso Lipari ha lavorato invece sul valore memoriale delle esperienze individuali, realizzando una sorta di “atlante”; infine, gli studiosi di teatro si sono misurati produttivamente con il lavoro di Fabrizio Fiaschini e con quello della compagnia di Sonenalé.

Per ulteriori informazioni:

selfmedialab@gmail.com

http://sezionespettacolo.unipv.eu/

@SelfMediaLab su Facebook o Messenger

Approaches to migration, language and identity

Dal 4 al 6 maggio 2017, presso l’Université de Lausanne, si è tenuta la prima edizione del convegno intitolato Approaches to Migration, language and identities. L’intento dell’iniziativa era quello di riunire studiosi del fenomeno delle migrazioni dal punto di vista delle varie discipline tangenti (socio-politica, geo-politica, linguistica, antropologia economia, storia, letteratura), con approcci sia diacronici che sincronici, nell’ottica di valorizzarne l’interdisciplinarità.  Promuovere una discussione a più fronti sull’argomento è stata avvertita dagli organizzatori come un’esigenza urgente, attuale e globale. La multidisciplinarità del convegno è stata valorizzata soprattutto dalla presenza di 4 importanti keynote speakers.

Ofelia Garcia (Professor of Urban Education and of Hispanic and Luso-Brazilian Literatures and Languages, Graduate Center of the City University of New York) ha aperto il convegno con un brillante discorso a favore del migrant gains, ovvero il ribaltamento dell’ottica pedagogica secondo la quale il compito dell’insegnante di lingua è quello di aiutare lo studente straniero (di prima o seconda generazione) a colmare le sue inevitabili lacune linguistiche in L2. Ma cosa accadrebbe se l’insegnante aiutasse lo studente ad utilizzare e ad arricchire la L2 con il suo retroterra linguistico personale? (Abstract).

 

Li Wei (Professor of Applied Linguistics at the Institute of Education, University College London) si è interrogato sul significato del multilinguismo nel XXI secolo, come fattore e allo stesso tempo prodotto della superdiversity di una società ormai caratterizzata da flussi continui di mobilità. Sarebbe meglio parlare ormai di post-multilinguismo? (Abstract).

 

Ben Rogaly (Professor of Human Geography, University of Sussex) con un place-based study analizza la condizione di lavoratori immigrati e lavoratori locali impiegati nel settore alimentare di una piccola cittadina inglese, attraverso esempi di razzismo e solidarietà multietnica (Abstract).

Naoma Tadmor (Professor of History, Lancaster University) analizza il concetto di insediamento nell’Inghilterra del XVIII secolo, analizzando documenti burocratici e privati, per verificare l’impatto che ebbe nella creazione di uno stato (Abstract).

Oltre ai keynote speakers, nell’arco dei tre giorni del convegno, si sono alternati studiosi di varie discipline correlate al fenomeno della migrazione. Dal punto di vista linguistico, gli interventi più significativi si sono concentrati sulla terminologia, sulle lingue minoritarie, sulla socio-linguistica, sulla psico-linguistica, sulla glottodidattica, sulla comunicazione pubblica e sul plurilinguismo.

In particolare, Federico Faloppa (University of Reading) si è occupato di ridiscutere il valore semantico della terminologia legata a migrazione e richiedenti asilo e di analizzarne le connotazioni negative (Abstract). Marianna Griffini (King’s College London) si focalizza invece sull’analisi del linguaggio utilizzato dalla propaganda nazionalista dell’estrema Destra italiana nel riferirsi al fenomeno della migrazione (Abstract).

Per quanto riguarda lo studio delle lingue minoritarie, Burns Roslyn (University of California) con un’analisi gerarchica per clusters, compara due diversi sistemi linguistici all’interno della comunità geograficamente disomogenea dei Menoniti, per indagare quanto l’esperienza della migrazione intervenga nel generare una variante linguistica (Abstract).

Emma Moreton (Coventry University), coniugando metodi tradizionali e linguistica computazionale, analizza la corrispondenza tra alcune donne irlandesi emigrate in America e le loro famiglie d’origine. Il corpus è stato annotato manualmente; con un’analisi qualitativa, la ricercatrice mira ad identificare argomenti ed emozioni ricorrenti nel quotidiano delle donne emigrate tra fine Ottocento e inizio Novecento (Abstract).

A Bologna torna il paradiso dei cinefili: XXXI edizione del Cinema Ritrovato

Si è svolta a Bologna, dal 24 giugno al 2 luglio, la XXXI edizione del Cinema Ritrovato: festival amato e frequentato da studiosi di cinema, cinefili e semplici appassionati. Si tratta di un appuntamento ormai consolidato che propone a un pubblico variegato ma molto interessato proiezioni che ripercorrono la storia del cinema attraverso i classici restaurati, le cinematografie lontane e poco conosciute, lezioni di cinema, incontri sul restauro, eventi collaterali (mostre, presentazioni di libri e attività per i più piccoli) e confronti e dialoghi con registi e attori. Come di consueto, anche in questa edizione, all’interno delle quattro sezioni – Il paradiso dei Cinefili, La macchina del tempo, La macchina dello spazio, Il Cinema Ritrovato kids and young – sono stati presentati i progetti di restauro (Ritrovati e Restaurati, Jean Vigo ritrovato, solo per citarne alcuni), rassegne dedicate a un tema (Rivoluzione e avventura, 1897. Cinema anno due), a un attore (Robert Mitchum, un attore con due volti) o a personalità fondamentali per la storia del cinema (Universal Pictures: gli anni di Laemmle Junior, Colette e il cinema).

Come al solito, le intense giornate del Cinema Ritrovato si sono spesso concluse, per gli abbonati e per i frequentatori occasionali, in Piazza Maggiore o in Piazzetta Pasolini, per i Cineconcerti. Quest’anno, il programma dei Cineconcerti è stato aperto da due proiezioni mitiche ed epiche allo stesso tempo: il Prologo de La Roue di Abel Gance (anticipazione di un maestoso e pregevole restauro) e La Corazzata Potëmkin di Sergej Ejzenštein. Le due sinfonie visive sono state accompagnate dalle musiche originali eseguite dalla Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna, e hanno offerto agli spettatori una visione complessa, dinamica e terribilmente attuale.

Sarebbe arduo e riduttivo cercare di racchiudere in poche righe gli otto giorni dell’ultima edizione del Cinema Ritrovato, duranti i quali, a differenza di altri festival, i film non vengono soltanto scelti e presentati, bensì “custoditi”, restaurati e diffusi. Un vero e proprio “paradiso per cinefili”, per riprendere il titolo di una delle sezioni, nel quale è stato possibile vedere una piccola retrospettiva dedicata ad Augusto Genina, rileggere l’opera di William K. Howard, avvicinarsi al film storico giapponese o a quello messicano, scoprire alcuni intensi lavori provenienti dalla Polonia o dalla Cecoslovacchia e infine gustare le grandi interpretazioni delle star, Marlene Dietrich, Joan Cawford, Ivan Mozžuchin, Alain Delon e Cary Grant, solo per citarne alcuni.

Infine, nella rassegna Cento anni fa: 50 film del 1917 in 50 mm è stato possibile cogliere e godere pienamente della ricchezza formale ed espressiva del cinema, che sin dalle proprie origini esplora e costruisce mondi e storie, attraverso una macchina da presa mai percepita come limite. Si ricordano qui brevemente alcuni dei capolavori presentati in questa sezione che esemplificano le potenzialità del cinema: Mater Dolorosa di Abel Gance, costruito su contrappunti di luci e ombre; il documentario Kanalen en Windmolens, che sperimenta inedite sovrapposizioni di immagini in movimento, utilizzando anche il lavoro di postproduzione; Revoljucioner e Za sčast’em di Evgenij Bauer, che testimoniano il fermento intellettuale e artistico del cinema prelivoruzionario russo; La ragazza della torbiera di Victor Sjöström, capostipite del film d’autore svedese, che riscosse già alla sua uscita un grande e internazionale successo di pubblico e critica.

Dopo il festival, il lavoro della Cineteca continua con le piccole rassegne organizzate a Bologna e con il ricco programma delle uscite nazionali del Cinema Ritrovato al Cinema. Classici restaurati in prima visione.

Per ulteriori informazioni e aggiornamenti si rimanda al sito della Cineteca, www.cinetecadibologna.it, e a quello della rivista online coordinata dal prof. Roy Menarini, Cinefilia Ritrovata, www.cinefiliaritrovata.it.

Italian Networking Workshop (INW)- convegno a Falcade

Gennaio 11-13 – Falcade, IT

Il Convegno

Questo workshop annuale offre un forum per presentare lavori recenti e originali in vari settori delle reti di telecomunicazione. È destinato principalmente ai ricercatori che lavorano nelle università italiane. Gli oratori e i partecipanti internazionali sono i benvenuti e, infatti, sono cresciuti in numero negli ultimi anni.

L’ambito della conferenza è non limitato a comprese le architetture e protocolli di rete (network architectures and protocols), il networking efficiente in termini di efficienza energetica (energy efficient networking), la tecnologia wireless (wireless technology), Rete mesh e reti di sensori (mesh and sensor networks), la tecnologia indossabili (wearable technology), le reti ottiche (optical networks), i software definiti e le reti cognitive (software defined and cognitive networks), le reti peer-to-peer (peer-to-peer networks), le misurazioni del traffico e Sicurezza (traffic measurements and security), data mining e big data per la rete e la valutazione delle prestazioni (simulation, experimental work).

origine: sito INW 2017

Il mio contributo

Ho avuto la possibilità di parlare del mio lavoro di ricerca intitolato “A glimpse into the energy efficiency of network softwarization”, che si occupa di uno studio sul consumo di energia di network mobile core e i relativi effetti del “greenhouse gas emissions” per la prossima “softwarization” della rete che sta preparando per le reti 5G.

La mia esperienza

La conferenza era interessante. Durante la presentazione, ti viene fornito un feedback nella tua ricerca in un modo critico ma informale, dando idee e facendoti in linea con le attuali ricerche. Serve anche come un evento di socializzazione per le persone che studiano nel campo della rete. Il posto era bello perché è vicino alle alpi e il programma consente ai partecipanti di godersi lo sci nel pomeriggio.

 

“Spazi bianchi. Indagine sull’assenza”. Una Graduate Conference a Salerno

Caleidoscopicamente, l’assenza del titolo a cui è consacrata la graduate conference salernitana si svela subito come ricchezza sterminata di stimoli e spunti: dottorandi e dottorati di fresco titolo, provenienti da atenei italiani e internazionali, si alternano in una Miscellanea multidisciplinare abilmente declinata in sessioni tematiche che stabiliscono nessi originali tra interventi molteplici.

Mercoledì 5 luglio

La prima giornata si apre con i saluti delle docenti responsabili del Dipartimento di Studi umanistici e del Dottorato in Studi Letterari, Linguistici e Storici che ci ospita, e con la lezione inaugurale di Nicola Gardini (University of Oxford) che si addentra tra le radici della tradizione letteraria occidentale per far emergere il tema di fondo: lo scarto tra l’essere e il narrare, tra la vita e la letteratura, in un dire lacunoso del narratore in cui il lettore e la sua immaginazione trovano in realtà il proprio habitat in cui crescere e agire.

Gli interventi delle prime due sessioni ruotano attorno alla letteratura: alle “Rappresentazioni dell’assenza nel Novecento letterario italiano” (un viaggio tra Montale e Gozzano, Bontempelli, Lalla Romano e Tondelli) fa seguito la seconda sessione, “Trasversalità e coniugazioni dell’assenza nei testi letterari”. Solletica la curiosità dell’umanista digitale il contributo portato da Monica Manzolillo (Università di Salerno), incentrato su Shelley Jackson, autrice di Patchwork Girl.

Shelley Jackson, “Patchwork Girl” (1995)

Opera letteraria ipertestuale del 1995, scritta con il software di scrittura e lettura Storyspace, Patchwork Girl compone e riscompone un corpo di donna che è la sua storia, cercando di rendere visibile non solo l’interità della persona-narrazione, ma anche i brandelli (o lessie) di cui è composta, ciascuno significante, ciascuno ripercorribile grazie al link, manifestazione palese del labirinto ipertestuale borgesiano e incarnazione del collegamento creativo tra un elemento e l’altro.

Reminiscenze di Frankenstein di Mary Shelley e di The Patchwork Girl of Oz di Frank Baum (in cui si immagina la creazione di un mostro frankensteiniano donna) compongono il tessuto di rimandi dell’ipertesto, animato da un collage di immagini che mostrano un corpo femminile via via dissolto o agglomerato; corpo-storia in cerca di interezza e, quindi, di senso. Ricerca dell’autrice, novella Alice nel mondo dell’ipertesto, ma anche traccia percorribile dal lettore in uno dei primi esperimenti di letteratura plasmata dalla natura digitale del medium usato.

La giornata procede attraverso altre discipline: le lettere antiche, con la sessione “Agnizioni dell’assenza nei testi del mondo antico”, la filologia, nello spazio dedicato alle “Strategie dell’assenza: scritture anonime e scritture allegoriche”, e la storia dell’arte, che chiude la giornata con i “Vuoti visivi e valori dell’incompiuto nelle arti figurative”.

Titus Kaphar, “Space to Forget” (2014), Jack Shainman Gallery, New York.

L’intervento di Natacha Yahi (Centre d’études des arts contemporains (Lille) problematizza il rapporto con lo stereotipo della nanny nera nella cultura afroamericana e brasiliana. L’artista statunitense Titus Kaphar sottrae la presenza dei personaggi bianchi dominanti per far emergere quella delle domestiche nere, ritratte però in pose disumanizzate, materiche: mobili umani in spazi privi di umanità.

Si apre tuttavia una nuova faglia di contraddizione quando si analizza il rapporto dell’artista e dell’opera con la fonte: Yahi ha individuato chiari riferimenti alle fotografie di donne – schiave – brasiliane risalenti ancora all’Ottocento (O negro na fotografia do século XIX, G. Ermakoff (2004)), che impongono una riflessione sul conflitto tra le tracce di una memoria coloniale sudamericana e l’artista statunitense, nonché tra l’immagine della donna reificata e l’artista (uomo)-agente, a cui fanno da contrappeso alcune opere di autrici donne, tra cui (ancorché non recente) The Black Female Body. A Photographic History (D. Willis, C. Williams, 2002).

Giovedì 6 luglio

Alla linguistica (applicata, pragmatica e comparata) viene dedicata la prima sessione della seconda giornata (“Significati delle forma linguistiche e funzioni della loro assenza”), a cui succede la sessione dedicata allo “Standard linguistico come non-luogo”.

Michele Bevilacqua (Università di Napoli “Parthenope”) ci propone una riflessione sull'”Absence en langue arabe et la présence en langue française dans l’Algérie contemporaine: des ‘espaces blancs’ dans la culture arabo-musulmane”.

La pluralità linguistica (arabo classico, arabo algerino, francese) del paese rende possibile agli algerini non solo una relazione affettiva differente con ciascuna lingua e con i simboli che rappresenta, ma anche un suo uso ragionato in funzione degli scopi comunicativi. L’ipotesi di Bevilacqua è che, accanto alla lingua araba classica e nazionale che rendono impraticabili alcune sfere semantiche (la sessualità in primis), il francese, ex lingua coloniale, diventi lingua di apertura e possibilità di nominare l’indicibile, in particolare nella canzone contemporanea Rai, genere di grande diffusione in Algeria.

L’arabo come lingua della quotidianità e della politica interna, il francese come lingua della corporeità e della politica internazionale: un’alternanza non obbligata che attesta la varietà delle opzioni comunicative delle comunità plurilinguistiche, e che apre interessanti interrogativi sull’eredità della lingua francese in Algeria, da oggetto imposto a strumento di riappropriazione.

La terza sessione è dedicata alla didattica, con “il detto e il non detto nelle pratiche didattiche”. Irene Gallerani (Universität zu Köln) indaga le pratiche linguistiche dei docenti di lingua italiana in Germania e il rapporto lingua-identità che ne informa l’uso. Segue il nostro intervento (Nora Gattiglia, Università di Genova), incentrato su un laboratorio didattico blended sull’interpretazione telefonica italiano-francese, e sulle possibilità espressive concesse, ostacolate o potenziate dagli strumenti di comunicazione on-line in direzione di una didattica in rete che sia collaborativa e centrata sullo studente.

Una quarta sessione a tema filologico (“Lacune testuali: problemi ecdotici, implicazioni esegetiche”) ci accompagna verso la chiusura della giornata con “Censura, paramondi e spazi bianchi culturali: il riflesso della storia nella produzione linguistica ed epistolare”.

Siamo qui introdotti in un universo temporale e spaziale multiforme: dalle insurrezioni caraibiche (1789-1815) di cui ci parla Alessandro Bonvini (Università di Salerno), e del ruolo dei testi rivoluzionari europei e statunitensi come miccia accesa della sommossa; alle lettere dei militari siciliani di estrazione medio-borghese nella Grande Guerra, per cui Elena Riccio (Università di Palermo) analizza la manipolazione non solo per mano della censura al fronte, ma anche dei parenti, che nella pratica consueta di riscrittura delle lettere interpretano e interpolano, rileggono e riscrivono le parole del soldato assente; a Francesco Cacciatore e Giulia Pepe (University of Westminster), che tracciano uno schizzo dell’identità della comunità dei giovani italiani a Londra, emigrati europei dalle alterne fortune in una città secolarmente cosmopolita che oggi, lentamente, chiude le sue porte.

Venerdì 7 luglio

La lezione di Enrico Terrinoni (Università per Stranieri di Perugia) sull’invenzione linguistica in Joyce è un susseguirsi di sfide per il traduttore. Riferimenti, rimandi, ricordi, calembours ma anche posizionamenti, dichiarazioni di intenti (“E se, invece di Mussolini, lo chiamassimo Muscoloni?”, chiosa Joyce, anticipando la risata che li seppellirà), provocazioni distruttive e ricostruttive: la lingua dell’autore irlandese è un intreccio di suoni e significati inscindibili gli uni dagli altri, e al traduttore tocca non l’ingrato, ma il sublime compito di ricreare un cosmo semisommerso, proliferante di immagini e segni, che lambiscono le sponde dell’inconscio.

La sessione dei dottorandi che segue riecheggia la molteplicità espressiva: intitolata “Complete with missing part: scenari frammentari nelle letterature anglofone”, la sessione si apre con Renato Nicassio (Università dell’Aquila) che evoca la “costruzione di città immaginarie da parte di comunità reali”. Si tratta qui di esperimenti letterari collettivi e cittadini come “Invisible Seattle: The Novel of Seattle”,  creato dalla “città intera” (the whole city), sollecitata dall’intervento di alcuni “operai letterari”: i membri di Invisible Seattle, collettivo letterario on-line ante litteram, attivo nei primi anni Ottanta, muniti di caschetto e tuta. Questi lavoratori delle lettere hanno raccolto il materiale di costruzione (frasi, idee, impressioni sulla città) per poi edificare un racconto collettivo che rappresentasse una Seattle esistente “solo” nell’esperienza dei suoi abitanti. Una città fatta di luoghi di culto individuali, ricordi personali, valori inimmaginati attribuiti a spazi rivitalizzati dall’uso.

Altrettanto suggestivo l’intervento di Debora Sarnelli (Università di Salerno) su French Lessons di Alice Kaplan, un romanzo di formazione che stabilisce ancora una volta la relazione tra lingua e identità, ponendo una domanda affascinante: come possiamo reinventare la nostra stessa essenza attraverso l’apprendimento di una lingua nuova? Kaplan, ebrea nordamericana, fugge dall’inglese di una famiglia anaffettiva per ricrearsi un’identità nuova nella Francia e nel francese. Ma l’immagine che ci facciamo di una lingua, il suo essere strumento di salvezza, può arrivare fino a un certo punto: più si percorrono le strade della linguocultura d’adozione, più si tolgono veli e si scoprono le sbavature, le imperfezioni e, talvolta, le mostruosità. Accade a Kaplan quando, tra i colleghi francesi dell’Università statunitense a cui è tornata, scopre alcuni collaborazionisti nazisti. E la domanda si ripete: che cosa vogliamo da una lingua altra, che cosa possiamo e dobbiamo accettare?

La suggestione che arriva all’uditorio è che il plurilinguismo ci consente uno spazio d’azione privilegiato, in cui il parlante non nativo è al contempo dentro e fuori, creatura anfibia che può prendere e rifiutare, ibrido a cui è concessa la scelta: un cammino più faticoso e complesso per il parlante madrelingua, che a quella “madre” è intrinsecamente legato.

Le sessioni conclusive sono dedicate al testo e all’immagine: dalle “Declinazione estetiche della Lücke” alle “Poetiche dell’omissione” alle “Narrazioni sottrattive dell’immagine”.

Una chiusura nuovamente multidisciplinare che attesta la natura di humus dell’evento: terreno fertile di contaminazione e di crescita tra ricerche che mettono le prime radici.

Giornata delle Digital Humanities – Progetto per una fototeca

Storici dell’arte 4.0 

In occasione della giornata di studi dedicata alle Digital Humanities del giugno 2017 ho presentato un intervento inerente la componente informatica e digitale del mio progetto di ricerca incentrato sullo studio dei fondi fotografici conservati presso il D.I.R.A.A.S. all’Università degli Studi di Genova. A partire dallo studio del fondo fotografico della prima docente di storia dell’arte a Genova,  Giusta Nicco Fasola (1902-1960)  ho illustrato il filone di ricerca nel quale mi sono inserita in questi anni di dottorato, alla luce dei più recenti studi su fotografia e archivi fotografici di storia dell’arte.

Negli ultimi anni l’argomento è diventato centrale all’interno della comunità degli studiosi che si interessano agli archivi fotografici costituiti per la maggior parte da materiali didattici per l’insegnamento della storia dell’arte; le iniziative sono state infatti numerose e dirette alla sensibilizzazione di buone pratiche per lo studio, la conservazione e la valorizzazione della fotografia.

Il progetto per la realizzazione di una fototeca analogica e digitale dell’Università sta coinvolgendo numerose discipline, dagli informatici agli ingegneri fino a catalogatori, archivisti, antropologi e storici dell’arte. Prendendo in considerazione i punti fondamentali alla base della Florence Declaration del 2009 a cura di Costanza Caraffa, headleader della fototeca del Kunsthistoriches Institut di Firenze, sono state discusse le necessità conservative rispettivamente degli originali analogici e delle riproduzioni digitali illustrando le peculiarità tecniche dei fototipi conservati presso il Dipartimento di Storia dell’arte della nostra facoltà.

L’occasione della giornata di studi è stata fondamentale per presentare ad un pubblico ampio e variegato gli aspetti tecnici della galleria virtuale nonché presentare una riflessione sul concetto di “oggetto” fotografico, in linea con i più recenti studi teorici di Tiziana Serena e alle iniziative promosse in tal senso dalla Fondazione Federico Zeri di Bologna.

 

 

Im/materiale. L’immagine artistica nell’era della sua smaterializzazione digitale

Seminario Dottorale:

“Im/materiale. L’immagine artistica nell’era della sua smaterializzazione digitale”.

Francesca Gallo, docente di storia dell’arte contemporanea presso La Sapienza, e Domenico Quaranta, storico dell’arte e autorità nel campo della new media art, si confronteranno, con apertura interdisciplinare, sulle tematiche e problematiche dei linguaggi visivi della contemporaneità.

01.07.2017 – Ore 15
Balbi 2, Aula Magna
Genova

Gli archivi fotografici di storia dell’arte

Corso sugli Archivi fotografici di storia dell’arte

a cura di Francesca Mambelli e Riccardo Vlahov
11-12 maggio 2017 – Bologna, Fondazione Federico Zeri

Ho partecipato a questo corso in due occasioni, dapprima nel 2015 durante il mio primo anno di servizio presso il dottorato in Digital Humanities e in seguito nel 2017, al mio ultimo anno. I due corsi hanno dedicato particolare attenzione alle metodologie e alle buone pratiche da tenere durante le ricerche e lo studio dei fondi fotografici, nonché ai principi necessari al riordino di grandi quantità di materiali fotografici.

Che cosa fare quando ci troviamo di fronte a cumuli di fotografie? A sedimentazioni apparentemente casuali? Come intervenire e come lavorare su questi materiali?

La Fondazione Federico Zeri di Bologna vanta un curriculum di grande prestigio nel campo degli archivi fotografici di storia dell’arte anche per quanto attiene all’utilizzo delle nuove tecnologie, delle Digital Humanities e del Cultural Heritage grazie alla professionalità e alle competenze di uno staff completo che dai tecnici, agli informatici, agli storici dell’arte, lavora quotidianamente per valorizzare il grande patrimonio fotografico e bibliografico donato da Federico Zeri all’Università degli Studi di Bologna. Durante il corso è stata approfondita la conoscenza delle fotografie di documentazione storico artistica, degli strumenti metodologici per la gestione degli archivi fotografici nonché le basi e le metodologie di approccio all’ inventariazione e catalogazione delle fotografie, con particolare riguardo per il funzionamento della scheda F (fotografia) e per il nuovo tracciato della scheda FF (fondo fotografico).

Il corso è stato strutturato in lezioni teoriche, presentazione di raccolte e progetti catalografici, con una sezione dedicata ad esercitazioni pratiche, singole e di gruppo, sul riconoscimento delle tecniche fotografiche antiche e sui materiali fotografici rispettivamente della Fototeca Zeri e del Dipartimento delle Arti dell’Università di Bologna. Grazie alle ricche lezioni di Riccardo Vlahov è stato possibile addentrarsi, con dovizia di particolari, nel riconoscimento degli aspetti tecnici delle pratiche fotografiche monocrome e a colori trasmettendoci competenze e “trucchi del mestiere” che si sono rivelati particolarmente utili per muovermi all’interno della ricca varietà di stampe conservata presso il Dipartimento di Storia dell’arte dell’Università di Genova.

Un ringraziamento particolare va a Francesca Mambelli che mi ha seguito durante il percorso della mia ricerca e non ha mancato di darmi suggerimenti fondamentali per l’orientamento dei miei studi e a Lorenza Fenzi che mi ha instradata verso le migliori pratiche utili alla pulitura e alla conservazione degli originali analogici.

Il programma del corso

Riccardo Vlahov
La fotografia a colori

Lorenza Fenzi
Problematiche conservative in fototeca: manipolazione, manutenzione, pronto intervento

Lettura guidata dei materiali della Fototeca del Dipartimento delle Arti dell’Università di Bologna e della Fototeca Zeri

Francesca Mambelli
Fonti e repertori per la catalogazione delle fotografie delle opere d’arte

Riccardo Vlahov
Introduzione all’esercitazione sull’identificazione delle tecniche fotografiche monocrome

Esercitazione di identificazione delle tecniche fotografiche monocrome

Francesca Mambelli
La scheda F: i nodi informativi

Cinzia Frisoni
La catalogazione di beni semplici e di beni complessi

Cinzia Frisoni
La soggettazione: concetti, ordine, sintassi

Esercitazione di catalogazione in gruppo

Esercitazione di catalogazione individuale

La schedatura informatizzata. Esercitazione di catalogazione su SIGECweb
con i catalogatori della Fondazione Federico Zeri

Giornata delle Digital Humanities

Il Dottorato in Digital Humanities organizza la prima Giornata di Studi dedicata unicamente alle DIGITAL HUMANITIES.

I dottorandi parleranno delle scoperte e riflessioni maturate nei loro progetti e dialogheranno, fra loro e con il pubblico, su temi che intrecciano arte, letteratura, educazione, lingue, e tecnologia.

Un’occasione di scambio e confronto aperta a tutti gli appassionati di scienze umanistiche e/o tecnologia, e l’occasione perfetta per tutti coloro che non sanno che cosa sono le Digital Humanities per scoprire di più su questa nuova disciplina.

PROGRAMMA

10.00 – 12.30 Apertura lavori e a seguire Presentazioni dei dottorandi e Tavola Rotonda sul tema “Carta e schermo: La tecnologia al servizio delle scienze umanistiche”

14.30 – 17.00 Presentazioni dei dottorandi e Tavola Rotonda sul tema “L’evoluzione dei sensi: Le scienze umanistiche e i nuovi contenuti digitali”

L’incontro si terrà in Aula I nel dipartimento di Lingue nel palazzo in Piazza Santa Sabina 2.

Moderano l’evento Luca Sabatini e Fabrizio Bracco.

Dottorande responsabili dell’organizzazione:
Serena Zampolli
Maria Cecilia Reyes

 

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